TORMENTA SOB OS MARES (Hell and High Water)

Havia visto poucos filmes que se passam em submarinos. Digo, filmes que tratam de batalhas submarinas, mesmo. Os mais marcantes foram U-571: A BATALHA DO ATLÂNTICO, de Jonathan Mostow, e K-19: THE WIDOWMAKER, de Kathryn Bigelow, mas confesso que, mesmo assim, apesar de lembrar de ter gostado deles, a memória já dissipou muita coisa de suas tramas e atmosferas. Eis que vejo TORMENTA SOB OS MARES (1954) e fico encantado com esse universo tão pouco explorado no cinema. Ou pelo menos tão pouco visto por mim, em minha trajetória como cinéfilo. 

Por mais que seja encarado como uma das obras menos queridas de Samuel Fuller, o filme me agradou muitíssimo. E é uma das produções mais caras, até então, do diretor, mais uma vez com o apoio da Fox, numa de suas fases mais felizes do ponto de vista de conseguir apoio financeiro. Mais adiante haverá um período de vacas bem magras, mas chegaremos lá.

Há um jogo de gato e rato entre dois submarinos em TORMENTA SOB OS MARES que me deixou fascinado. Fuller faz um trabalho de tensão incrível numa ação que se passa debaixo d'água. Richard Widmark volta a trabalhar com o diretor depois do excelente ANJO DO MAL (1953), desta vez como um mercenário contratado por um grupo de homens que tem o interesse de investigar possíveis ações de comunistas na utilização de uma bomba atômica. Ele aceita o trabalho pelo dinheiro, enquanto o cientista vivido por Victor Francen está ali por algum tipo de patriotismo, mesmo não sendo americano.

Adam Jones, o personagem de Widmark, tendo tido uma experiência em guerra, faz questão que o submarino esteja equipado com torpedos e outras armas, por mais que o professor diga que a missão é apenas de investigação. E de fato, mais a frente veremos que Jones tem razão, já que seu submarino será não apenas perseguido, mas também atacado pelos chineses que se instalaram numa das ilhas do Pacífico em situação de neutralidade, não pertencendo nem ao bloco capitalista, nem ao comunista.

O filme conquista nossa atenção desde o começo, quando a missão é estabelecida ao comandante (Widmark) e vai ficando ainda mais interessante quando todos entram à bordo, inclusive uma cientista mulher, vivida por Bella Darvi (então amante do produtor Darryl F. Zanuck), que desperta o interesse dos homens logo de cara, ao mesmo tempo que é rejeitada, a princípio, por um dos tripulantes, que diz que mulher traz má sorte dentro de um submarino.

Talvez eu não tenha gostado tanto da conclusão, um pouco conveniente demais, o que não quer dizer que não funcione. Vejo o filme como quase perfeito até mais ou menos o momento em que Widmark e Darvi descem à ilha e o momento mais perfeito mesmo é o citado por mim no início do texto, quando há todo um trabalho visual incrível, com movimentos de câmera dentro daquele espaço valorizado pelo CinemScope, e o uso de luz vermelha, usada para facilitar o acostumar-se com a visão noturna. 

TORMENTA SOB OS MARES também tem a objetividade de outros filmes de Fuller que se assemelham ao bom jornalismo, seja pelo interesse pela verdade, seja por saber contar de maneira dinâmica e simples um enredo de raízes e preocupações históricas, mas com uma assinatura que está presente tanto nos aspectos formais quanto na construção de seus personagens, caso de filmes como EU MATEI JESSE JAMES (1949), O BARÃO AVENTUREIRO (1950), BAIONETAS CALADAS (1951) e A DAMA DE PRETO (1952), para citar trabalhos anteriores do realizador.

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A MARCA DO VAMPIRO (Mark of the Vampire)

Esta nova parceria de Tod Browning com Bela Lugosi depois do sucesso de DRÁCULA (1931) só não parece tanto uma continuação por ser uma obra mais divertida, no sentido de engraçada. Se não me engano, a produção de A MARCA DO VAMPIRO (1935) é mais barata, mas até isso, inclusive o cenário mais fake, faz parte da graça e até combina com a conclusão. Gosto do visual, tanto do cemitério com morceguinhos com efeitos práticos primários, quanto da casa cheia de teias de aranha habitada pelo Conde Mora e sua filha. Bela Lugosi praticamente não fala o filme inteiro e Lionel Barrymore rouba as cenas, principalmente a partir da segunda metade, quando passa a ser o grande protagonista. Gosto da virada final da trama deste filme de apenas 60 minutos - ao que parece, algumas cenas foram deletadas antes do lançamento final, deixando de fora alguns nomes que aparecem nos créditos iniciais. Visto no box Drácula no Cinema Vol. 2.

QUERO VIVER! (I Want to Live!)

Filmes sobre pessoas sendo vítimas da pena de morte sempre me maltratam muito. Mas faço questão de vê-los. Esses filmes acabam por nos fazer refletir no quanto o sistema é pensado por pessoas tão sádicas quanto os nazistas dos campos de concentração. E, não é de se admirar se pensarmos que os Estados Unidos é o único país a ter lançado bombas atômicas em cidades até hoje. QUERO VIVER! (1958), de Robert Wise, é um filme a que eu me devia ver há muito tempo, quando recebeu elogios na seção de videolançamentos da saudosa revista SET, nos tempos do VHS. Aqui temos uma das interpretações mais intensas do cinema produzido em Hollywood, com Susan Hayward ganhando seu merecido Oscar. É um grande filme que faz pensar no absurdo da pena capital, em um contexto muito humano. Por mais que a personagem seja inocente, isso deixa de ser tão importante nos instantes finais do filme, os mais poderosos, quando a música jazz deixa de estar presente e o silêncio é tão marcante e incômodo quanto a espera angustiante pelo momento da morte ou por uma suposta ligação do governador, que tem o poder de adiar ou mesmo cancelar a execução. O adiamento, aliás, é outro elemento de tortura, assim como parece ser toda aquela bondade que a mulher passa a receber das pessoas a seu redor, que fazem o possível para dar a ela o conforto em seus instantes finais, inclusive no modo elegante como ela estará vestida para seu momento derradeiro. Um filme tão duro e tão incrível quanto A SANGUE FRIO, de Richard Brooks. Visto no box Filme Noir – Filmes de Tribunal, que conta ainda com uma excelente análise de 40 minutos do crítico francês Rafik Djoumi, nos extras.

