TÁR

Ver TÁR (2022) no cinema é outra coisa (havia ficado muito triste com o fato de a distribuidora brasileira não ter lançado o filme por essas paragens). E deu para perceber os motivos de o filme pedir sempre uma tela grande: o trabalho de escala que Todd Field faz, que vem desde as letras pequenas dos créditos (que são difíceis de ler na tela pequena), passando pela dimensão maior com que os cenários parecem dispor para trabalhar com os personagens e seus movimentos, além da valorização de cada parte de sua janela scope. A cena de Lydia Tárr conversando com os alunos no teatro, por exemplo, dá o tom. O teatro parece tão monumental nas lentes de Field que as cadeiras parecem saídas do cenário de O INCRÍVEL HOMEM QUE ENCOLHEU.

Rever o filme também é uma oportunidade de prestar mais atenção, com prazer, nos detalhes. Quem o vê apenas como um excelente trabalho de Cate Blanchett (e de fato é o papel de sua vida) não viu o filme, na verdade. Claro que sem ela o filme não existiria (falou o diretor), mas o que vemos é uma obra que tem um rigor formal tão perceptível que fica óbvio que estamos diante de um trabalho fora do comum.

Não sei o quanto o filme será um documento de nosso momento no futuro, no que se refere à questão da cultura do cancelamento e as questões envolvendo artistas que cometem atos reprováveis (Bach é cancelado por um personagem por ser misógino e mulherengo), mas, sendo o cinema uma arte que trabalha mais com a empatia do que com o julgamento, é fácil nos colocarmos no lugar de Lydia – pelo menos em alguns momentos – e compreender sua atração pela jovem violoncelista, por exemplo, ainda que fique um pouco no escuro o que ela fizera com a jovem que cometeu suicídio. Apenas para dar conta desse aspecto do filme, uma terceira e quarta revisões seriam bem-vindas, já que é possível estabelecer elos entre o que ela diz, o que ela faz e o que seu subconsciente tenta avisar através de sonhos, os quais dão a TÁR um ar de um cinema fantástico invadindo o que supostamente seria uma biopic.

O curioso é que foi preciso que Field fizesse uma obra assim, grandiosa, para que ele chamasse mais atenção para seus trabalhos anteriores, de menor pretensão, talvez, e que agora sinto a curiosidade de rever, embora lembre de ter gostado de ambos na época do lançamento. A questão é que TÁR é tão bom que quase nos esquecemos que também há um trabalho de direção de atores incrível, destaque para o elenco feminino lindo e internacional: ao lado de Blanchett estão Nina Ross, Noémie Merlant e Sophie Kauer, uma música de verdade estreando como atriz. Lembrando que o trabalho de atores era algo já bastante evidenciado em ENTRE QUATRO PAREDES 2001) e em PECADOS ÍNTIMOS (2006).

A princípio, TÁR não parece um filme fácil (pelo menos, não para plateias impacientes), mas depois é só se habituar com o andamento – as primeiras sequências são bem longas e algumas delas mostram longos diálogos, duas com dois homens do meio da música erudita, em restaurantes. Mas Field nunca escolhe o ângulo de câmera mais óbvio e isso faz toda a diferença, assim como a escolha da própria iluminação na fotografia do alemão Florian Hoffmeister (ALÉM DAS PALAVRAS), às vezes optando por uma penumbra bonita. O filme não se apressa a apresentar sua história, embora ela seja menos importante do que a nossa aproximação com a heroína, do que conhecermos um pouco mais suas manias, seu egoísmo e seu temor de estar aos poucos perdendo a capacidade de conduzir sua vida. Logo ela, que é uma maestro (assim no "masculino" mesmo).

Tive um pouco de dificuldade de sentir o filme mais palpável, mas esse teor um pouco etéreo o torna mais atraente (aliás, eu diria que no cinema é possível ver o filme um pouco mais palpável, por ser o espaço ideal para vê-lo). No mais, foi uma bela sacada de Field começar seu filme com os “créditos finais”, com todos os técnicos responsáveis por detalhes supostamente menos importantes da construção de um filme, deixando para o fim o elenco etc. É como se o diretor estivesse deixando claro que, mesmo um gênio como Lydia Tárr, só está nos holofotes por causa de muitas outras pessoas, auxiliando com muito talento e competência. E não deixa de ser também um gesto de humildade do próprio Field, ele mesmo se mostrando um gigante na condução de seu maior filme, pedindo aplausos para todos aqueles que contribuíram para a materialização de sua obra.

+ TRÊS FILMES

ENTRE MULHERES (Women Talking)

Sarah Polley faz um filme que traz muita coisa para a discussão, muitos problemas e sofrimentos criados para as mulheres dentro do mundo do patriarcado. E ela opta por uma obra com mais amor do que raiva, embora a raiva passe e esteja presente, especialmente na personagem de Jeff Buckley, a que sofre agressão do marido constantemente. Enquanto isso, a personagem de Rooney Mara transborda amor apenas pelo olhar. O título original parece sintetizar de maneira modesta sobre o que o filme trata (simplesmente mulheres falando), mas também tem o poder de dizer que, naquele momento, é a vez das mulheres falarem. Tanto que o personagem de Ben Whishaw, que é o único homem presente nas reuniões, pois é a única pessoa que sabe ler, representa o masculino que chora de dor pelos danos provocados por pessoas do seu gênero. Ainda que seja um filme de muitos diálogos, fugindo bastante do que costumamos ver no próprio cinema indie americano, há um cuidado com o visual que se destaca já desde a escolha por uma janela hiper-larga (2,76:1), pela montagem que junta passado e presente e também imagens que às vezes contrastam com o que é dito. O fim de ENTRE MULHERES (2022) tem uma melancolia carregada de esperança, embora seja uma esperança que precise ser nutrida com ações e com paciência, pois o mundo ainda demorará muito para mudar, já que os homens ainda não aprenderam a agradecer às mulheres pelos presentes recebidos. Infelizmente não pude ver no cinema, pois a minha sensibilidade ocular com projeção tremida estragou essa oportunidade e me fez sair da sessão (não sem antes reclamar com o gerente). Com isso, preferi vê-lo em casa.

A BALEIA (The Whale)

Oitavo longa-metragem de Darren Aronofsky, que tem se mostrado cada vez mais ousado em ir longe com suas histórias e situações que beiram o mau gosto e o grotesco. Mais do que nunca, eu diria. Não deixa de ser admirável, pois vejo um diretor no controle da situação, mas que parece cada vez mais querer optar pelo choque para chegar a um tipo de transcendência. Vem causado muita polêmica com A BALEIA (2022); há quem o acuse de gordofobia e, nesse sentido, ele é sem dúvida exploratório até dizer chega. Ainda assim, eu gosto de muita coisa do filme, em especial da personagem da filha, vivida por Sadie Sink (STRANGER THINGS), mas principalmente de toda a atmosfera que é criada dentro de uma casa que parece trazer um cheiro de mofo e suor ou qualquer outra coisa desagradável. Enquanto isso, quase sempre está chovendo lá fora, num cenário bem teatral, mas que também remete à obra anterior do diretor, MÃE! (2017), por se passar num único espaço, quase sempre fechado. Contudo, as cenas que parecem feitas para virar clipes para o Oscar são bem constrangedoras.

TRIÂNGULO DA TRISTEZA (Triangle of Sadness)

Só reproduzindo o texto que escrevi na época que vi TRIÂNGULO DA TRISTEZA (2022), anterior ao resultado da premiação:

Pronto. Já dá para sonhar com um Oscar memóravel, com TUDO AO MESMO TEMPO etc. ganhando melhor filme e o Ruben Östlund ganhando direção. Que beleza, hein! Não odiei o filme como muitos odiaram; tampouco me entusiasmei. Na verdade, dei umas boas (mas preguiçosas) risadas na cena do barco na tormenta e depois disso o último ato, que lembra um pouco O ANJO EXTERMINADOR, também não me disse muito. Palma de Ouro. Lembrando seus concorrentes:

HOLY SPIDER, de Ali Abbasi
LES AMANDIERS, de Valeria Bruni Tedeschi
CRIMES OF THE FUTURE, de David Cronenberg
THE STARS AT NOON, de Claire Denis
FRERE ET SOEUR, de Arnaud Desplechin
TORI AND LOKITA, de Jean-Pierre & Luc Dardenne
CLOSE, de Lukas Dhont
ARMAGEDDON TIME, de James Gray
BROKER – UMA NOVA CHANCE, de Hirokazu Kore-eda
NOSTALGIA, de Mario Martone
R.M.N., de Cristian Mungiu
DECISÃO DE PARTIR, de Park Chan-Wook
SHOWING UP, de Kelly Reichardt
LEILA’S BROTHER, de Saeed Roustayi
BOY FROM HEAVEN, de Tarik Saleh
A ESPOSA DE TCHAIKOVSKY, de Kirill Serebrennikov
HI-HAN (EO), de Jerzy Skolimowski

NUVENS FLUTUANTES (Ukigumo)

Às vezes temos a impressão de que não temos muito controle sobre nossas vidas. E quando a vida apresenta uma série de baques, de situações duras, restam dois caminhos: buscar um pouco de fé para seguir em frente, ou seguir em frente, mesmo assim, esperando, quem sabe, que os ventos da sorte mudem a nosso favor. Nem sempre esse segundo caminho é o ideal, mas é muito comum que aconteça e pode ser visto de maneira impactante e triste em NUVENS FLUTUANTES (1955), meu primeiro contato com o cinema de Mikio Naruse.

Os filmes de Naruse eram até pouco tempo atrás inéditos em mídia física no Brasil, até que a Versátil Home Video começou a trazer vários de seus filmes em suas coleções. Inicialmente, saíram quatro obras do realizador no box A Arte de Mikio Naruse, que inclui QUANDO A MULHER SOBE A ESCADA (1960); depois mais 13 filmes nos boxes O Cinema de Mikio Naruse (volumes 1 e 2), que trazem obras aclamadas como VIDA DE CASADO (1951) e MULHER INDOMADA (1957); além do DVD duplo de O SOM DA MONTANHA (1954), que contém vários extras e cinco filmes da fase silenciosa do diretor. Optar pelo lançamento de obras com pouco apelo comercial como esses, num mercado cada vez mais segmentado, que é o da mídia física, é um ato de amor e de coragem por parte da distribuidora. E, portanto, é algo que merece não só nosso respeito, mas também nossa contribuição para valorizar esse trabalho tão importante.

Como NUVENS FLUTUANTES foi meu primeiro contato com Naruse, não tenho ainda intimidade com a poética do realizador, embora vontade não falte para adentrar o seu universo. Ainda mais porque esse filme é um dos mais brilhantes melodramas que eu já vi. E um dos mais tristes. Podemos até pensar em A VIDA DE O’HARU, de Kenji Mizoguchi, como um exemplar do mesmo período, como uma dupla de histórias devastadoras sobre espíritos quebrados e desesperança, mas o filme de Naruse é até mais moderno na forma (será?) e mais complexo no modo como apresenta o drama de seus personagens. 