LUCÍOLA, O ANJO PECADOR

Impressionante esta adaptação de um dos clássicos mais ousados do romantismo brasileiro. Não cheguei a ler o romance Lucíola (1862), de José de Alencar, mas já percebo a ousadia de contar essa história, por mais que no filme não se esconda que já havia um outro romance clássico que também tratou de uma história de amor de um homem por uma cortesã, nome mais bonito para prostituta, mas que na época não chegava a diminuir o peso desse papel na sociedade. O outro romance, referenciado no filme, é A Dama das Camélias (1848), de Alexandre Dumas, que Lucíola é pega lendo, inclusive. Na trama de LUCÍOLA, O ANJO PECADOR (1975), de Alfredo Sternheim, Carlo Mossy é um rapaz que chega de Recife e fica encantado com a beleza e o fascínio de Lucíola, a mais famosa e rica cortesã do Rio de Janeiro. Os dois logo se sentem atraídos um pelo outro, mas as convenções sociais e o preconceito perturbam a relação, por mais que eles façam o possível para ficarem juntos. Claramente estão apaixonados, embora declarações de amor mais explícitas fiquem presas por um bom tempo. Sternheim não se importa em construir um melodrama de época cheio de arroubos dramáticos, principalmente no final. Até porque se havia a intenção de se aproximar do romance de Alencar isso se fazia preciso. As únicas concessões feitas são as breves cenas de nudez de Rossana Ghessa. Breves e sutis, mas provavelmente ousadas para as produções de meados dos anos 1970. Pena que a cópia existente do filme seja bem ruinzinha. A vantagem é que o filme é bom o suficiente para que esse tipo de problema possa ser esquecido em alguns momentos.

O SEQUESTRO DO PAPA (Rapito)

De carreira longeva (dirige filmes desde a década de 1960) e considerado por muitos o maior cineasta italiano em atividade, Marco Bellocchio é um diretor cuja obra lamento não conhecer o suficiente, embora não deixe de conferir cada novo trabalho seu lançado nos cinemas desde pelo menos BOM DIA, NOITE (2003), ainda que tenha perdido alguns de lá pra cá. Na aurora de minha cinefilia, o nome de Bellocchio já era bastante citado e lembro que a revista SET destacava filmes como OLHOS NA BOCA (1982) e DIABO NO CORPO (1986) em suas páginas, filmes que até hoje não vi. Os anos 1990 aparentemente não foram tão bons para o cineasta.

O SEQUESTRO DO PAPA (2023) não é apenas mais uma obra do cineasta para nos deixar felizes, mas um dos melhores lançamentos deste ano. O filme trata de uma história real tão chocante quanto dolorosa e que estava no interesse de Steven Spielberg: a do menino Edgardo Mortara, filho de pais judeus, que é tirado à força de sua família pela igreja católica dos tempos do Papa Pio IX, por ter sido batizado pela babá que cuidava dele quando bebê. A mulher, preocupada se o menino morresse e não fosse para o céu, providenciou o que achava o correto, escondido da família da criança. Na época do sequestro, Edgardo tinha apenas seis anos e nem a polícia e nenhuma outra autoridade podia fazer nada a respeito. Naquela época, o poder da igreja era imenso, sendo maior que as leis do estado e a Itália não era ainda o reino unificado que se transformaria em 1871.

Há uma cena em O SEQUESTRO DO PAPA que já está entre as minhas favoritas do ano: aquela em que a mãe da criança vai visitá-la. Que cena de arrepiar! Uma explosão de emoção num momento em que há muita tensão e tristeza envolvida. Bellocchio foi feliz em trazer uma história real tão incrível quanto esta, uma história que se inicia em 1858, em Bolonha, e imagino o quanto deve assombrar vários católicos até hoje. Para o espectador, é muito fácil ver o papa pintado no filme, vivido por Paolo Pierobon, como o grande vilão. E por isso se torna difícil até aceitar que esse homem tenha sido beatificado em 2000 pelo Papa João Paulo II.

A história do sequestro dessa criança, que aos poucos passaria a ficar mais aproximada à crença católica a ponto de se tornar também um sacerdote, trata de um embate em que não há vencedores. Nem mesmo a Igreja Católica, que, mesmo tendo ganhado a queda de braço para os pais, que enfrentaram a situação se utilizando da justiça e da imprensa, que espalhou a história por todo o mundo.

O filme também faz crítica a estruturas de religiões que enfatizam a palavra dita como palavra que não se volta atrás, sendo que isso vale até para a família judia, ainda que no caso deles haja muito mais nobreza. O último ato é também muito bom, com o menino agora adulto, e há algumas imagens perturbadoras e imensamente tristes, como a do papa sendo empurrado e sua posterior reação, a do caixão sendo levado pela rua ou a da visita de Edgardo à mãe, perto do final. As últimas imagens de Edgardo representam a irreparabilidade dos danos, inclusive psicológicos, desse ato terrível, que para os dias de hoje pode simbolizar um momento em que há uma simpatia por parte da extrema direita de a igreja se intrometer em assuntos de estado.

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A ÚLTIMA NOITE DE AMORE (L'Ultima Notte di Amore)

Terceiro longa-metragem dirigido por Andrea Di Stefano e o primeiro puramente italiano, em se tratando de produção (os outros dois são produções de vários países e falados majoritariamente em inglês), este A ÚLTIMA NOITE DE AMORE (2023) não apenas resgata mais uma vez nossa fé no cinema italiano contemporâneo, como também poderia ser um sucesso no circuito mainstream se contasse com um bom marketing. Isso porque se trata de um thriller policial que nos deixa tensos um tempo inteiro, além de ter um ator de primeira grandeza como Pierfrancesco Favino (O TRAIDOR, NOSTALGIA) trazendo ainda mais vigor para a trama. Favino é um policial que está prestes a se aposentar e que recebe uma proposta de trabalhar para os chineses (possivelmente mafiosos) ganhando um bom dinheiro, apenas tendo que fazer o transporte de uma mulher trazendo joias do aeroporto. Claro que sabemos que vai dar merda, mas a própria expectativa disso faz parte da graça, assim como as surpresas e o desenvolvimento da trama (o roteiro é original e também a cargo de Di Stefano). Destaque também no elenco para Linda Caridi, no papel da esposa do protagonista. A atriz pôde ser vista em trabalhos como ENTRE TEMPOS e LAÇOS e é responsável por alguns dos momentos mais bonitos do filme.

SEGREDOS (Confidenza)

A história de SEGREDOS (2024), de Daniele Luchetti se passa principalmente na mente de Pietro (Elio Germano) e por isso é uma história que deve ser vista com desconfiança. Depois do pacto que faz com sua ex-aluna Teresa (Federica Rossellini) de contarem ambos um segredo que jamais contariam para qualquer outro, esse homem começa a viver numa espiral de medo de que sua vida desabe totalmente a partir da revelação do tal segredo. Que o filme não chega a entregar, até para não interferir no julgamento do protagonista por parte do espectador. Por outro lado, nossa visão de Teresa também é a de uma figura que o ameaça apenas com a própria presença ou mesmo lembrança. Pietro casa com outra mulher, Nadia (Vittoria Puccini), de comportamento mais depressivo, mas riquíssima em detalhes nas cenas em que aparece, seja com gestos, seja com palavras. O filme apresenta Pietro como aquela pessoa comum, um professor, que é louvado pelo seu trabalho da chamada "pedagogia do afeto" e temos a impressão de que ele se sente desconfortável, talvez sofrendo de uma síndrome do impostor, sem, no entanto, deixar de aceitar elogios e homenagens de alunos e profissionais da educação. SEGREDOS é um filme envolvente que talvez peque por sua conclusão pouco satisfatória e meio atropelada, embora eu goste muito do instante da reação da filha do protagonista, que traz uma dramaticidade que combina com o tom de agonia e inquietação do personagem. Ao final, ouvimos uma canção de Thom York, que contribui com a trilha sonora. Grande escolha, aliás. Afinal, York talvez seja o compositor contemporâneo que parece melhor saber criar um tipo de música que define a angústia e o desespero do ser humano.

AINDA TEMOS O AMANHÃ (C'è Ancora Domani)

Que linda estreia na direção da atriz Paola Cortellesi! E eu não gosto de dizer que tal filme é necessário, mas diria que AINDA TEMOS O AMANHÃ (2023) é. E é também um filme que raramente teria a mesma força se dirigido por um homem. Afinal, só uma mulher sente na pele, mesmo uma mulher dos dias de hoje, a agressão que o mundo do patriarcado traz. AINDA TEMOS O AMANHÃ é herdeiro do neorrealismo de cineastas como Vittorio De Sica, até por localizar seu tempo no pós-guerra e na Itália destruída, empobrecida e humilhada. E para que personagem mais humilhada do que Delia, vivida pela própria diretora? É uma personagem que começa o filme recebendo tapa do marido. E outras agressões virão. Como se trata de uma obra que já passou pelo pós-modernismo, a narrativa também se constrói em alguns momentos com o uso de recursos musicais, até como uma forma de diminuir um pouco o peso da violência doméstica. E o que é aquele final, hein? O filme constrói um suspense que nos faz grudados na poltrona, torcendo por ela, e ainda muda nossas expectativas com uma surpresa linda e cheia de militância. Um dos melhores filmes italianos dos últimos anos.

MAXXXINE

O grande barato de Ti West é que ele é um diretor que começou fazendo filmes de terror B, por mais estilosos e sofisticados que alguns sejam, e, agora, mesmo com muito mais dinheiro investido em seu mais novo filme, MAXXXINE (2024), ele segue fazendo essas obras. Seu primeiro filme é o pouco visto (inclusive por mim) ATAQUE DOS MORCEGOS (2005), cujo nome já deixa mais ou menos claro do que se trata. Começou a chamar mais a atenção dentro dos fãs de horror com A CASA DO DIABO (2009), que acho muito legal, talvez seu melhor trabalho até hoje, com um visual que remete ao cinema do gênero da década de 1970.

Essa busca por emular uma época, ele tratou de explicitar em sua trilogia estrelada por Mia Goth, formada por X – A MARCA DA MORTE (2022), a prequel PEARL (2022) e MAXXXINE. O primeiro filme tem um visual mais rústico, de modo a remeter a produções baratas dos anos 1970, a década em que se passa a história, enquanto que PEARL traz um visual à Velha Hollywood. Na trama do primeiro filme, um grupo de jovens procura um lugar na zona rural do Texas para filmar um pornô e ganhar um dinheiro com isso. 

Assim como ocorre em tantos slashers, esse bando de jovens pecadores acabam morrendo um a um, sendo Maxine (Goth), a final girl, ou seja, aquela que sobrevive, mas também mata, indo embora no final e deixando aquele cenário de morte e destruição. Se a jovem sai de lá traumatizada, também sai de lá capaz de cometer atrocidades, como fica claro neste terceiro filme, que se passa em 1985, com a personagem já estabelecida e famosa dentro da carreira de porn star, mas sem ter perdido a esperança de se tornar estrela de Hollywood em filmes, por assim dizer, genuínos.

Sua grande chance aparece quando uma diretora, mesmo sabendo que ela vem da indústria de filmes adultos, resolve enfrentar o mercado e colocá-la como estrela de “A Puritana 2”, continuação (fictícia) de um filme de muito sucesso entre os fãs do gênero. A tal diretora, inclusive, vivida por Elizabeth Debicki (TENET), acredita que seu trabalho não é um terrorzinho B qualquer, mas uma obra de respeito. Maxine passa no teste e começa a pensar já em seu futuro como grande estrela de cinema de Hollywood, espelhando-se não em Marilyn Chambers, atriz pornô que fez um filme de David Cronenberg, o ótimo ENRAIVECIDA – NA FÚRIA DO SEXO, mas em gente como Brooke Shields, que também começou a carreira muito jovem fazendo terror, o maravilhoso slasher COMUNHÃO. Gosto muito, aliás, dessa primeira parte do filme, de todas essas citações a filmes, atrizes e diretores.

No final, MAXXXINE não me empolgou tanto quanto X – A MARCA DA MORTE, mas sei que a ideia de uma trilogia foi uma sacada de mestre por parte de West, que soube aproveitar muito bem o sucesso de um primeiro filme feito com baixo orçamento e o talento de uma atriz como Mia Goth. Aliás, eu diria que Goth está ainda melhor em PISCINA INFINITA, de Brandon Cronenberg. Quem ainda não viu, dê uma chance. Ela está realmente incrível.

O novo filme já passa claramente a impressão de que tem mais dinheiro envolvido (e realmente tem), por mais que procure manter o estilo de filme B de terror da década de 1980, até mesmo emulando certo amadorismo nas cenas de terror, suspense e gore, além de uma fotografia que remonta a fitas de VHS. O suspense não chega a ser bem desenvolvido e em vez disso há uma predileção por cenas tão violentas e gráficas que servem menos para chocar e mais para divertir, como é o caso da cena do assaltante (de certa forma chocante, mas parece uma cena deslocada dentro da narrativa) ou a cena do carro sendo esmagado, talvez duas das minhas favoritas.

Como se trata de um filme sobre uma jovem mulher que busca o estrelato em Hollywood, mesmo já tendo ficado famosa dentro do meio pornô, há muitos momentos que enfatizam essa obsessão da heroína. Nesse sentido, MAXXXINE encontra um forte paralelo com PEARL, que é o que mais lida com um desenvolvimento de personagem. O elenco de apoio também é luxuoso, destaque para Kevin Bacon, mas também para Giancarlo Esposito, Michelle Monaghan, Bobby Canavale e Lilly Collins.

Por mais que o filme de West tenha me decepcionado um pouco, vejo o filme como uma obra representativa da boa e criativa safra atual. Sem falar que se a intenção é mesmo emular obras com pouca capacidade de envolver emocionalmente, mas com um bocado de imagens memoráveis e com sabor exploitation, é sim uma obra que merece a devida atenção e que conseguiu muito do que pretendia. Além do mais, quem gosta de caçar referências, MAXXXINE é um prato cheio, inclusive na percepção do uso de trilha sonora oitentista e homenagem a um subgênero hoje muito mais respeitado, o giallo. 