Afinal, há algo misterioso que une o casal de protagonistas. Enquanto a mulher, Yukiko (Hideko Takamine, presença constante em vários filmes de Naruse), ama demais o homem, a ponto de isso se tornar o sentido para sua existência; o homem, Tomioka (Masayuki Mori, de O IDIOTA, de Akira Kurosawa), carrega em si uma espécie de desencanto pela vida, de amargor, que nem mesmo o amor devotado de uma mulher é capaz de fazê-lo mudar seu comportamento. No entanto, não é apenas Yukiko que o procura: ele também a procura em momentos distintos de suas vidas. Porém, com frequência, ele magoa Tomioka com palavras e gestos (como ter casos com outras mulheres, ou se voltar mais para sua esposa, já que ele é um homem casado).

Em determinado momento, quando os dois viajam para um hotel numa montanha, ele diz que pensava em cometer duplo suicídio com ela, mas depois diz que ela não é bonita o suficiente para morrer com ele. E há o sorriso, às vezes sem graça, e às vezes carregado de alguma esperança de Yukiko, que nos deixa desolados. E Naruse vai conseguindo nos prender a essa relação turbulenta e cheia de dor paulatinamente, sem pressa.

Assim, à medida que nos aproximamos da conclusão, essa relação vai também nos consumindo, em especial nas cenas em que os dois partem para uma ilha onde Tomioka trabalhará como guarda florestal. No meio da viagem, a chuva torrencial entra em sintonia com a angústia da relação dos dois, cujo sentimento é muito claro para Yukiko, mas que talvez seja ainda mais doloroso para Tomioka, que carrega em si tanto sentimentos de culpa quanto um espírito despedaçado pela dúvida.

Em NUVENS FLUTUANTES, apesar do sofrimento de Yukiko, é ela a personagem mais forte, é ela que tem a certeza do amor e que sente esse amor de maneira mais intensa. Outro diretor poderia abordar isso de maneira inversa – há quem diga que quem ama mais sofre mais e por isso é mais fraco. Mas, ao que parece, não é bem assim que as coisas são. E Naruse, já numa fase madura de sua vida, nos ensina um bocado sobre a vida, o amor e os relacionamentos. Por outro lado, ver apenas fortaleza em Yukiko é também cruel de nossa parte, é glorificar seu sofrimento, já que ela passa, ao longo da narrativa, por diversas situações, inclusive tendo que viver como prostituta para sobreviver naquele Japão do pós-guerra, mostrado de maneira tão miserável. Apesar disso, no meio das favelas e becos em que é ambientada boa parte da história, a elegância dos personagens teima em resistir.

NUVENS FLUTUANTES tem uma estrutura diferente do que se espera de uma história de amor ou de fim de amor, já começando com a relação destruída, uma relação que havia começado anos atrás na Indochina, quando o Japão ainda não havia perdido a Segunda Guerra Mundial, não estava com o ego tão ferido e com a sociedade tão empobrecida. Aliás, é bem possível fazer um paralelo entre a glória do passado e a tristeza do presente, tanto do país quanto da relação em questão. E há o estilo de Naruse, as várias cenas das pessoas indo embora das ruas e becos, sempre vistas de costas. É um filme bem dolorido, um dos mais tristes já realizados, e por esse outros motivos, essencial.

+ TRÊS FILMES

O MONSTRO RESSUSCITADO (El Monstruo Resucitado)

Quando a Versátil lançou o box de cinema de horror mexicano, o primeiro filme que peguei para ver foi O ESPELHO DA BRUXA (1962). E fiquei absolutamente encantado com tanta beleza visual, mas principalmente com a imensa criatividade do diretor e seus roteiristas (curiosamente, entre eles está o mestre Carlos Enrique Taboada). Então, fiquei curioso para ver este filme mais antigo de Chano Urueta, O MONSTRO RESSUSCITADO (1953), que não é tão brilhante quanto o filme de 62, mas é impressionante em muitos aspectos, pegando tanto influências dos filmes de monstros da Universal quanto, provavelmente, dos quadrinhos de terror dos anos 1950. Na trama, um homem com o rosto desfigurado convida uma bela jornalista (Miroslava) para conhecer a mansão onde ele realiza experimentos bizarros. Na verdade, ele tem interesse na mulher e ela dá a entender que tem um interesse mútuo. Mas, quando esse homem descobre que ela está tentando apenas se aproveitar dele e escrever uma grande história jornalística, ele tenta se vingar dela. Acho que o filme funcionaria melhor se o tal homem desfigurado não falasse tanto, até porque Urueta tem um cuidado visual que se destaca bastante nas cenas sem diálogos. Ainda assim, há momentos inacreditáveis que valem demais a apreciação. Visto no box Obras-Primas do Terror - Horror Mexicano 3.

UM DE NÓS MORRERÁ (The Left Handed Gun)

O filme de estreia de Arthur Penn, UM DE NÓS MORRERÁ (1958), é esta história com tintas trágicas com o objetivo de mostrar um Billy the Kid diferente, despido da glória e mais parecendo um garoto sem muita capacidade de pensamento e um tanto desorientado e angustiado. Um dos momentos mais representativos desse aspecto de revisionismo do personagem é a conversa rápida que ele tem com o sujeito responsável por espalhar suas "glórias" para o leste do país. O filme é também importante ser visto por ser dirigido por Penn, o homem que daria o pontapé inicial na chamada Nova Hollywood. Visto no box O Cinema de Arthur Penn.

CONTRASTES HUMANOS (Sullivan's Travels)

Meu primeiro Preston Sturges, graças ao box lançado pela Versátil recentemente (O Cinema de Preston Sturges). Por algum motivo, o cineasta não foi tão incensado quanto vários contemporâneos seus. E vendo CONTRASTES HUMANOS (1941), esta bela comédia com uma inteligente crítica social, vemos o quanto o diretor é bom. Na divertida trama, Joel McCrea é um diretor de cinema que, percebendo que não tem experiência com a pobreza, resolve sair sem nenhum tostão e experimentar essa vida para adquirir expertise. No caminho, conhece uma bela loira (Veronika Lake), que quer lhe acompanhar na empreitada. Adoro o ato final, que eleva bastante o resultado da obra.

COMEDIANS IN CARS GETTING COFFEE – SEGUNDA TEMPORADA

A ideia em 2021 era conseguir ver todos os episódios de COMEDIANS IN CARS GETTING COFFEE disponíveis (ou não) na Netflix. Acabei parando no meio da segunda temporada (2013), mas que bom que tive a ideia de ir escrevendo minitextos sobre os episódios imediatamente após vê-los. Não garante qualidade nos textos, mas ao menos não fico com a impressão de ter visto os episódios em vão. Retomei esses dias os episódios dessa segunda temporada, que é curtinha e conta com nomes fortes, como Chris Rock, Sarah Silverman e David Letterman. Lembrando que a ideia é tentar ver os episódios na ordem de lançamento original, e não na ordem que a Netflix colocou.

“I'm Going to Change Your Life Forever”

A comédia está mudando um pouco a impressão de que é um clube do Bolinha, mas lembro que na época que vi pela primeira vez a Sarah Silverman, em 2007, demorei um pouco a me acostumar com seu jeito. Aqui o Jerry até fica um bocado sem falar, pois ela é bastante falante. Além de muito simpática. Um detalhe que me chamou a atenção, embora não seja nada: eles estão no carro e Jerry pergunta: você está a fim de tomar café? Ela demora alguns segundos para responder, séria. Senti falta de mais reflexões sobre a vida, mas a atmosfera é agradável e Sarah estava faminta e pede um lanche bem reforçado. Depois ainda passam numa loja de doces. Alegria com açúcar no final. Gosto de como ela parece estar curtindo o passeio, no final, e sugere que eles partam para San Francisco.

“I Like Kettlecorn”

Em determinado da conversa entre David Letterman e Jerry, David pergunta se é normal eles conversarem tanto no café. Jerry diz que não, que eles estão conversando mais pois se dão muito bem. David acha que ele está esperando algo realmente bom para incluir no episódio. E, de fato, a impressão que fica é essa mesmo. Ao chegar no café, David parece desconfortável e pergunta se todas aquelas pessoas são atores ou são pessoas mesmo. E se eles podem mandá-las embora. No mais, achei pouco atrativa a conversa. Talvez seja mais interessante para quem conhece os comediantes anteriores ou contemporâneos de David (só tinha ouvido falar no Richard Pryor, dentre os citados).

"No Lipsticks for Nuns"

Passados dois anos, deu saudade de ver o Jerry levando convidados para tomar café, passear e bater papo. Retomei de onde parei a segunda temporada, com este divertido episódio com Gad Elmaleh, conhecido como o "Jerry Seinfeld da França", pelo estilo de comédia que ele faz, centrada no cotidiano. Jerry resolve levar um carro francês dos anos 1950, que dá um bocado de trabalho para chegar aos lugares, mas Jerry costuma ficar muito tranquilo nessas situações. São três os locais: um lugar onde vende batata frita com molho de manga (fiquei doido para experimentar), um local onde vende baguete e uma cafeteria, onde eles se empanturram de mais comida. Ah, e ainda passam numa doceria para um cupcake. Gostei do humor de Elmaleh, das piadas sobre americanos vendo jogo de beisebol e de pessoas se encontrando em elevadores. São duas pessoas com um elevado grau de harmonia, o que é muito agradável de ver.

"You'll Never Play the Copa"

A tradição de comediantes americanos é tão rica que de vez em quando eu me dou conta que não conheço vários nomes muito importantes da comédia (de todos os tempos). É o caso de Don Rickles, que fez sua fama na década de 1950, tendo trabalhado com Frank Sinatra, sobre quem contou algumas histórias interessantes a respeito do jeito prepotente (mas também carismático) do ator e cantor. Dá para perceber o abismo geracional entre Jerry e Don, mas também se percebe o enorme respeito de Jerry para com esse homem que tinha então 87 anos - Don morreu aos 90 anos em 2017. Das conversas, não percebi muita coisa interessante, talvez mais coisas nas entrelinhas, como o modo como Don baixa o tom de voz para contar uma história como se fosse um grande e perigoso segredo.

"Really?!"

Não é dos episódios mais brilhantes, e talvez não haja muitos momentos de risos, mas a presença, o carisma e a simpatia de Seth Meyers fazem valer os 15 minutos de duração. Além do mais, Meyers se mostra bastante modesto: considerava-se o menos talentoso do Saturday Night Live e sempre achava que poderia não agradar nos shows solo de comédia. O episódio é um dos que mais destaca o carro na introdução e também na conversa. Trata-se de um da própria coleção de Jerry, um Porsche 911 de 1973. O passeio é rápido e agradável. Tomam um café em Nova Jersey, passando pelo pedágio, em tempo de chuva suave. Seth Meyers cita Don Rickles: fala do dia em que ele tentou se aproximar dele para dizer o quanto o admirava etc.

"Kids Need Bullying"

É menos divertido do que eu esperava, levando em consideração a presença de Chris Rock. Jerry o pega num Lamborghini Miura de 1967, que ele considera um dos carros mais lindos e fantásticos de todos os tempos. Chris talvez até tenha o deixado meio sem jeito, quando diz que estar com alguém legal independe de estar num táxi ou num supercarro. O título do episódio talvez seja o que mais se destaca na conversa no café: o fato de que as crianças precisam de bullying para que no futuro se tornem cientistas ou algo assim. Faz algum sentido e Jerry não traz contraponto para a discussão, até porque isso faz parte do humor. Outra coisa marcante do episódio: quando Jerry acelera para mostrar a força do carro na estrada, eles são parados por um policial rodoviário. Chris já fica gelado, pois sabe do histórico de racismo do país onde vive.