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UM LUGAR SILENCIOSO – DIA UM (A Quiet Place – Day One)

Imagino que este terceiro filme da franquia Um Lugar Silencioso, por mais que tenha tido a intenção de ser um prequel, já deixou claro que é preciso ideias muito boas para levar à frente uma história que se sustenta basicamente no jogo de não fazer nenhum barulho para não ser comido pelos monstros alienígenas. O novo diretor e roteirista, Michael Sarnoski, sabia disso e por isso tentou fazer um filme intimista, cujo maior mérito é quebrar as expectativas de quem viu os outros dois. O que temos em UM LUGAR SILENCIOSO – DIA UM (2024) é basicamente uma história de amizade de curta duração entre uma mulher com câncer e um homem inglês. Junto deles, um simpático gatinho, melhor coisa do filme. Também considero mérito a opção por mostrar o menos possível da destruição, até porque se percebe que o CGI dos efeitos não é dos melhores. O problema é que o filme também não me ganhou naquilo que mais poderia satisfazer, ou seja, na construção da relação dos dois ao longo da Nova York destruída em pânico. De todo modo, UM LUGAR SILENCIOSO – PARTE III está nos planos dos executivos, e provavelmente com a volta de John Krasinski na direção. A questão é: será que, depois deste prequel desanimador, as pessoas vão se sentir animadas para mais um?

VIOLÊNCIA E TERROR (Intruder)

Assistir a um slasher e ver o ano de produção e lançamento ajuda muito a lançar luz sobre o filme, ajuda a compreender o momento e até as opções estéticas do diretor dentro daquele contexto. Com o cansaço do subgênero ao longo da década de 1980, é de se imaginar que em 1989 já não havia mais tanta inventividade e esses filmes passariam a ser consumidos pelos fãs puramente como diversão, graças principalmente à familiaridade de seus clichês. Neste VIOLÊNCIA E TERROR (1989), de Scott Spiegel, o assassino é possivelmente um rapaz que acabou de sair da prisão e faz uma confusão ao se aproximar da caixa do supermercado, com quem teve um relacionamento no passado (infelizmente o trailer acaba entregando a identidade do assassino, assim como o próprio cartaz original). Esse tal estabelecimento estava fechando e a ideia do dono era fazer uma grande liquidação. Todos os funcionários são convidados a passar a noite trabalhando e mudando os preços para o dia seguinte, um pouco tristes porque estarão desempregados no dia seguinte. Até que começam as mortes. O interessante é que a primeira morte não é vista e a seguinte é muito sutil, o que me fez pensar que VIOLÊNCIA E TERROR seria um slasher sem muito grafismo. Mas eu estava errado e essas cenas mais gráficas vão surgindo de forma cada vez mais intensa - acho incrível a cena do sujeito que tem a cabeça partida ao meio numa serra de cortar osso de açougue. Se o filme é uma produção Bzona, a equipe de efeitos especiais é um luxo. Me incomodou um pouco a falta de habilidade do diretor nas cenas de ação corpo a corpo, no impacto físico mesmo, mas é algo que pode ser relevado em prol da diversão. Visto no box Slashers III.

ESCOLA NOTURNA (Night School)

Um slasher relativamente diferente, até lembrando mais um giallo. As cenas de assassinato são menos gráficas do que o costume, ainda que capriche um bocado no horror nas cenas de ataque do assassino, que sempre usa um capacete fechado e espelhado e uma jaqueta de couro. Enquanto isso, acompanhamos também as buscas do policial (Leonard Mann), cada vez mais indignado com o aumento do número de mulheres decapitadas. Trata-se de um filme bem cuidado nas interpretações (embora isso não seja uma obrigação para o subgênero) e há um capricho visual que contrasta com as imagens mais sujas. Apesar de ser até cultuado, imagino que, para a carreira do inglês Ken Hughes ESCOLA NOTURNA (1981) pode representar uma decadência, já que em sua carreira pregressa ele chegou a trabalhar com astros do primeiro escalão. No elenco deste, destaque para Rachel Ward. Filme visto no box Slashers VII.

VIAGEM A SAMPA 2024

Minha história com São Paulo é de muito amor. É minha cidade favorita. Só não digo que prefiro ela a Fortaleza porque nunca morei em São Paulo e sei o quanto pode ser dura de se trabalhar. É bem diferente ir a passeio. E só não digo que gosto mais do que de Nova York pois minha passagem pela cidade enaltecida por Frank Sinatra foi relâmpago. De todo modo, citando essas duas cidades, já se percebe minha predileção por espaços urbanos cheios de cultura por todos os lados. Mas a verdade é que também aprendi a amar praias, lugares para acalmar o espírito, ainda mais recentemente, com o retorno de Giselle a minha vida.

E por isso esta nova viagem a São Paulo foi tão especial, já que foi na companhia dela, que dizia que não gostava de frio e que até suspeitava de que não fosse gostar muito. Felizmente, ela adorou todos os dias que passamos lá. E eu também, claro. Foi a mais diferente de minhas idas à terra da garoa pois desta vez tive mais chance de conhecer mais espaços, já que das outras os meus focos eram basicamente o cinema e os encontros com os amigos (cinéfilos).

Desta vez, acabei não encontrando vários amigos queridos que encontrei em outras ocasiões. Senti falta de ver o Marcelo, a Ana, a Laura, o Leandro, o Gabriel, o Tiago, a Alê, o Alysson, a Márcia, a Bia, o Primati, o Gustavo, o Edu. Também queria muito encontrar o Renato, mas a distância da cidade dele complicou um pouco. Com alguns, ainda consegui organizar encontros. E houve encontros-surpresa também. Mas isso porque era importante que eu e a Giselle aproveitássemos mais nosso tempo juntos.

Quinta-feira, 11 de julho

Saímos para o aeroporto pela manhã para um voo que sairia próximo do meio-dia. Acho que foi o voo mais conveniente que encontramos, de modo que curtíssemos um pouco o dia e não precisássemos madrugar. Havia combinado com o Michel e a Cris um jantar naquele dia. Vê-los é de uma alegria tão grande pra mim que acho que eles não têm ideia. Fomos a um restaurante tailandês (ou meio tailandês) chamado Mestiço, próximo ao hotel onde nos hospedamos, o Ibis da Rua da Consolação. Gosto da localização desse hotel, além do preço mais camarada. E estar ali pertinho da Av. Paulista é uma delícia. Pena que o quarto é muito pequeninho. Mas tranquilo: a gente acaba se acostumando.

Por causa do horário inconveniente do voo (hora do almoço, e praticamente sem serviço de bordo, praxe atualmente) chegamos famintos e andamos alguns quarteirões da Rua da Consolação em busca de um lugar para comer, pouco antes do jantar, que já estava próximo. Mas deu tempo de tomarmos banho, trocarmos a roupa e irmos a pé ao restaurante, ali pertinho do hotel. E foi legal que o Chico pôde ir também.

A Cris, pessoa extraordinária que é, ainda sugeriu irmos comer uma sobremesa noutro lugar, o que logo me animou. Adoro esses passeios gastronômicos por São Paulo. O lugar aonde fomos, chamado Le Blé, no bairro de Higienópolis, é tão bonito, que achei mágico entrarmos ali, como se entrar naquele espaço fosse como atravessar uma passagem secreta para outro mundo, até pelo jazz que remetia à primeira metade do século XX. Sem falar na decoração e nas luzes. Lá, eu e a Giselle ainda pudemos comprar online nossas passagens para Aparecida, a viagem que faríamos no dia seguinte.



Sexta-feira, 12 de julho

Acordamos cedinho. E acordar cedinho em São Paulo, especialmente durante o inverno, não é fácil. Ficar na cama até mais tarde é uma tentação. Mas tínhamos passagem comprada e iríamos para a missa do meio-dia. Pra mim foi tudo muito novo e para a Giselle foi uma alegria atravessar todo aquele percurso para chegar a um destino que ela sonhava conhecer, o Santuário Nacional de Nossa Senhora Aparecida, o maior templo religioso do Brasil e o segundo maior do mundo (menor apenas que a Basílica do Vaticano, segundo o Wikipédia).

Nos últimos meses, eu tenho ido de vez em quando à missa com a Giselle e, apesar de minhas raízes evangélicas, tenho gostado da experiência, inclusive por encontrar tanto beleza quanto mistério. Quem leu meu texto sobre nossa ida ao Instituto Hesed, na postagem sobre PADRE PIO, do Ferrara, certamente pode ter um pouco a noção da experiência mágica por que passei naquele dia.

Para chegar ao santuário, pegamos metrôs de diferentes linhas, chegamos ao terminal do Tietê para pegar o ônibus, viajamos duas horas e meia, e pegamos um táxi para nos deixar até lá em frente. Uma verdadeira peregrinação. Eu me emocionava com a emoção da Giselle. Esse momento foi muito especial pra gente e acredito que definidor de nosso destino juntos, fortalecedor de nosso amor.

Ao chegarmos ao santuário fiquei impressionado com o aspecto gigantesco daquele espaço. O tempo das missas é mais curto, praticamente sem uma homilia (que é o que eu mais gosto), mas foi o suficiente para nos deixar felizes de estarmos naquele lugar cheio de pessoas de fé. O espaço comercial de lá é também imenso, com direito a uma praça de alimentação muito ampla e vários estabelecimentos que vendem produtos relacionados principalmente à imagem de Nossa Senhora Aparecida. Depois do almoço, retornamos ao santuário para ver a imagem original em madeira, que fica num lugar especial e luminoso da igreja, sempre com filas de pessoas passando para ver e fazer suas orações.

Para a noite, o destino ainda nos reservou um encontro inesperado com amigos de Fortaleza em São Paulo. Murilo passa uma mensagem perguntando “você está aqui?”. Logo, deu a entender que ele estava em São Paulo também, com sua noiva. E que bom que conseguimos agendar esse encontro. E ele ainda conseguiu reunir a Camila e o JB para um jantar num restaurante italiano nas imediações da Paulista, a Osteria Generale. Foi um encontro muito feliz em que falamos de alegrias e de enfrentar bravamente deficiências. Adorei rever a Camila, uma sagitariana cheia de alegria como a Giselle. Adorei conhecer a Izabel, a noiva do Murilo. Saímos de lá praticamente enxotados pelos garçons, ansiosos para que fôssemos embora para fecharem o estabelecimento.

Sábado, 13 de julho

O sábado foi dedicado só a nós dois. Para passearmos por diversos espaços de São Paulo, propus que fôssemos inicialmente à Galeria do Rock. Queria comprar umas camisetas novas de bandas de rock e era uma chance de conhecermos mais a área do Centro da cidade. O engraçado é que entrei numa galeria e achei tudo muito estranho. Muitos estabelecimentos afro e inclusive uma mulher chegou a perguntar à gente: o que vocês querem aqui? Algo do tipo. Senti que estava no lugar errado. A Giselle perguntou se ali era a galeria do rock. Era a do Reggae, um homem falou. A do rock era a próxima. Adoro passar por essas situações que servem para contar histórias depois. A galeria do rock é mais animada e bem menos abandonada, com direito até a lugares para alimentação e bebida. Como o rock é um estilo bem segmentado é possível ir atrás de lugares com que você se identifica mais. Só comprei uma camiseta do Rage Against the Machine e a hipoglicemia atacou. Precisava almoçar urgentemente. O almoço foi um peixinho com legumes delicioso num lugar chamado Ponto Chic – O Famoso Bauru, espaço tradicional de São Paulo.

A próxima parada estava no ar ainda: MASP? Parque do Ibirapuera? Liberdade? Optamos pelo MASP, mas no meio do caminho, ao atravessar a Estação Liberdade, descemos lá, como num impulso. E foi mágico conhecer esse bairro japonês. A Giselle comprou um monte de coisas numa loja sul-coreana, mas eu fiquei de olho mesmo foi na comida de rua, como num festival gastronômico. Até queria estar com mais fome para comer mais. Conhecemos um café muito bacana lá, onde tiramos fotos e curtimos a paisagem (o café fica nos altos). Depois ainda voltamos para as banquinhas, onde comi dois bolinhos de feijão (não sei o nome exato) e a Giselle comeu outra comida salgada (também não lembro o nome; essas coisas, principalmente de comidas diferentes, preciso anotar).

Estávamos cansados, mas ainda conseguimos energia para voltar ao hotel, tomar banho, trocar de roupa e ir a uma sessão das nove, no Espaço Augusta, de COMO COMPRAR A LUA. Filme simpático, projeção muito boa, e nem tive sono (rolou um cafezinho rápido antes). Depois disso, ainda fizemos um breve passeio pela Rua Augusta, que estava animadíssima. Passamos por uma galeria ao ar livre cheia de pequenos restaurantes, mas optamos pelo tradicional Pedaço da Pizza, que eu já conhecia e aprovava. O frio da noite não deixou a gente ficar muito tempo passeando pelas redondezas. Hora de voltar pra casa.



Domingo, 14 de julho

Os dias anteriores estavam nublados, mas naquela manhã de domingo o sol chegou bonito. Havíamos combinado um encontro com o Eduardo Aguilar, amigo cuja simpatia tenho desde as cartas que ambos enviávamos para as colunas de Carlos Reichenbach, e depois nos aproximamos na lista Canibal Holocausto, e, com o tempo, sempre que viajo para São Paulo arranjo um jeitinho de encontrar com ele. Achei muito legal que a Giselle gostou muito dele. Mas antes de encontrá-lo, ao virar a esquina para a Av. Paulista, já vimos a alegria da avenida fechada e à disposição de pedestres e ciclistas, com shows, danças, vendedores ambulantes, tudo muito legal e alto astral.