MISSÃO: IMPOSSÍVEL (Mission: Impossible)

Acho que preciso dar um gás na minha peregrinação pelo cinema de Brian De Palma. Comecei a (re)ver seus filmes em 2021 e já estou há dois anos nessa brincadeira. E não há um grande motivo para isso, levando em consideração que os filmes do realizador são uma delícia de ver, embora eu saiba que o motivo é tanto o cansaço, quanto a minha incrível capacidade de me dispersar. A revisão de MISSÃO: IMPOSSÍVEL (1996) acabou coincidindo com o novo filme da franquia que está para chegar em julho. MISSÃO: IMPOSSÍVEL – ACERTO DE CONTAS: PARTE 1 (2023) já é o sétimo filme com Tom Cruise no papel de Ethan Hunt e muita coisa mudou de lá para cá. Quando De Palma aceitou dirigir um blockbuster de espionagem, ele teve que fazer algumas concessões, mas também chegou a agir como uma espécie de “traidor” dentro da grande corporação que é Hollywood. No fim das contas, na batalha entre o filme de produtor (Tom Cruise e Paula Wagner) e de diretor, o autor venceu, eu diria.

É a primeira vez que revejo este filme desde que o vi no cinema, se não me engano no Cine São Luiz. Uma das coisas que mais chamou a atenção foi a tecnologia de meados dos anos 1990, em comparação com a dos dias de hoje. Também chama a atenção a menor quantidade de cenas de ação, que aumentariam bastante a partir do segundo filme, quando a franquia foi ganhando mais status de espetáculo. Dentro da filmografia do De Palma parece uma de suas obras menos pessoais, mas só aparentemente, já que sua poética está lá nos duplos, nas traições, na figura paterna pouco confiável, nas preferências formais. Lembrava-me da cena do cofre, uma das mais antológicas de toda a franquia, mas havia me esquecido da ótima cena no trem-bala, mais perto do final. Meu interesse em rever o filme foi mais pelo De Palma, mas não nego que bateu vontade de rever todos os demais.

Em geral, eu não quebro muito a cabeça para entender filmes de espionagem. Na maioria das vezes, aceito o conceito de mcguffin e relaxo. Mas, lendo sobre este primeiro MISSÃO: IMPOSSÍVEL, soube que parte da crítica reclamou bastante do quanto a trama era confuso, de como era difícil entender o que estava acontecendo. Acredito que hoje em dia esse tipo de comentário seria menos comum. Não achei o filme tão difícil de compreender e logo no início fica muito claro que o personagem de Jon Voight, o líder da IMF Jim Phelps, é o traidor, e que Ethan Hunt (Cruise) é responsabilizado pela morte de toda sua equipe. Ou de quase toda. A esposa de Jim, Claire (Emmanuelle Béart) reaparece viva para confundir ainda mais a cabeça de Ethan, que se encontra numa posição de não confiar em ninguém, nem mesmo no chefe Kittridge (Henry Czerny).

O interessante da primeira cena de missão do grupo inicial, que traz também no elenco Emilio Estevez, Kristin Scott Thomas e Ingeborga Dapkunaite, é que temos uma boa parte de atores famosos que seriam vítimas fatais das ações do traidor do grupo. Mais à frente, uma outra equipe é montada, mas também com chances de traição – Jean Reno é o traidor; Ving Rhames é a pessoa de confiança (Rhames permaneceria na franquia até os dias de hoje).

A missão inicial é impedir que um diplomata roube a chamada lista NOC, que contém os nomes de agentes americanos infiltrados, de uma embaixada em Praga. Porém, o chefe da CIA já sabia do traidor infiltrado no grupo da IMF e já havia montado uma segunda equipe de espiões. As cenas das mortes do primeiro grupo trazem uma situação geralmente comum nos filmes de Brian De Palma, que é o engano através da imagem. A ilusão lembra UM TIRO NA NOITE (1981) e DUBLÊ DE CORPO (1984), por exemplo.

Uma coisa que é a cara do De Palma é a angústia provocada pelo adultério – lembremos do quanto a cena do sexo seguido da morte de Angie Dickinson em VESTIDA PARA MATAR (1980) é impactante. E isso é colocado de maneira ao mesmo tempo sutil e incômoda neste thriller, no momento em que Hunt sente atração pela esposa do supostamente falecido Jim, uma figura paterna que ele até então respeitava. O próprio filme deixa dúvidas se há uma consumação da relação carnal entre Hunt e Claire, através de cortes para outras cenas após um momento sensual dos dois – a escolha de uma atriz como Béart definitivamente não é em vão: ela vinha de filmes que exploravam sua beleza, como A BELA INTRIGANTE, de Jacques Rivette, e CIÚME – O INFERNO DO AMOR POSSESSIVO, de Claude Chabrol. Por isso, Ethan teme que Claire tenha usado seu corpo para seduzi-lo.

Ao fazer um filme de espionagem com traição, De Palma faz referência a um outro título de seu mentor Alfred Hitchcock, INTRIGA INTERNACIONAL, que contém uma situação semelhante entre homem e mulher, com o personagem de Cary Grant atraído por uma Eva Marie Saint que é amante do vilão. E ao fazer um filme de espionagem com traição ele mais uma vez faz lembrar do De Palma adolescente, que procurou filmar a traição do próprio pai. Ou seja, pode não parecer dentro de um blockbuster de 80 milhões de dólares (e que renderia mais de 450 milhões em bilheteria mundial), mas com De Palma, tudo pelo visto é pessoal.

MISSÃO: IMPOSSÍVEL desagradou a muitos fãs da série de televisão dos anos 1960/70, por ter colocado o chefe da IMF justamente como o traidor e ter matado seu time logo no começo do filme. Porém, a julgar pela bilheteria e pelo sucesso longevo da franquia, levada com muito seriedade por Cruise, o grande público não se importou com isso. Ou então, não sabia. Além do mais, releituras de outras obras não precisam ser fiéis às originais. Ainda mais em se tratando de uma história que lida com traições.

+ TRÊS FILMES

O ÚLTIMO PESADELO (Curtains)

Eis um filme que merece ser avaliado de maneira muito peculiar. Afinal, não se pode negar que é uma bagunça, que o próprio diretor se recusou a colocar o nome nos créditos, que demorou anos para ser terminado e teve várias cenas refilmadas para tentar fazer sentido e ter uma duração de longa-metragem; enfim, talvez tudo isso contribua para que ele tenha alcançado o status de cult e ganhado o coração de muitos fãs de horror e slashers. Na verdade, um dos pontos positivos de O ÚLTIMO PESADELO (1983) é ser um slasher bem atípico: há sim muitas mortes e a figura de um assassino misterioso, que inclusive usa uma máscara assustadora, mas trata-se de uma obra que se apresenta explicitamente como uma luta entre as intenções do autor e do produtor. O diretor Robert Ciupka, no caso, queria fazer um filme mais sutil e psicológico, enquanto o produtor queria algo mais rasteiro e pronto para ser consumido como fast food e fazer sucesso nos cinemas. Acabou sendo lançado em poucas salas e sendo redescoberto na era do videocassete e das várias exibições na televisão. Acho que ter algumas cenas muito boas ajuda a guardar na memória afetiva, como a cena da boneca na estrada, que é horripilante. Ou a cena da moça de patins no gelo. Aliás, o elenco de atrizes se destaca, mesmo com toda a bagunça que nos deixa confusos sobre quem já morreu e quem continua viva dentro da casa do dramaturgo vivido por John Vernon, que é uma espécie de predador sexual e um sujeito pra lá de escroto. Já Samantha Eggar, ela surpreende bastante no início do filme, mas parece mal aproveitada no desenvolvimento. Ainda assim, sua presença é um ganho e tanto para a produção. Filme visto no box Slashers V.

MORTE AO VIVO (Tesis)

Este é um daqueles filmes que era bastante comentado na segunda metade da década de 1990, mas que, (talvez) por não ter sido exibido nos cinemas locais e eu não ter encontrado nas locadoras, acabei não vendo. O livrinho da Versátil sobre horror (o dos spin-offs) funcionou como um empurrãozinho para que eu finalmente o visse. Trata-se da estreia de Amenábar na direção de longas-metragens, com apenas 23 anos de idade. Ainda no ritmo da faculdade, o diretor faz um filme com atores jovens e estudantes e sobre um tema que é relativamente pouco explorado no cinema: o dos snuff movies. Em MORTE AO VIVO (1996), Ana Torrent é a estudante que pretende fazer uma tese sobre a violência no audiovisual e que acaba encontrando uma fita que descobre ser da morte real de uma moça que fora estudante da mesma universidade. Gosto bem mais da primeira metade do filme, enquanto prevalece o mistério, do que de seu final, mas a conclusão é muito divertida, por mais que se pareça com um filme americano. O jogo hitchcockiano sobre em quem se deve confiar se estende muito bem até o final, que é bem acertado. Adoro o trio de atores principais, especialmente Ana Torrent e Fele Martinez. Entre as cenas memoráveis, destaco as primeiras cenas da protagonista com Eduardo Noriega, o principal suspeito. Um começo exemplar para o diretor Alejandro Amenábar que faria em poucos anos uma obra-prima, OS OUTROS (2001). Filme visto no box Obras-Primas do Terror - Horror Espanhol.

AUDIÇÃO (Ôdishon)

No início dos anos 2000, estava rolando um hype muito interessante em torno do cinema de Takashi Miike. Na lista de discussão Cannibal Holocaust, seus filmes eram muito citados, e eu cheguei a ver um punhado deles na época. No caso de AUDIÇÃO (1999), até comprei o DVD importado de uma loja de Hong Kong. E chegou a hora de rever o filme depois de 20 anos da primeira vez. Na segunda vez é possível aproveitar melhor as propostas de Miike em desenvolver um filme lento e muito interessado na questão do protagonista de encontrar uma esposa e de marcar encontros com uma das moças das audições. É só perto de uma hora de metragem que Miike vai revirando sua obra do avesso. Eu consigo ver AUDIÇÃO como uma espécie de materialização do medo que os homens sentem das mulheres. Isso é até comentado brevemente pelo filho do protagonista (tenho medo das mulheres, ele diz). O filme poderia muito bem ser um exploitation bem sem-vergonha, mas a opção por um tom mais sóbrio fez com que se tornasse a obra mais celebrada do prolífico diretor. É também um belo exemplar de como o narrador opta pela crueldade da vida (a vida que pode ser maravilhosa, nas palavras do protagonista), em vez do acordar para uma vida confortável. Filme visto no box Obras-Primas do Terror 5.