Nossa primeira ida foi ao MASP, que contava como principal atração os quadros de Francis Bacon. São pinturas bem diferentes, impressionantes, algumas quase assustadoras. Chegamos a ver também exposições noutro andar, que para nossa surpresa são tão ou mais belas e de encher os olhos quanto a principal. Por causa da fome, largamos mão da outra exposição e fomos ao shopping onde havíamos combinado de tomar o café com o Aguilar e almoçamos no Giraffa’s. Comida boa e rápida. E já a partir de lá começamos nosso papo com meu amigo católico, como eu o apresentei à Giselle. O café no Ofner com docinho estava bom demais. E o papo mais ainda. Rolou conversa sobre cinema, mas também teve sobre família, religião e encontros.

O próximo passeio programado para o domingo foi para a sessão de TWISTERS, que havíamos combinado com a Cris, o Michel e o Chico. A Paula e seu filho Francisco também estavam lá. O filme é divertido e eu adoro a Daisy Edgar-Jones desde NORMAL PEOPLE. A sala lá do shopping Cidade de São Paulo é muito boa. O jantar foi no Outback e eu solicitei a permissão de Moisés para pedir a tradicional costelinha de porco de lá (o Ribs on the Barbie), que dividi com a Giselle, que já ficou com vontade de repetir o prato noutra ocasião, aqui em Fortaleza. Voltamos para casa de Uber com o Chico. Como eu gosto dessa turma.

Segunda-feira, 15 de julho

O dia amanheceu bem ensolarado e o plano inicial daquela segunda-feira era conhecer o Parque do Ibirapuera. Eu havia dado uma passada muito rápida ali na primeira vez que fui a São Paulo, mas foi só para bater ponto. Dessa vez pude curtir de verdade e o sol e o sorriso sempre encantador da Giselle fizeram a diferença. Eu não sei andar de bicicleta e achava que não daria conta nem daquele triciclo. Mas a Giselle achou que seria uma ótima ideia para passearmos pelo parque, conhecer o lago e outras partes do lugar. E de fato foi uma delícia, sim. Comemos um pastel debaixo de uma árvore e depois alugamos a bicicleta para passear. Foi de uma alegria imensa aquele nosso momento. E acabamos nos perdendo lá dentro e pagamos valor adicional. Mas claro: valeu cada centavo.

Havíamos combinado de nos encontrar com o Aguilar novamente. Ele se dispôs a nos acompanhar ao mercado municipal, outro lugar que a Giselle queria conhecer e que eu não conhecia. Almoçamos por lá um sanduíche tradicional paulistano e depois fomos ver as frutas e conhecer o espaço. A Giselle ainda comprou algumas frutas para levar para o Gustavo, seu filho, mas acabei não comprando nada pra eu levar. Não sabia o quão conveniente seria carregar aquelas frutas no avião. Mas ela estava certa em trazer. Tão sabida ela. Depois do mercado, fomos conhecer o mosteiro de São Bento, e achei o lugar incrível. Lá imperam o silêncio, o respeito e estava acontecendo uma cerimônia que nunca vi antes. Ficamos pouco tempo, mas gostei da impressão que aquele lugar me causou. De lá nos despedimos do Aguilar e fomos de volta ao hotel.

Chegamos tão cansados que acabei dormindo um bocadinho, de modo que acordamos um pouco tarde para aproveitar alguma coisa no shopping. Deu para comprar o boneco-combo dos minions para meu sobrinho no Shopping Pátio. E depois jantar lá perto. O passeio no parque havia nos deixado um pouco fatigados.

Terça-feira, 16 de julho

A Cris havia feito a gentileza de nos ajudar a aproveitar o último dia. Nosso voo seria apenas às sete da noite e teríamos que fazer o check-out no hotel até o meio-dia. Então, saímos de manhã e ainda almoçamos com ela e o Michel num lugar muito legal chamado Quiche & Cia. Logo em seguida, Cris nos levou à Cinemateca Brasileira. Deu para ver a mostra dedicada a Vladimir Herzog. Importante e feita com amor à democracia. Em seguida, para aproveitar o restinho do dia, fomos ao centro novamente, mais uma vez à Galeria do Rock – queria comprar um boné para o meu sobrinho. Acabei trazendo de volta mais duas camisetas de bandas (The Smiths, Radiohead).

Ou seja, até mesmo este dia com pouco tempo disponível acabou sendo muito proveitoso e gostoso. Andamos muito de metrô e Uber principalmente, mas também bastante a pé, de táxi e até de ônibus. Podemos dizer que soubemos aproveitar São Paulo, mesmo sabendo que faltou muita coisa ainda para conhecer e curtir. Michel nos entregou as malas, partimos para Congonhas e voltamos para nossas casas, felizes por termos feito uma viagem tão incrível, tão próxima da perfeição. A companhia da Giselle é um presente para mim e tenho certeza de que ela ama estar a meu lado também. Então, acho que consegui juntar o amor que eu tenho por uma cidade ao amor por uma mulher em uma só tacada. Sucesso!, como diria meu amigo Michel.

ENTREVISTA COM O DEMÔNIO (Late Night with the Devil)

Algo que é ao mesmo tempo um problema e uma alegria para os fãs do cinema de horror (na verdade vale para qualquer gênero) é o vazamento de filmes na internet. Um problema para quem gostaria de ver certos filmes no cinema e às vezes nem sabe se alguma distribuidora chegou a comprar o objeto do nosso interesse para exibição futura. Eu, como não tenho tanto tempo disponível, vejo o ato de esperar pelo filme como algo interessante. Mas sei também que, em se tratando de terror, poderei ficar frustrado com o lançamento do filme em apenas cópias dubladas, o que tem sido comum de acontecer com filmes do gênero, infelizmente. Além do mais, há a questão das salas ruins, as salas com projeção tremida, muito escura ou com cores lavadas e sem nitidez. E eu já sei quais são várias dessas salas. Se não me engano, acabei optando por ver PEARL em casa, de Ti West, por um desses motivos: sala ruim ou cópias dubladas.

Recentemente mesmo (neste ano), pedi meu dinheiro de volta em duas ocasiões para filmes de terror: MERGULHO NOTURNO e IMACULADA – este, já havia caído na internet e deu pra vê-lo em casa. Então, ir ao cinema ultimamente tem sido uma caixinha de surpresas, nem sempre com final feliz. No entanto, sinto que fiz o certo em esperar alguns meses para ver no cinema ENTREVISTA COM O DEMÔNIO (2023), numa sessão apropriada, ou seja, perto das onze da noite (incrível como as redes de cinema agora estão empurrando as poucas sessões legendadas, principalmente dos filmes de terror, para bem mais tarde). Deixo claro que digo “apropriada” pelo “late night” do título original e não porque acho decente só colocarem sessões legendadas desses filmes muito tarde da noite, o que acaba espantando desanimando muita gente de vê-los.

Muita gente já viu o filme em casa quando vazou, e na época que vazou era possível ver muita gente postando no Letterboxd sobre ele, mas duvido muito que a experiência tenha sido tão boa quanto vê-lo na tela grande, com imersão e excelente som. Até porque este é um dos filmes da safra recente mais interessantes e diferentes, trazendo de volta o found footage de maneira muito criativa e contando com um time de atores tão bons que quase nos esquecemos de que se trata de um filme e não de um programa de TV dos anos 1970 que topa tudo para aumentar a audiência, inclusive entrevistar uma garota que supostamente está possuída por um demônio. Aliás, sobre a qualidade da atuação do elenco, o ator que faz o protagonista, David Dastmalchian, merece um prêmio. Está simplesmente incrível no papel do apresentador do programa.

Os irmãos Cameron e Colin Cairnes, talentos vindos da Austrália, assim como os irmãos Philippou, do impressionante FALE COMIGO, são criativos o bastante para colocar mais atrativos no programa de variedades. Por isso eu digo que é filme para se ver sabendo o mínimo possível, para valorizar as surpresas e as opções estéticas dos realizadores em sua condução da história até a conclusão, nem sempre muito querida dos espectadores. (Eu mesmo tenho minhas reservas quanto ao último ato, mas não desgosto totalmente.)

ENTREVISTA COM O DEMÔNIO relembra o pânico do satanismo que acometeu os Estados Unidos na década de 1970 e sabe trazer isso de forma muito particular. Nessa época, Hollywood soube aproveitar bastante essa onda de medo, que vem de uma reação conservadora a um avanço de costumes mais ligados à contracultura, como uma maior liberdade sexual, o uso de drogas e um abraçar maior ao rock’n’roll, um gênero musical que tem por tradição essa relação com o sexo e com as drogas – e às vezes até com o satanismo, dependendo da banda ou artista. Inclusive, essa reação da sociedade conservadora está voltando com força, embora de maneira mais delirante, na era da pós-verdade.

Por isso até podemos dizer que o filme dos irmãos Cairnes retrata um pouco o espírito de nossa época, por mais que nos leve para um programa de televisão dos anos 1970. E nos leva de maneira muito envolvente. Enfim, fico feliz com essa nova onda de bons e muitas vezes ótimos filmes de terror trazidos por novos realizadores. Há vários muito interessantes chegando por aí.

Visto na muito boa sala 6 do UCI Iguatemi Fortaleza.

+ TRÊS FILMES

CHRISTINE, O CARRO ASSASSINO (Christine)

Não lembro se vi CHRISTINE, O CARRO ASSASSINO (1983) pela primeira vez na televisão ou em VHS. Mas o fato é que na primeira vez que vi fiquei encantado. Talvez mais do que agora, na revisão, embora continue sendo um dos grandes trabalhos do John Carpenter, que torna crível (talvez não tanto quanto Stephen King, mas nunca li o romance) a ideia de um carro maligno que tem vida própria e não apenas mata, mas também modifica a personalidade de um rapaz tipicamente nerd e que costuma sofrer agressões dos bullies na escola, mas que se converte num bully também já a partir do primeiro contato com Christine, o carro velho e abandonado que ele compra e restaura. O filme trata de um tipo de masculinidade muito associada à violência e da relação quase sexual que o homem contemporâneo tem por carros – isso é ainda mais explícito nos Estados Unidos. O filme pertence a uma das fases mais brilhantes da filmografia de Carpenter – ele vinha de pelo menos três joias consecutivas: A BRUMA ASSASSINA (1980), FUGA DE NOVA YORK (1981) e O ENIGMA DO OUTRO MUNDO (1982). Depois tem gente que não entende a idolatria que muitos têm por seu cinema. Visto no box em Blu-Ray Carpenter Essencial.

O CHICOTE E O CORPO / DRÁCULA, O VAMPIRO DO SEXO (La Frusta e il Corpo)

O livro da Versátil sobre pérolas do cinema de horror da coleção me lembrou de que já fazia muito tempo da última vez que havia visto O CHICOTE E O CORPO (1963) – foi em 2007 a primeira vez que vi (com áudio em italiano, que parece ser bem melhor que esse áudio em inglês que experienciei agora, e que acabou atrapalhando um pouco a imersão, não sei dizer o porquê). É talvez o mais estranho dos filmes de Mario Bava, uma história de amor doentia situada num castelo à beira-mar, que tem uma cadência um tanto irregular, mas com aquelas imagens de impacto, como a cena do Christopher Lee dentro do caixão sendo levado por aqueles homens de capuzes vermelhos, ou as vezes em que ele chicoteia a hesitante mas apaixonada mulher vivida por uma Daliah Lavi com seus olhos tão expressivos quanto a Barbara Steele de A MALDIÇÃO DO DEMÔNIO (1960). Seu horror, seguido de dor, prazer, êxtase e finalmente entrega diante de seu amante/torturador é de deixar a gente desconcertado. E há uma música que parece balançar ao ritmo das ondas do mar e faz ressoar aquele romance contado junto com algo parecido com um whodunit sobrenatural com aquela fotografia em cores fantástica, com destaque para o verde e o vermelho, a morte e a paixão.

A CURA (Cure)

Kiysohi Kurosawa é um dos mais interessantes cineastas da atualidade. Já o era lá nos anos 1990, mas eu nem sabia de sua existência. Só a partir dos anos 2000 que seu nome passou a ser mais celebrado, principalmente por seus filmes de terror ou thrillers, embora ele costume enveredar por outros gêneros também. A CURA (1997) é uma de suas maiores obras. É tão enigmático quanto KAIRO (2001), mas com outro tom, de investigação policial e com menos imagens escuras. O mal se manifesta às claras, ou na tonalidade cinzenta da fotografia. Os policiais investigam assassinatos muito estranhos e muito semelhantes, em que os assassinos não lembram suas motivações. Aos poucos, o filme vai encaixando as peças e apresentando novos players para o jogo, como um sujeito que se diz desmemoriado. Sua primeira aparição, na praia, já traz um senso de medo que se manifestará em diversos momentos ao longo da narrativa, que em muitos momentos parece um sonho ou pesadelo. O andamento é lento, mas a montagem é bem ágil, se prestarmos atenção nos movimentos de câmera, nos ângulos e nos cortes. O que vemos é um dos filmes de horror mais estranhos e originais das últimas décadas.