JOHN WICK 4 – BABA YAGA (John Wick – Chapter 4)

“It’s not a piece of the song, it’s the whole song that makes you rock out.”
Chad Stahelski

Li uma crítica por aí comparando a cinessérie John Wick com a trilogia dos dólares de Sergio Leone. E se pensarmos JOHN WICK 4 – BABA YAGA (2023) como sendo o maior, mais arriscado e mais poético dos quatro, é sim possível vê-lo como o TRÊS HOMENS EM CONFLITO da nova geração, inclusive também por ter o western como um dos vários gêneros assimilados e por estender a ação como Leone tão habilmente fez. 

Até pouco tempo atrás havia poucos exemplares do cinema de ação recente, dentre os produzidos em Hollywood, cujos realizadores pareciam preocupados em mostrar a coreografia das cenas de luta. Talvez por isso Quentin Tarantino tenha deixado tanta gente impressionada quando fez o seu KILL BILL (2003/2004), não sem antes convidar assistentes de direção de Hong Kong, assim como fizeram também as irmãs Wachowski em seu MATRIX, lá em 1999. Sim, os verdadeiros especialistas em cinema de ação estavam (estão) no oriente, ainda que alguns tenham vindo trabalhar nos Estados Unidos. É de lá (Hong Kong, Japão e Tailândia, principalmente) a fonte, quando o assunto é esse.

E aí surgiu a opção dos filmes da franquia Jason Bourne (especialmente os dirigidos por Paul Greengrass), que supostamente nos colocavam no “meio da ação” para justificar aquela montagem picotada e caótica nas cenas de embate físico ou mesmo de tiroteio. E veio JOHN WICK – DE VOLTA AO JOGO (2014), dirigido por Chad Stahelski e David Leitch, para botar as cartas na mesa e mostrar o que havia de errado com esse cinema de ação mais preguiçoso. Não que isso tenha mudado muito o cenário atual, pois fazer esse tipo de trabalho requer muito esforço, talento e dedicação. Então, a franquia John Wick segue praticamente independente nesse cenário.

Depois de três filmes ótimos – o segundo, JOHN WICK – UM NOVO DIA PARA MATAR (2017), é uma pequena obra-prima –, Stahelski segue com o inspirado e carismático Keanu Reeves como o querido herói assassino disposto a encontrar um pouco de paz, quando na verdade está com a cabeça a prêmio. E um prêmio nas alturas, o que faz com que ele tenha que lutar com centenas de assassinos do mundo inteiro dispostos à glória para vencer o Baba Yaga, como é conhecido Wick por aí. O termo se refere a uma lenda do folclore eslavo: um ser sobrenatural com a aparência de uma mulher deformada que apaga os rastros que deixa com sua vassoura (obrigado, Wikipédia). Seria mais ou menos uma espécie de bicho-papão. Enfim, isso serve mais para dar ao personagem uma aura de medo, respeito e quase invencibilidade.

Ainda que muito se fale de sua duração (2h49min), o primeiro corte do filme tinha 3h45min (confesso que gostaria de ver esse corte também). É possível que a montagem tenha tirado muita coisa do que está na primeira hora de filme, que talvez seja a que mais se ressente de uma melhor coesão (se bem que eu precisaria rever, para saber se realmente há esse problema). Uma coisa que percebi é que o diretor Chad Stahelski prefere não colocar os nomes dos lugares onde a ação acontece. Numa hora, Wick está no Japão, depois está em Nova York novamente, por exemplo. Talvez essa questão do trânsito seja um problema, mas optar pelos hiatos muitas vezes é sinal de inteligência.

John Wick agora luta por sua sobrevivência. E por mais que haja uma amplitude no número de personagens para enriquecer sua mitologia, bem como para trazer graça e novidade constantes, sabemos que o que importa no filme é a ação, antes de mais nada. Um tipo de ação que nos deixa sem fôlego, mas que de vez em quando nos dá um respiro antes de começar novamente. 

Trata-se de uma obra que traz muitas surpresas e tem um capricho na direção de arte e na fotografia que enchem os olhos. As cores dos cenários, totalmente anti-naturalistas, servem ao deslumbre visual e me fizeram lembrar filmes de gênero italianos dos anos 1970. A criatividade com as cenas de ação segue em alta, com revezamento entre cenas com tiroteio, luta com faca ou corpo a corpo, com automóveis ou motocicletas etc. Stahelski une as tradições do cinema americano de ação dos anos 1970 (Friedkin, Frankenheimer), do cinema de artes marciais de Hong Kong, do cinema samurai do Japão e do faroeste para compor quase um novo gênero. Em determinado momento, no início do filme, é tanto tiro que me lembrei de FERVURA MÁXIMA, de John Woo.

Três cenas memoráveis: a luta contra um homem enorme (Scott Adkins) num clube, a luta no meio da rua com vários homens e com os carros passando, a luta para subir uma escadaria etc. E ainda temos dois anti-heróis muito legais: o assassino cego vivido por Donnie Yen (O GRANDE MESTRE) e o auto-intitulado Sr. Ninguém, vivido por Shamier Anderson. 

Aliás, poderia mais uma vez fazer referência a Tarantino e seu KILL BILL para fazer uma associação com JOHN WICK, pois ambos os diretores contam com vários personagens muito interessantes. O homem enorme vivido por Scott Adkins parece saído de uma história em quadrinhos (lembrei-me do Rei do Crime, da Marvel) e é incrível quando começa a luta entre os dois naquele clube, enquanto a música eletrônica (rock? industrial?) toca e as pessoas seguem dançando como se não houvesse amanhã. (Aliás, como é bom ouvir o rock no talo ao longo do filme. Por isso a importância de vê-lo numa sala de cinema que valorize a imagem e o som.)

Os dois assassinos citados representam pessoas que se identificam com John, que o respeitam muito, pessoas que ao mesmo tempo estão ali para trazer sua morte, mas que adiam isso, por algum motivo. Caine, o homem cego, é alguém que está ali por causa da família. Medo de perdê-la se não fizer o que o homem que o contrata pede. John, por sua vez, já perdeu sua esposa e se encontra só no mundo, como uma espécie de deus solitário que habita um Olimpo triste. O contratante dos assassinos é vivido por Bill Skarsgård, mais uma vez um sujeito covarde, mas que tem recursos para tentar vencer o adversário no cansaço. Já o Sr. Ninguém, em determinado momento, representa o espectador, ao assistir à luta final como nós no cinema. Ele bebe sua cerveja; nós comemos nossa pipoca. O fato de ele ter um cachorro sempre a seu lado o torna não apenas um personagem fascinante e querido, como alguém que tem outra coisa em comum com John.

O que torna difícil fazer jus a um filme como JOHN WICK 4 num texto escrito é o quanto se trata de uma obra quase que totalmente construída com a imagem. Logo, o formato ideal para prestar-lhe tributo seria com um ensaio visual, destacando imagens do filme. E é bem possível que isso já exista pela internet. E que deveria ser feito com muito carinho numa edição em mídia física da obra. Mas várias palavras ditas, ainda que poucas e econômicas, têm algo de poético. Destaque para o que Ian McShane diz para Wick sobre a beleza do sol nascendo antes do duelo. Ou quando Wick pede para que ele o leve para casa. Ou seja, Stahelski, poeta das imagens, sabe também usar palavras econômicas para atingir nossa sensibilidade.

+ TRÊS FILMES

VENUS

Bom ver que Jaume Balagueró segue fazendo filmes de terror  – sou fã de A SÉTIMA VÍTIMA (2002). Não sei por que motivo seus filmes deixaram de chamar a atenção depois de [REC] (2007) e sua sequência de 2009. Este seu novo filme, VENUS (2022), é visualmente muito bonito, embora eu tenha alguns poréns, especialmente com seu final. Ao contrário dos filmes de bruxaria ou de casa assombrada tradicionais, a pessoa que adentra a casa não está com a vida tranquila. Ao contrário, nossa heroína é uma dançarina de boate que rouba uma bolsa cheia de drogas excitantes (ecstasy?) e vai parar no apartamento da irmã, com um ferimento feio na perna. Mal sabia ela que aquele lugar é uma cilada muito maior do que lidar com os mafiosos ou a polícia. O que me agrada muito no filme é sua coragem de se apresentar bem gráfico e sangrento e de não ter medo de parecer inverossímil, ainda por cima trazendo uma trama envolvendo o sobrenatural. Ainda assim, podiam ter pensado num final melhor.

SHORTBUS

Uma surpresa ver que um filme que é mais famoso por suas cenas de sexo explícito acaba sendo, na verdade, um filme sobre pessoas que convivem com alguns problemas e que vivem em busca de solução. Há a terapeuta que nunca teve um orgasmo, um rapaz que teme sair da relação e magoar o namorado, uma moça que trabalha como dominatrix e que tem dificuldade de se relacionar etc. Um dos aspectos mais bonitos do filme é como ele é uma celebração da diversidade e da alegria trazida pelo sexo. É como se fosse uma obra passada num universo alternativo em que a década de 1970 pulou para os anos 2000 e não tivéssemos vivenciado a epidemia da AIDS e a era Reagan. SHORTBUS (2006), de John Cameron Mitchell, é uma obra ousada em sua proposta e com uma produção que deve ter dado muito trabalho, em se tratando da quantidade de figurantes nas cenas das orgias. Curiosamente, o filme não tem uma voltagem erótica muito elevada. Em vez disso, há um senso de humor muito interessante e que convida o espectador a se solidarizar com os personagens sem muito esforço.

DECISÃO DE PARTIR (Heojil Kyolshim)

Interessante como DECISÃO DE PARTIR (2022) trouxe em mim sentimentos paradoxais: em alguns momentos, me sentia intrigado e encantado; noutros, a trama confusa me afastava. E o fato de eu achar a trama confusa não tem muito a ver com gostar ou não do filme. Há muitos filmes de fundir o cérebro que me ganharam. Park Chan-wook (e também muitos diretores da Coreia do Sul) optam por um tipo de narrativa que não subestima o espectador, e por isso é bem possível que se trate aqui de um filme que se beneficie bastante de uma revisão para clarear certas cenas. Na trama, um detetive de polícia se vê obcecado e apaixonado pela principal suspeita da morte de um homem. Sua obsessão por ela faz com que ele nuble seus olhos para a realidade. E por isso a metáfora do colírio que ele usa constantemente é tão eficiente. Na trama, há situações que são apresentadas em momento posterior na montagem e há situações que são simplesmente omitidas, o que torna a compreensão do filme por vezes confusa. A segunda parte (por assim dizer), que traz a personagem da mulher chinesa novamente para a vida do protagonista é até mais interessante, justamente por trazer ainda mais mistério para a trama. Aliás, podemos ver DECISÃO DE PARTIR como uma ode ao mistério. Assim como o protagonista, Park Chan-wook parece ser um amante da névoa, em detrimento da clareza. Só queria ter me envolvido mais com os personagens, de modo a me perder com gosto pelo filme. Ainda assim, não é sempre que temos a oportunidade de ver um grande cineasta com um filme novo no cinema. Isso já é uma alegria.