HERE

Alguns filmes são tão sutis que clamam por uma revisão imediata. No caso de HERE (2023), primeiro filme do cineasta belga Bas Devos que chega aos cinemas brasileiros, essa necessidade me surgiu quase que imediatamente. É como se fosse um objeto etéreo, muito pouco palpável, e talvez por isso mesmo muito atraente. O fato de ter uma duração curta (apenas 84 minutos) e terminar de maneira aparentemente brusca, ainda que perfeita, contribui para que queiramos adentrar seu mundo mais uma vez.

Talvez seja o caso de conhecer mais a poética de Devos para entendê-lo melhor, mas acredito que ter este filme como porta de entrada para seu cinema já é uma alegria. Ainda mais vendo numa sala tão especial quanto o Cinema do Dragão. O outro filme do diretor lançado no Brasil, TRÓPICO FANTASMA (2019), foi direto para o streaming, e acho uma pena que ver filmes em casa ultimamente esteja sendo uma tarefa um pouco mais complicada para mim, do ponto de vista da concentração.

O título do filme, HERE (“aqui”), pode se referir tanto ao lugar onde o protagonista masculino Stefan (Stefan Gota) pretende ficar, sua cidade natal Bruxelas (há uma repetição em sua fala de que  muito provavelmente ficará mais que o tempo de férias), quanto a uma forma de presentear alguém – “aqui, pra você”. Essa segunda opção me parece mais poética, e tem um pouco a ver com as sopas caseiras que ele costuma presentear para os amigos. Um presente artesanal parece ter maior valor que um  comprado numa loja.

HERE não é um filme com ênfase na narração, embora haja, sim, uma história. Mas ela é muito menos importante que as sensações que o verde e os sons da natureza provocam. O verde aqui chama mais atenção que nos filmes de Apichatpong Weerasethakul e ele é mágico, misterioso. É no verde que acontecem as cenas mais belas entre os dois protagonistas. São cenas tão sutis que até parece que nada aconteceu. Há uma cena, por exemplo, do tipo “piscou, perdeu”, em que algo brilha nas mãos do protagonista, como que enfatizando o caráter fantástico do filme, sem, no entanto, abrir mão do pé no chão. Afinal, a mágica presente em HERE é uma mágica presente na natureza, no mundo material.

Há um uso do extraplano magnífico, e uma outra cena, seguinte, com o som da chuva e uma iluminação singular que nem sei explicar direito o que me fez sentir. Acontece na cena em que o casal, Stefan e Shuxiu (Lyio Gong), depois de passarem um tempo na floresta, esperam a chuva passar abrigados debaixo de uma árvore. Aliás, a chuva desempenha um papel muito importante no filme. Vale lembrar da cena em que Stefan vai parar no restaurante chinês e é atendido justamente por Shuxiu.

Filmado originalmente em 16 mm, há uma textura muito particular em HERE que faz uma transição linda entre o ambiente mais urbano do início para o espaço rural e verdejante do desenvolvimento e conclusão. E o fato de o rapaz se relacionar com uma cientista e professora pesquisadora de musgos pode dizer muito sobre esse seu encontro com a calma, a paz, o amor, sendo ele alguém que sofre com insônia. Pena que vi o filme ainda em estado de saúde não muito apropriado. Ainda assim ele me encantou e me encanta cada vez mais, à medida que volto a pensar nele.

+ TRÊS FILMES

CAPTURAR O FANTASMA

A trajetória de Davi Mello é fascinante e deveria ser mais conhecida e reconhecida, por mais que saibamos que o curta-metragem ainda seja uma espécie de formato mais marginal em sua dificuldade de aproximação com um público maior. Depois do viajante PROMESSA DE UM AMOR SELVAGEM (2022), que conta com uma produção mais cara e caprichada, temos um filme menor, com apenas três atores em cena num espaço fechado, naquilo que parece ser uma cozinha. CAPTURAR O FANTASMA (2024) é talvez o seu filme mais lynchiano (inclusive pelo uso do som), por trazer uma espécie de medo de algo que não sabemos muito bem o que é, o que eu costumo chamar de medo irracional, embora esse termo não seja assim tão feliz. Na verdade, pela primeira fala, é possível acreditar que o filme seria sobre ver fantasmas – é o que a personagem de Yasmin Gomes diz, sobre apenas as mulheres de sua família terem esse dom. E então a cena corta para Gilda Nomacce, essa atriz incrível que já participou de outro excelente trabalho do realizador, AS VIAJANTES (2019), e que acrescenta mais mistério em seu segmento. Já o segmento de Raimundo Moura é o que mais se aproxima do espectador, em sua falta de compreensão do medo que sente. Certamente é um filme que ganha mais em revisões, de modo a se perceber mais atentamente as falas, certas palavras-chave, os gestos e o não-dito.

VERISSIMO

O segundo longa de Angelo Defanti, depois da adaptação do romance O Clube dos Anjos, de Luís Fernando Verissimo, em 2020, é um olhar para o próprio Verissimo, esse autor celebrado da literatura brasileira, mais especificamente nos dias que antecedem seu aniversário de 80 anos. Como alguém de poucas palavras, pelo menos em conversas e entrevistas, o escritor seria um personagem complicadíssimo para encabeçar um documentário em que ele é o protagonista. No entanto, é esse aspecto de sua personalidade que faz com que esse filme se torne único. Como se fôssemos convidados a desvendar o mistério que é a mente desse senhor. Às vezes a impressão que dá, vendo VERISSIMO (2024), é que as pessoas se aproximam dele apenas por ele ser quem é; sendo um anônimo, talvez não fosse atraente o suficiente. O filme tem alguns momentos de humor sutil, bem característico da personalidade do escritor. A opção pelo registro de observação das imagens escolhidas na mesa de montagem foi acertada, no sentido de que se torna um filme em que os espectadores vão acessar de maneira ainda mais pessoal.

AS LINHAS DA MINHA MÃO

Há uma cena em AS LINHAS DA MINHA MÃO (2023) em que Viviane de Cássia Ferreira conta de uma experiência que teve na França. Nesse instante, o olhar cansado de alguém que sofre em se equilibrar entre a sanidade e a perda de controle mental parece mudar. Ela fica bonita, até remoça, como diria Chico Buarque. É como se ela tivesse se transportado para aquele evento de seu passado. E o mais incrível é que lá perto do final ela fala de algo envolvendo realidades alternativas, quando cita um presente que recebeu de Tom Jobim. A opção de João Dumans (um dos diretores de ARÁBIA, 2017) por cortes aparentemente independentes e às vezes bem diferentes entre si para formar capítulos divididos por telas pretas dão ao filme certa pluralidade para o espectador entender e se solidarizar com Viviane. Há outro "capítulo" muito bonito, que é quando ela conversa com um amigo, enquanto fuma e bebe uma cerveja. Dumans parece perceber que a personagem em si já é meio caminho andado para o sucesso de seu filme. Ainda que "sucesso" seja um termo bem relativo, principalmente em se tratando de filmes "pequenos" como este.