SHAZAM! FÚRIA DOS DEUSES (Shazam! Fury of the Gods)

Quando, no mês passado, eu escrevi sobre HOMEM-FORMIGA E A VESPA – QUANTUMANIA, já destaquei o cansaço que esse tipo de produção estava transparecendo, seja pela falta de entusiasmo do público (afinal, o povo não aguenta mais ver tanto filme ruim ou meia-boca), seja pelo número de pagantes, já que são filmes que não necessitariam de compra antecipada para garantir uma sessão em sala IMAX num sábado, por exemplo. Eu diria que SHAZAM! FÚRIA DOS DEUSES (2023), de David F. Sandberg, torna esse gosto (ruim) ainda mais pronunciado. Se a Marvel/Disney ainda tem como trunfo o sucesso (será que ainda tem?) do universo compartilhado, o caso da DC/Warner é muito mais delicado, já que o próprio anúncio de James Gunn meio que queimou os filmes do estúdio com lançamento para 2023, por não fazerem parte do novo universo imaginado pelo diretor, roteirista e agora responsável pela reestruturação da DC no cinema.

Além do mais, a Warner investiu muito pouco na publicidade do novo Shazam, como se não tivesse dinheiro a perder. Hoje, dia 19 de março, no IMDB consta que o faturamento bruto do filme nos Estados Unidos e no Canadá foi de apenas US$ 11.700.000,00. A situação da bilheteria trouxe uma resposta até do próprio diretor, que disse: “Não é como se fosse uma surpresa. Eu vi para onde isso ia há muito tempo. Eu vou ficar bem. Já recebi o meu dinheiro adiantado.” No mais, vale destacar que nenhum outro filme da DC teve uma arrecadação tão baixa em seu primeiro fim de semana.

Admito que sou simpático ao primeiro filme, de 2019, uma história de origem descompromissada, mas também bem redondinha, engraçada e colorida, que faz parte do universo criado por Snyder, mas que opta por um tom muito mais leve e cômico. Nesta sequência, por sua vez, por ser um filme que necessita de partir logo para a ação (será que precisava mesmo?), a solução que encontraram foi achar três deusas que resolvem confrontar o herói desprovido de muita inteligência. As três deusas são interpretadas por Helen Mirren, Lucy Liu e Rachel Zegler, personagens de idades distintas e que também não estão em harmonia com seus interesses ou sua forma de ver a situação de recuperar o que lhes foi tomado.

Essa desarmonia também se mostra na família de Billy Batson. Todos saíram de um orfanato e, agora que têm idades distintas, seus interesses também parecem muito diferentes um do outro. Mas uma coisa eles têm em comum: a estupidez. Aliás, o jeito como o filme retrata os adolescentes chega a ser ofensivo, já que todos da família são tão bobões quanto Billy Batson/Shazam. Inclusive, neste filme fica muito mais claro o abismo existente entre o Billy não transformado e quando o herói toma forma vivido por Zachary Levi. Talvez isso justifique um pouco a quase ausência do ator adolescente Asher Angel – mas talvez por ele ser ruim mesmo.

Talvez o fato de eu não desgostar por completo deste filme se dê pela simpatia que tive com os personagens desde o original, principalmente Freddy Freeman (Jack Dylan Grazer), que aqui é a espinha dorsal da trama, mais do que o herói principal, ganhando até um interesse amoroso. Porém, é muito difícil chegar ao terço final da narrativa e não ficar aborrecido e impaciente, e até constrangido (o que é aquele diálogo do Grazer com a Rachel Zegler no final?).

Até dá para imaginar que o público alvo do filme seja as crianças, mas não imagino que tenha sido pensado dessa forma. E eu até poderia ficar feliz com uma certa participação especial lá no final, mas aquele momento só serve para tornar essa produção ainda mais constrangedora.

+ TRÊS FILMES

CREED III

Dos três filmes da franquia, CREED III (2023), de Michael B. Jordan, é o que mais possibilidades teria de se afastar da eterna repetição que costumam fazer de "Rocky". Inclusive por tratar de questões mais delicadas, como agressão e extrema pobreza. No entanto, a preguiça dos roteiristas faz com que este seja o mais tosco de todos, mesmo se percebendo muito dinheiro injetado na produção, o que, inclusive, torna o problema ainda mais sério – sem falar que vi numa tela IMAX, e isso maximiza as falhas também. Tudo no filme é pensado apenas para seguir um esquema previsível para se chegar nas duas lutas principais, que não conseguem manter o mínimo interesse ou conseguir um suspense necessário. Isso porque os personagens são mal desenhados e os atores mal dirigidos e nem o trio de bons atores consegue salvar o texto ruim. Não há o elemento mais importante dos filmes estrelados por Sylvester Stallone, que é o coração – os dramas e as fragilidades dos personagens importavam muito mais do que as lutas nos ringues. Viver dói muito mais do que levar porrada na frente de milhares de pagantes.

NAS ONDAS DA FÉ

O diretor de E AÍ...COMEU?! (2012), Felipe Joffily, assume a função de contar esta história sobre a corrupção dentro das igrejas evangélicas. NAS ONDAS DA FÉ (2023) é um filme que acerta em muitas coisas, em especial na presença de Marcelo Adnet, que além de colaborar com a história e com o roteiro, pega um papel perfeito para ele, com aquela capacidade que tem de assumir muitas personas. Aqui ele acaba se tornando, graças a uma brincadeira, um pastor que desperta tanto a paixão de fiéis quanto a inveja de outros ministros do meio que se veem inferiorizados diante de sua ascensão. Destaque também para a inspirada Letícia Lima, como a esposa fiel, além de um elenco de apoio de craques (Otávio Müller, Stepan Nercessian, Tonico Pereira, entre outras participações especiais bem-vindas). Acho que o filme perde um pouco a força da metade para o fim, quando parece não ter muita ideia do que fazer com o protagonista, mas acaba encontrando um finalzinho bem acertado.

CASAMENTO EM FAMÍLIA (Maybe I Do)

O dramaturgo e roteirista Michael Jacobs estreia na direção de longas-metragens numa adaptação de uma peça de sua autoria com CASAMENTO EM FAMÍLIA (2023). Deixou-me admirado o fato de ele (ou a produção) ter conseguido atrair tanta gente boa para o elenco com um texto que está longe de ser dos melhores. Em vários momentos, falta lógica na conversa entre os personagens, e isso faz com que todo o peso do filme caia nas costas do ótimo elenco de atores. Como os personagens dos jovens Emma Roberts e Luke Bracey são muito mal estruturados, a força está mesmo nos dois casais de veteranos. Diane Keaton e William H. Macy, em especial, estão adoráveis, tanto por interpretarem personagens mais desprovidos de malandragem, quase ingênuos, quanto pelo grande talento deles mesmo. E há o carisma e a elegância de Richard Gere e Susan Sarandon. Como comédia, o melhor momento acontece quando os dois casais descobrem, num jantar em família, que são pais dos filhos de seus amantes (ou quase isso, no caso de Keaton e H. Macy). Então, não deixa de ser curioso que uma peça guarde seu mais bem-sucedido momento num tipo de humor mais físico. E que bom que os atores se entregam aos papéis e transformaram o que poderia ser um desastre num filme muito simpático e que ainda pode mexer com as emoções de muitas pessoas que se identificam com certas situações dos casais com mais tempo de estrada.

SERVANT – QUARTA TEMPORADA (Servant – Season Four)

A única série que estive acompanhando neste início de ano chegou ao fim. Não sei se tenho saudades de quando eu conseguia acompanhar de três a quatro séries ao mesmo tempo, mas o fato é que minha ansiedade de poder ver mais filmes (e me frustrar na maioria das vezes, com isso) acabou me afastando mais das séries. Mas desta eu não poderia me afastar, pois foi se tornando uma das mais queridas. A quarta temporada de SERVANT (2023) começa depois de um baita gancho: Leanne (Nell Tiger Free) resolve dar um castigo grande em Dorothy (Lauren Ambrose), fazendo-a cair do alto de uma escada. Ficou no ar, inclusive, a possibilidade de Dorothy ter morrido, mas a nova temporada volta com a personagem se recuperando, mesmo correndo o risco de nunca mais voltar a andar novamente.

Essa Leanne mais malvada foi aparecendo paulatinamente ao longo da série. Quando ela chegou na casa dos Turner, sua intenção era cuidar de Dorothy, tanto que trouxe de volta, com seus poderes mágicos, a criança que havia morrido. Na series finale, Dorothy diz a ela que isso foi a maior prova de amor que alguém já lhe deu. Foi um momento muito bonito da série, aliás, levando em consideração que as duas se tornaram inimigas mortais ao longo dessa longa história de abuso e carência afetiva.

Talvez o episódio final tenha deixado um gostinho de desapontamento, principalmente pelas coisas acontecerem de maneira tão rápida. Mas foi tão bom chegar até aqui nesses quatro/cinco anos de mistério geralmente acontecendo entre quatro paredes. SERVANT foi uma série surgida em 2019, mas meio que antecipou o clima de pandemia, dos espaços fechados, que se tornou regra em várias produções ocorridas em 2020. E M. Night Shyamalan, como o showrunner, soube muito bem criar um material com um cuidado visual muito bom, com uma direção de arte caprichada, com uma fotografia bem pensada. 

Alguns cineastas que Shyamalan convidou para dirigirem vários episódios foram jovens diretores talentosos (a dupla Severin Fiala e Veronika Franz, de BOA NOITE, MAMÃE; Kitty Green, de A ASSISTENTE; Julia Docournau, de TITANE; Isabela Eklöf, de HOLIDAY; Carlo Mirabella-Davis, de DEVORAR,  entre outros, além da própria filha do cineasta, Ishana Shyamalan, responsável por alguns dos mais estilosos e bonitos episódios). Esse aval a jovens cineastas é também um convite a certos espectadores para que conheçam o trabalho desses realizadores, que podem tanto ser gigantes no futuro (Docournau ganhou até Palma de Ouro), quanto injustamente esquecidos.

Uma das graças de SERVANT é temermos e ao mesmo tempo torcermos por Leanne, por mais que ela transforme a vida dos Turners num inferno e muito provavelmente seja um demônio. Se o final da série parece anticlimático, talvez seja porque o penúltimo episódio foi muito poderoso e tenso, e também muito triste – afinal, é quando acontece, finalmente, o tão aguardado momento da revelação do ocorrido com o filho de Dorothy para ela. Muito se aguardava por isso e Shyamalan foi o diretor do episódio, trazendo ainda mais dramaticidade para a situação, além de encerrar esse episódio (chamado de “Awake”) com aquela proposta sinistra de Leanne a Dorothy, parecendo o diabo oferecendo um pacto difícil de ser recusado.

Não dá para dizer que os criadores não foram coerentes no fim de tudo. E Leanne teve uma saída de cena tão bela quanto merecedora de sua grandeza como personagem tão doce quanto maligna. Por isso é muito bom ver a série encerrando com esse tom de ambiguidade.

No mais, vale lembrar que a temporada também contou com episódios memoráveis, como “Séance”, aquele da sessão espírita, quando uma das cuidadoras de Dorothy chama a atenção para um bebê; “Boo”, o da festa de Halloween, em que Leanne se veste de forma muito bonita para a festa e acaba enfrentando heroicamente os membros do culto; e “Tunnels”, quando Sean (Toby Kebell) e Julian (Rupert Grint) tomam a decisão de apoiar Dorothy e tirar Leanne de suas vidas. Daria para citar mais, mas o espaço não cabe. No mais, vale lembrar que SERVANT é a segunda incursão de Shyamalan pela televisão, depois da ótima primeira temporada de WAYWARD PINES (2015-2016), infelizmente uma série pouco lembrada.

+ TRÊS FILMES

AS DUAS VIDAS DE AUDREY ROSE (Audrey Rose)

Uma das coisas mais interessantes deste filme de Robert Wise, cineasta prestigiado em Hollywood e que gostava de dirigir filmes de gênero também (horror, sci-fi, musical, western), é que AS DUAS VIDAS DE AUDREY ROSE (1977) é uma obra que fica no meio do caminho entre o terror e o drama, já que a questão da reencarnação não é necessariamente algo para dar medo. Agora, há sim um momento de tensão muito forte, que é a cena da hipnose da menina, lá perto de seu final. Na trama, Anthony Hopkins é um homem que se aproxima de uma família para dizer que a filha do casal é na verdade a reencarnação de sua filha, morta num acidente de automóvel. Entre a aceitação e o ataque, o filme ainda apresenta um interessante momento de drama de tribunal. Ainda assim, fiquei um pouco confuso com esse negócio de dois espíritos num único corpo. (Ou ao menos é isso que aparenta, quase como se fosse uma possessão.) O pessoal do espiritismo vê com bons olhos esse filme? Filme visto no box Obras-Primas do Terror Vol. 20.

O ÚNICO SOBREVIVENTE (Sole Survivor)

Precursor da franquia PREMONIÇÃO (2000-2011), este filme de baixíssimo orçamento conta a história de uma jovem mulher que é a única sobrevivente de um acidente aéreo. Logo que ela sai do hospital ela passa a ser perseguida por pessoas que estão aparentemente mortas - ou no mínimo muito estranhas. Engraçado que O ÚNICO SOBREVIVENTE (1984) tem os seus momentos e sinto um esforço de parte do elenco de dar o seu melhor, mas a direção pouco inspirada (do mesmo Thom Eberhardt de A NOITE DO COMETA, 1984) não compensa a falta de uma história melhor pensada. Ou seja, um monte de coisas não faz sentido, mas o problema nem é exatamente esse. De todo modo, acredito que é uma obra que pode encontrar o seu público. Filme visto no box Obras-Primas do Terror - Anos 80.

A SOMBRA DO GATO (The Shadow of the Cat)

Esta produção da Hammer dirigida por John Gilling, que curiosamente não se apresenta como sendo da Hammer nos créditos, é bem divertida. E fico me perguntando se algumas cenas engraçadas nasceram de fato para serem engraçadas. A princípio achei que não fosse me divertir com essa história aparentemente muito simples sobre uma gata que se vinga dos responsáveis pelo assassinato de sua tutora. A gata é uma graça e a gente torce por ela e pela morte dos tais vilões. Barbara Shelley (A ALDEIA DOS AMALDIÇOADOS) está bem como a moça que não sabe do ocorrido e é o mais próximo de uma heroína para a trama, mesmo com sua passividade. Fico imaginando como deve ter sido difícil de fazer as cenas com o gato, mas até que eles se saíram bem, com uso de campo-contracampo, efeitos de câmera especiais para o ponto de vista do felino e a tentativa de manter a iluminação sem oscilação em cenas mais escuras. Como se trata de um suspense gótico, a maioria das cenas de A SOMBRA DO GATO (1961) é noturna ou dentro do casarão. Visto no box Obras-Primas do Terror 19.

OSCAR 2023

Foi horrível. Se uma vez eu já reclamei do Oscar, eu retiro o que eu disse. E para completar, para nós brasileiros, ainda sofremos com os apresentadores locais (da TNT, pois não temos mais a opção da Rede Globo). Mas acho, de uma maneira geral, e esquecendo os apresentadores brasileiros, posso estar levando muito para o lado pessoal, já que não sou nada simpatizante do grande vencedor da noite, TUDO EM TODO LUGAR AO MESMO TEMPO, que conquistou sete estatuetas, no que parecia uma espécie de surto coletivo (ou delírio coletivo?). Aliás, ontem estive conversando brevemente sobre essa história de delírio coletivo no Oscar com uma amiga querida e ela me falou algo que me fez pensar: que isso é mais do que comum nas premiações da academia, especialmente quando certos filmes pouco ou nada interessantes acabam conquistando o prêmio principal. Alguém se lembra de QUEM QUER SER UM MILIONÁRIO? Pois é. Ou quando há essa loucura de muitos prêmios mesmos para um único filme. 

No ano passado ocorreu uma pulverização dos prêmios por causa da falta de um filme que causasse uma simpatia maior por parte dos votantes. Assim, pudemos ver o caso de NO RITMO DO CORAÇÃO, uma deliciosa sessão da tarde que acabou ficando mal vista por conquistar o prêmio principal no fim da noite, sem ter o diretor indicado à categoria de direção. Mais ou menos o que aconteceu quando SPOTLIGHT – SEGREDOS REVELADOS foi o grande vencedor da festa de 2016. De todo modo, ambos são relevantes: um por lidar com questões relativas ao universo das pessoas surdas; outro por explicitar uma denúncia contra padres abusadores.

A desculpa para a vitória de TUDO EM TODO O LUGAR AO MESMO TEMPO que ando vendo por aí é que se trata de um filme nascido num momento em que as pessoas viviam consumindo telas – de celular, de computadores, de televisão – como forma de se sentirem menos solitárias durante o período da pandemia, mas também como ferramentas para o trabalho. Essa multiplicidade de afazeres e de telas teria supostamente inspirado o filme dos Daniels, embora saibamos que se trata mais de uma espécie de vingança dos nerds, com essa história de trazer a noção de multiverso, que já está se tornando um tema aborrecido, graças aos filmes da Marvel.

Sobre os momentos mais memoráveis da noite, eu destacaria o In Memoriam, ao som de uma canção tocada por Lenny Krevitz. É sempre uma seção da noite que me traz reflexões e John Travolta a apresentou bastante emocionado, como se estivesse sentindo a perda de um grande amigo ou amiga que deixou esse plano da existência. E de fato sentia: de sua amiga Kirstie Alley, falecida em dezembro passado, com quem contracenou em OLHA QUEM ESTÁ FALANDO.

No mais, acredito que o mais próximo de uma zebra da noite foi o prêmio de figurino para PANTERA NEGRA – WAKANDA PARA SEMPRE. No mais, foi tudo mais ou menos como já esperado pelos sites de aposta, e talvez por isso a cerimônia tenha sido tediosa - o que salvou foram os bolões e as conversas pelo zap, messenger ou facebook com os amigos. Claro que eu não queria uma repetição do tapa do ano passado, mas seria interessante ter algo do que falar com entusiasmo no dia seguinte. Os prêmios para Brendan Fraser por A BALEIA e para Michelle Yeoh para o filme dos Daniels já eram aguardados, embora ainda se pensasse numa possível chance de o prêmio da direção ir para Steven Spielberg. Ou, melhor ainda: para Todd Field. Até o Oscar de roteiro adaptado parecia já destinado a ENTRE MULHERES.

Assim, os três melhores filmes indicados à categoria principal (na minha opinião) – OS BANSHEES DE INISHERIN, OS FABELMANS e TÁR – acabaram saindo da festa de mãos abanando. Mas tudo bem. Que o Oscar 2024 seja melhor.


Os premiados

Melhor Filme – TUDO EM TODO LUGAR AO MESMO TEMPO
Direção – Daniel Kwan e Daniel Scheinert (TUDO EM TODO LUGAR AO MESMO
TEMPO)
Ator – Brendan Fraser (A BALEIA)
Atriz – Michelle Yeoh (TUDO EM TODO LUGAR AO MESMO TEMPO)
Ator Coadjuvante – Ke Huy Quan (TUDO EM TODO LUGAR AO MESMO TEMPO)
Atriz Coadjuvante – Jamie Lee Curtis (TUDO EM TODO LUGAR AO MESMO TEMPO)
Roteiro Original – TUDO EM TODO LUGAR AO MESMO TEMPO
Roteiro Adaptado – ENTRE MULHERES
Fotografia – NADA DE NOVO NO FRONT
Montagem – TUDO EM TODO LUGAR AO MESMO TEMPO
Trilha Sonora Original – NADA DE NOVO NO FRONT
Canção Original - "Naatu Naatu” (RRR – REVOLTA, REBELIÃO, REVOLUÇÃO)
Som – TOP GUN – MAVERICK
Efeitos Visuais – AVATAR – O CAMINHO DA ÁGUA
Direção de arte – NADA DE NOVO NO FRONT
Figurino – PANTERA NEGRA – WAKANDA PARA SEMPRE
Maquiagem e cabelos – A BALEIA
Filme Internacional – NADA DE NOVO NO FRONT (Alemanha)
Longa de Animação – PINÓQUIO POR GUILLERMO DEL TORO
Curta de Animação – O MENINO, A TOUPEIRA, A RAPOSA E O CAVALO
Curta-metragem live action – AN IRISH GOODBYE
Documentário – NAVALNY
Curta Documentário – COMO CUIDAR DE UM BEBÊ ELEFANTE

PÂNICO VI (Scream VI)

As últimas semanas (na verdade, os últimos meses) foram marcadas por muito trabalho, muita preocupação, muitos afazeres e, além de tudo, pouca energia para me dedicar ao blog, o que me deixa um pouco frustrado. Mas não posso reclamar, pois houve motivos nobres e positivos para minha dificuldade de conseguir mais tempo para o que gosto de fazer. Por conta disso, houve um acúmulo altíssimo de filmes vistos e apenas comentados brevemente no calor do momento. Logo, vou voltar, pelo menos neste mês de março, a colocar mini-textos de três e não de dois filmes, de modo a diminuir essa pilha. Geralmente tomo cuidado para colocar filmes que tenham um pouco a ver com o texto principal, mas nem sempre isso é possível.

Falemos então de PÂNICO VI (2023), o mais novo exemplar da franquia criada por Wes Craven e Kevin Williamson em 1996 e que foi marcante por trazer um senso de humor muito próprio e um sentimento de autoconsciência dos personagens de estarem dentro de um slasher em que eles são suspeitos e vítimas. Dois anos antes, Craven havia brincado com metalinguagem no genial O NOVO PESADELO – O RETORNO DE FREDDY KRUEGER (1994), em que a maior parte do elenco e da equipe técnica interpretava a si mesmos e eram também potenciais vítimas do assassino dos sonhos. (Se bem que esse tipo de brincadeira, o nosso querido José Mojica Marins já havia feito em EXORCISMO NEGRO, em 1974.) 

Com a morte de Craven em 2015 e um quarto filme de PÂNICO tendo surgido em 2011, num espaçamento maior de tempo com os demais exemplares que trazia tanto a sensação de cansaço, quanto de alegria, parecia quase impossível alguém conseguir fazer algo tão bom quanto os trabalhos do mestre. Alguns fãs mais radicais nem olhavam (nem olham) com bons olhos o trabalho da dupla Matt Bettinelli-Olpin e Tyler Gillet de assumir a dura tarefa de continuar o legado do mestre. E por isso PÂNICO (2022), o quinto filme da franquia, recebeu críticas divididas. Não se poderia esperar algo diferente deste novo filme, ainda mais por ter sido feito com tanta rapidez, aproveitando evidentemente o sucesso comercial do anterior.

O novo filme, com “sede” agora em Nova York, mantém a tradição de começar com um prólogo em que uma garota recebe uma ligação do assassino e é brutalmente morta. Aqui há algo que chama mais a atenção dos fãs mais atentos de slashers, que é a menção explícita aos gialli, os charmosos filmes de matança italianos que influenciaram o surgimento dos slashers a partir do final dos anos 1970. A garota da vez é interpretada por Samara Weaving, protagonista de CASAMENTO SANGRENTO (2019), o filme que deu maior visibilidade à dupla de diretores. Mas há algo que foge à regra, pelo menos aparentemente, no prólogo: o assassino tira a vestimenta e vemos seu rosto. Além disso, quando ele chega em casa, ele usa uma camiseta com o título de um filme cult de Dario Argento, QUATRO MOSCAS SOBRE VELUDO CINZA, terceiro filme do maestro do terror. E há outro detalhe muito importante que será a cara deste novo filme: ao chegar em casa, esse rapaz falará sobre o quanto foi prazeroso para ele matar aquela mulher. Quase como um orgasmo.

Essa questão do prazer nas mortes lembra bastante os filmes de Argento, que trazem o prazer associado à beleza visual das cenas gráficas de morte e violência, e também associadas a uma excelente trilha sonora. Não temos uma excelente trilha sonora aqui, mas o tema do prazer de matar está presente. Inclusive, eu diria que o fato de termos uma heroína que carrega o sangue de um dos assassinos do primeiro filme, Billy Loomis (Skeet Ulrich), e de ter contato com seu fantasma – ou seriam alucinações? –, ajuda a tornar a personagem mais sombria. Aliás, a classificação indicativa 18 anos do filme no Brasil deve ter mais a ver com essas questões do que com as cenas de assassinatos em si. Falando na moça, Melissa Barrera já é uma das melhores musas do gênero. Por outro lado, acho a personagem de Jenny Ortega fraca. E como o tempo é cruel, já se percebe uma falta de interesse em dar maior importância à personagem de Courtney Cox, a única do trio original que volta para o novo filme.

Uma das coisas que senti falta neste novo exemplar da franquia foi a falta de um humor mais eficiente. E foi algo que não entendi, pois a dupla de diretores conseguiu direitinho no filme anterior, que me deixou com um sorriso de orelha a orelha do início ao fim. De todo modo, PÂNICO VI ainda é um bom filme e os novos autores não deixam a peteca cair e mantêm o legado de Wes Craven bastante relevante. Talvez só precisem pensar melhor o próximo projeto e não fazer as coisas de maneira tão apressada. E o que é aquela personagem da Hayden Panettiere? Uma participação infeliz ou apenas uma personagem mal construída? Ela foi a “primeira garota” de PÂNICO 4 (2011) e agora volta como uma agente do FBI. Pelo menos a rápida conversa dela sobre filmes de terror com a personagem de Jasmin Savoy Brown é divertida.

Mudar as regras e as repetições é outro desafio que é conseguido pelos diretores, assim como trazer questões de tempos de pós-verdade. A violência segue bem gráfica e enaltecendo alguns mestres do horror italiano, mas não acho que nenhuma cena tenha o mesmo impacto daquela antológica dos assassinos se esfaqueando do primeiro filme. Mas fazer isso seria muito difícil. Uma pergunta que me faço: o fato de o filme deixar a gente com vontade de ver um slasher “raiz” (dos anos 1980) ou um bom giallo (dos anos 1970) seria um bom ou um mau sinal?

PÂNICO VI foi o primeiro filme da franquia a ganhar lançamento em 3D. Não sei como foi o resultado pois quase sempre o 3D mais atrapalha do que ajuda. Se alguém viu em 3D, me diga se há algum ganho no entretenimento.

+ TRÊS FILMES

PEARL

A prequel de X – A MARCA DA MORTE (2022) é um filme mais ousado que seu anterior em aspectos formais. Há um tempo mais estendido, com direito até a um monólogo muito mais longo do que estamos acostumados em filmes do gênero. Podemos chamar de slasher também, já que há a figura do assassino e várias mortes, mas é uma obra mais interessada na personagem de Mia Goth do que em trazer diversão ou medo com as mortes. Ao que parece a atriz contribuiu bastante com os diálogos, já que é corroteirista junto com Ti West. O diretor também tem se mostrado muito habilidoso em homenagear determinados períodos do cinema usando uma direção de arte muito criativa. Seus melhores filmes fazem essa homenagem - incluo A CASA DO DIABO (2009) entre eles. Aqui ele homenageia os filmes do cinema mudo, já que a história se passa em 1918. Aguardemos MAXXINE, a verdadeira continuação de X, novamente com Mia Goth, e com uma pegada oitentista.

O PÁSSARO SANGRENTO (Deliria/StageFright)

A revisão de O PÁSSARO SANGRENTO (1987), de Michele Soavi, me ajudou não apenas a refrescar a memória, afinal vi o filme pela primeira vez há vinte anos, mas a perceber melhor o interesse de Soavi em fazer um slasher com um cuidado muito maior na direção de arte, seguindo os passos de seu mestre, Dario Argento. Este foi o primeiro filme do realizador e demoraria mais uns poucos para que ele mostrasse ao mundo sua obra-prima (PELO AMOR E PELA MORTE, 1994). Na trama, um assassino psicopata entra dentro de um teatro onde um grupo de artistas pouco famosos está ensaiando uma peça. As cenas de violência não são exatamente violentas. Elas parecem procurar uma espécie de beleza transcendental e isso faz com que a obra se distancie bastante dos exemplares do gênero lançados com bastante frequência na década de 1980. A trilha sonora é bem oitentista, mas remete mais às produções italianas (aos gialli, principalmente) do que às americanas. Visto no box Slashers (o primeiro).

A PRAIA DO PESADELO (Nightmare Beach / La Spiaggia del Terrore)

Quando estou muito estressado ou cansado ou me sentindo um tanto sem energia, minha vontade é ver um filme de décadas passadas, de preferência de gênero, para relaxar. Recorri ontem a este slasher de Umberto Lenzi, diretor a que sempre tive uma relação de achar menor ou de menor importância, mas isso é um preconceito bobo de que preciso me livrar. Este A PRAIA DO PESADELO (1989) é bem divertido, com a beleza da praia de Palm Beach, das mulheres lindas em roupas de banho, e há um visual muito interessante do assassino, um cara com roupa de motoqueiro com um capacete em que não se vê o rosto, e durante as mortes vemos a imagem dos últimos momentos de vida das vítimas. A trilha sonora de Claudio Simonetti ajuda a dar um ar gostoso ao filme, assim como as canções que pendem para o hard rock e o heavy metal. Na trama, motoqueiro vai injustamente para a cadeira elétrica e promete se vingar. Logo em seguida, aparece esse motoqueiro misterioso que mata suas vítimas queimadas ou eletrocutadas, em geral. O filme explora a beleza dos corpos na juventude da mesma maneira que flerta com a morte, o que é uma coisa muito comum no slasher. Esse aqui, porém, tem um quê de giallo, mas isso se dá mais pelo estilo do diretor e pela questão da investigação do assassino. Filme visto no box Slashers VII.

HOMEM-FORMIGA E A VESPA – QUANTUMANIA (Ant-Man and the Wasp – Quantumania)

Engraçado como a nossa recepção com os filmes tem muito a ver com nossa expectativa. Fui olhar as produções da chamada quarta fase da Marvel e os títulos que mais criaram expectativas foram HOMEM-ARANHA – SEM VOLTA PARA CASA, de Jon Watts, e DOUTOR ESTRANHO NO MULTIVERSO DA LOUCURA, de Sam Raimi. E de fato são filmes que guardam alguns momentos memoráveis, mas que não demora para ficarem nublados em nossa memória afetiva. Por outro lado, dois títulos um bocado apedrejados apedrejados, como THOR – AMOR E TROVÃO, de Taika Waititi, e PANTERA NEGRA – WAKANDA PARA SEMPRE, de Ryan Coogler, já me agradaram em mais aspectos. E olha que não gostei dos filmes anteriores do Thor e do Pantera, mas, por algum motivo, enxerguei qualidades ou pelo menos muita diversão nesses filmes.

E muita diversão era o mínimo que poderia se esperar de HOMEM-FORMIGA E A VESPA – QUANTUMANIA (2023), de Peyton Reed, filme que abre a quinta fase da Marvel no cinema (e na televisão). Os dois primeiros títulos do Homem-Formiga são bem divertidos, ambos dirigidos também por Reed, que havia saído de interessantes comédias no início da carreira e que acabou “se vendendo” para a Marvel. Ele tem no currículo títulos muito legais, como ABAIXO O AMOR (2003), SEPARADOS PELO CASAMENTO (2006) e SIM SENHOR (2008). A partir de HOMEM-FORMIGA (2015) não se soube de outros trabalhos dele que não fossem da corporação Marvel/Disney. Acho isso uma pena, e é pior ainda quando a essência do seu humor se apresenta totalmente perdida no novo filme.

Neste terceiro título do Homem-Formiga (e da Vespa, sendo que a Vespa é a personagem da família menos importante na história!), talvez por ter a obrigação e o engessamento de ser um filme para abrir a nova fase e introduzir de maneira mais definitiva o super-vilão da vez, Kang, o Conquistador (Jonathan Majors), que já havia sido visto, mas sem ter seu nome citado, na primeira temporada de LOKI. Se na série do deus da mentira essa ideia de universos alternativos foi muito bem trabalhada, neste filme a ideia da pluralidade a partir da probabilidade se apresenta pelo menos em dois momentos. E o próprio universo quântico aparece como sendo um espaço muito plural e com referências a filmes de ficção científica dos anos 1950 e ao universo de Star Wars. Aliás, quando começa, eu até me animo com o filme. Infelizmente a trama não tem força e há um momento que deveria trazer pelo menos um pouco de entusiasmo para a plateia, que é o momento da revolução do povo de lá contra Kang, a partir da ajuda da “família formiga”.

Na trama, Cassie (Kathryn Newton), filha de Scott Lang (Paul Rudd), descobre uma maneira de se comunicar com o universo quântico. Acontece que isso foi um erro terrível, já que Janet (Michelle Pfeiffer) havia estado presa nesse universo por 30 anos e não contou os perigos que lá existem. O que é um erro do roteiro, talvez, mas que eu relevo em função da trama. Assim, esse universo acaba sugando os cinco membros da família, incluindo também Hope (Evangeline Lilly) e o Dr. Hank Pym (Michael Douglas), para lá.

Enquanto Michelle Pfeiffer ganha o status de protagonista na primeira metade da narrativa, já que ela é a pessoa que mais conhece aquele universo, dita as regras e apresenta os amigos e inimigos, o próprio Paul Rudd fica muito apagado. Além do mais, ver o filme inteiro se passando em cenários de fundo verde cansa um bocado. É quase como a experiência de AVATAR – O CAMINHO DA ÁGUA, só que em 3D muito vagabundo e efeitos menos sofisticados. Bom, pelo menos não é insuportável de ver quanto o filme de Cameron. O elenco carismático ajuda um pouco a tornar a jornada um pouco mais satisfatória. Enquanto isso, uma música genérica (Christophe Beck é o compositor) torna a experiência ainda menos interessante.

Ao final da sessão, com a falta de entusiasmo do público (que batia palmas até para os filmes mais fracos da Marvel), já fica claro o cansaço dessas produções construídas em esquema industrial e sem o interesse no principal: criar um bom filme, independente de estar ou não atrelado a um universo compartilhado. Para este ano temos mais dois títulos: GUARDIÕES DA GALÁXIA VOL. 3, de James Gunn, e THE MARVELS, de Nia DaCosta. Mais uma vez, não espero nada deles.

+ DOIS FILMES

M3GAN

Talvez não seja regra, mas é bom ficar com um pé atrás quando um filme for "apenas" produzido por James Wan, e não dirigido por ele. Há exceções, mas não creio que M3GAN (2022), de Gerard Johnstone, esteja entre elas, ainda que seja, sim, um filme que se assiste com interesse e que lida com o velho tema do homem (no caso, uma mulher) que brinca de deus, ao criar uma inteligência artificial super evoluída, e que acaba causando uma série de problemas. M3GAN é ficção científica com terror, mas com muitos momentos de humor bizarro. E talvez esse humor, que parece ser um indicativo de que seus criadores não o levam tão a sério, seja seu maior trunfo. Tanto que o sucesso de público já garantiu uma continuação.

PINÓQUIO POR GUILLERMO DEL TORO (Guillermo del Toro's Pinocchio)

Acho que meu problema com o filme foi a dificuldade de me envolver com o drama dos personagens, o que com frequência acontece com animações mais infantis, embora esta esteja também muito interessada em agradar aos adultos. O interessante desta nova versão é que há várias mudanças na história original, ou nas histórias que são frequentemente contadas em outros filmes. Justamente a parte que me deixou assombrado, quando criança, ficou de fora dessa versão, que parece trazer uma espécie de racionalidade para a magia da madeira que ganha vida. Mas acredito que há uma coisa de que eu gostei e comprei no final, que foi o fato de Pinóquio passar a ser amado pelo que ele é e sair do estigma de moleque que vive entrando em encrenca para desespero do pai. A animação em stop motion de PINÓQUIO POR GUILLERMO DEL TORO (2022), assinada por del Toro e Mark Gustafson, dá um ar bonito de imperfeição e a criação do Pinóquio foi muito feliz em aproveitar as características da madeira.

TEUS OLHOS MEUS

Acho que preciso lidar melhor com questões relativas à exposição para os outros. No meu ambiente virtual, no blog, em geral eu costumo falar aquilo que penso, embora de uns anos para cá tenha me policiado para filtrar algumas coisas que poderia pensar. São novos tempos e tempo também de repensarmos aquilo que deve ser falado. No caso, escrito. Pensei nisso agora pois ando preocupado com dois textos que preciso entregar para veículos importantes, textos de encomenda que julgo serem importantes, tanto por eu respeitar muito as pessoas que os pediram, quanto porque eles serão registrados em papel também e eu quero dar sempre o melhor, ficar esperando o dia mais inspirado etc, mesmo sabendo que nem tudo é inspiração. E é por causa disso que tenho tido menos tempo para escrever para o blog. Hoje, por acreditar que não será um dia tão produtivo assim, vou tentar escrever um texto sobre um filme relacionado a um dos textos de encomenda. Deixando claro que, “texto de encomenda” não quer dizer que não seja texto tão pessoal quanto os que escrevo para o blog.

Por causa do texto sobre CANASTRA SUJA (2016), filme cujo texto com as primeiras impressões pode ser lido aqui no blog em postagem de 2018, estou conhecendo um pouco mais sobre seu diretor, Caio Sóh. Não sabia quem ele era até então. CANASTRA SUJA já era seu quarto longa-metragem e foi lançado de maneira muito independente, apesar de ter no elenco astros de primeiro escalão num filme que parece até um pouco deslocado no tempo. Lembra muito as adaptações para o cinema de Nelson Rodrigues rodadas nos anos 1980. A impressão que tenho, aliás, é que hoje em dia as pessoas não estão mais preparadas para a porrada que é o texto do Nelson.

Pois bem. Cheguei então em TEUS OLHOS MEUS (2011), primeiro longa-metragem de Sóh. Uma coisa interessante é que o diretor não começou com um curta, como geralmente a maioria dos diretores preferem, mas logo com um longa. Em entrevista que vi recentemente no YouTube, ele conta que as pessoas diziam: puxa, por que você não começa com um curta? Ele dizia: porque a minha história é longa. Tem que ser um longa. E já começo admirando também o fato de que ele fez esse filme com um orçamento de apenas mil reais. Não sei se isso é lenda, mas acredito nisso. A câmera usada não é das melhores e a fotografia, pelo menos a disponibilizada na cópia para o YouTube não é uma das maiores preocupações. E, de certa forma, gosto disso. Gosto como seu interesse maior, a construção dos personagens e a busca por uma narrativa fluida e interessante, é afinal o que se destaca.

E também gosto como é bem a cara do primeiro filme de um jovem diretor, cheio de angústias, cheio de ideias, e esse conjunto de angústias e ideias se apresenta na figura do personagem de Emilio Dantas, chamado Gil. Ele é um jovem rebelde e que adora escrever nas paredes pensamentos que lhe surgem na cabeça, como se aquilo fosse uma necessidade tão grande quanto comer, beber ou fazer suas necessidades. Na entrevista, soube que Caio Sóh era (ou é?) esse sujeito que também tinha esse hábito de escrever nas paredes, até mesmo nas paredes das casas dos amigos. Não só em paredes, ele dizia, mas em qualquer papel que estivesse pelo caminho. Podia ser papel higiênico até. Aliás, sobre essa coisa de escrever nas paredes, acho que já devo ter contado por aqui que aprendi/descobri a ler escrevendo meu nome nas paredes da minha casa. Logo, houve um pouco de identificação com o personagem/autor nesse sentido.

Pois bem. Gil mora com os tios numa casa simples. Paloma Duarte é a tia carinhosa; Roberto Bomtempo é o tio que não tem muita paciência e não curte nada aquele sobrinho que chega bêbado e não estuda e nem trabalha. Gil mora com os tios pois a mãe dele morrera vários anos atrás. Mas a convivência não é muito boa. E temos o outro protagonista, Otávio (Remo Rocha, que aparece numa cena engraçada e tensa de CANASTRA SUJA), um homem mais velho que Gil e que mora com o namorado num apartamento luxuoso, mas que já está cansado das crises de ciúme do tal namorado. Numa discussão, ele sai de casa à noite e acaba encontrando Gil num barzinho. Gil não tinha dinheiro nem para uma dose de vodca, mas Otávio puxa conversa com ele (sobre o ato de compor músicas) e oferece uísque à vontade. É o começo de uma noite memorável entre os dois, uma amizade que nasce do respeito mútuo, e que se encaminha para um beijo na praia. Beijo problematizado por Gil: eu não sou viado, diz ele repetidamente, perturbado.

Uma das coisas que eu acho muito interessante nessas cenas da noite entre esses dois personagens que acabaram de se conhecer, e que geram um vínculo imediato, é que os diálogos são todos recortados com a edição. Diálogos recortados e uma câmera na mão bastante tremida para ressaltar um tipo de cinema mais próximo do realismo. E esse realismo obtido (não sei se de maneira deliberada) acaba se encontrando com um tom de fábula mitológica, quando o filme apresenta o seu final.

O final é outra coisa que se destaca no filme, pois foi alvo de crítica até mesmo na hora da distribuição. TEUS OLHOS MEUS não chegou nem a ser distribuído em circuito brasileiro, ficando apenas arquivado e depois exibido na televisão. E olha que o filme chegou a ganhar prêmios no Los Angeles Brazilian Film Festival, levando as estatuetas de melhor filme, roteiro (do próprio diretor), ator (Emilio Dantas), atriz coadjuvante (Paloma Duarte) e música – Maria Gadú, uma das autoras da trilha, participa na música e em pontas no filme.

Ou seja, o filme poderia ter se beneficiado de uma exposição maior, sendo visto por um público maior, e em vez disso ficou meio invisível. Ainda sobre o final, é interessante como, se compararmos com CANASTRA SUJA, Caio Sóh parece um daqueles roteiristas que se apresentam como um deus cruel e sádico nas histórias de suas criações. Por mais que pareça amar muito seus personagens também. Amando ou detestando TEUS OLHOS MEUS, é difícil desgrudar os olhos do filme. Isso por si só já é um mérito e tanto. Ainda mais levando em consideração que a experiência que o diretor havia tido era nos estúdios da Rede Globo, no tempo que auxiliava Jayme Monjardim em telenovelas. TEUS OLHOS MEUS surgiu da necessidade de criar algo seu, algo próprio. Nem que essa criação tivesse que nascer da forma mais barata possível e com a ajuda e a gentileza dos amigos.

+ DOIS FILMES

A VIDA SÃO DOIS DIAS

Uma das coisas admiráveis em Leonardo Mouramateus é que neste seu segundo longa-metragem ele não muda tanto assim, no que se refere à experimentação comumente adotada em seus curtas. Em A VIDA SÃO DOIS DIAS (2022), há uma história um pouco mais linear sobre um rapaz português que vem ao Brasil para uma coletiva de imprensa sobre um livro escrito pelo irmão gêmeo. Mais do que a história, o que conta é a ambientação que o diretor cria nessa sua comédia sobre criatividade, que talvez seja um meio de imprimir mais leveza para o modo como o público vê os seus filmes. Em vez de herméticos, eles podem ser vistos como divertidos. No caso deste filme, senti um problema de ritmo nos dois últimos capítulos (são cinco, bem demarcados e nomeados). Mesmo assim, acho que vou ficar pensando sobre o filme por uns dois dias, pelo menos.

O CLUBE DOS ANJOS

Antes de mais nada, já chama a atenção o incrível elenco masculino (sim, pois praticamente o filme é um clube do Bolinha, mas isso tem tudo a ver com o espírito do próprio clube do título). Otávio Müller, Matheus Nachtergaele, Paulo Miklos, Marco Ricca, Augusto Madeira e André Abujamra já são nomes que justificam a espiada neste que parece ser o nosso A COMILANÇA (quem nunca viu o filme de Marco Ferreri?). Depois, há o aspecto mais sombrio da trama, envolvendo um cozinheiro enigmático (Nachtergaele) que começa a fazer refeições divinas para o clube dos 7 e, aos poucos, um por um, eles vão morrendo após o jantar do mês. Baseado em obra de Luís Fernando Veríssimo, O CLUBE DOS ANJOS, de Angelo Defanti, ganha contornos de filme de horror perto de seu final, embora eu veja o final como um dos pontos menos interessantes da história. Sobre esse aspecto de horror enfatizado por fotografia, iluminação, maquiagem, é sensacional uma cena em que Miklos aparece com uma expressão cadavérica. Um desses filmes que pouca gente sabe da existência, mas que faria muito sucesso se passasse na televisão aberta, por exemplo.