FAIXA VERMELHA 7000 (Red Line 7000)

Mais um filme de Howard Hawks visto. Ainda bem que ele tem uma obra tão vasta que costuma faltar um ou outro para ver pela dificuldade de achar. FAIXA VERMELHA 7000 (1965) estava entre as minhas lacunas e é uma de suas obras menos inspiradas e mais problemáticas. Ele admite isso na entrevista a Peter Bogdanovich, presente no livro Afinal, Quem Faz os Filmes. Reclama da atriz que faz a moça azarada (Gail Hire), que quis dar uma de estrela nas filmagens depois que passou no teste e atrapalhou muito, fala que o filme não presta, embora seja uma obra tida entre os melhores trabalhos do cineasta por muitos críticos europeus.

No meu caso, é o seguinte: percebo que é um filme problemático, mas o fato de ser uma autêntico Hawks, por mais torto que seja, traz um prazer de ver especial. Além do mais, há cenas muito boas, especialmente as protagonizadas pelo jovem James Caan, um talentoso piloto de corridas, e por Marianna Hill, que faz a francesa que ingressa naquele novo mundo da velocidade e dos constantes acidentes automobilísticos.

O fato de o filme não ter uma trilha sonora acaba sendo um aspecto interessante. As cenas de corrida dão destaque para o arranque do motor e para o som dos freios e das batidas dos carros. Senti falta de mais emoção nas sequências dos pilotos dentro dos carros. Não nos sentimos lá. Bem diferente dos filmes de aviação de Hawks, que nos fazem entrar naqueles aviões frágeis e sentir um frio na barriga. Mas tudo bem, já que sabemos que as filmagens das corridas são autênticas e as dos pilotos dentro dos carros são coisas de estúdio.

Uma característica bem hawksiana que aparece também aqui é o fato de haver a presença da morte seguida de uma espécie de celebração da vida. Ou seja, mesmo depois que determinado personagem morre, como acontece logo no começo, todos os demais lamentam, ficam tristes, mas tentam jogar a tristeza para o alto e seguir vivendo a vida da melhor maneira possível. É a atitude que eles tomam. Por isso dois desses colegas temem conversar com a namorada do piloto falecido, mas acabam se surpreendendo com a moça ouvindo música alta no quarto, como se estivesse em uma festa.

Uma personagem que me agrada é a de Laura Devon, que interpreta uma mulher um tanto insegura. Gosto da cena em que ela está na cama com o namorado (John Robert Crawford) e faz rodeios para perguntar se ele a acha sexy, ou tão sexy quanto as outras mulheres que ele já encontrou na vida. Essas cenas de intimidade entre os personagens acabam sendo os pontos altos do filme, especialmente perto do final, com uma maior aproximação dos personagens de Caan e Hill.

Felizmente Hawks ainda faria mais outros dois filmes antes de encerrar sua carreira, mais dois westerns com John Wayne, EL DORADO (1967) e RIO LOBO (1970), encerrando, assim, uma das mais brilhantes obras do cinema mundial.

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O PASSAGEIRO (The Commuter)

Impressionante este novo filme da parceria Jaume Collet-Serra/Liam Neeson. Ao mesmo tempo, parece muito ruim, graças aos seus diálogos e os efeitos especiais um tanto estranhos, mas é também muito admirável, do ponto de vista da direção, que inclusive tem a coragem de fazer uma cena tão incrível quanto a da cena da guitarra. Ano: 2018.

MIB: HOMENS DE PRETO - INTERNACIONAL (Men in Black - International) 

O que salva o filme, em alguns aspectos, é apenas a química entre Chris Hemsworth (que encontrou o seu tom através da comédia) e Tessa Thompson, representando um novo momento para a franquia. Mas é uma franquia que nunca me agradou de fato. E este filme eme especial não tem um momento sequer que segure o espectador no chão. Tudo é contado de maneira tão descontraída que não nos importamos com nada ou ninguém. É filme para esquecer rapidinho. Direção: F. Gary Gray. Ano: 2019.

JOGADOR Nº 1 (Ready Player One)

Só pela homenagem genial a certo filme de Stanley Kubrick o filme já mereceria os aplausos. Há coisas que não me animaram tanto, como alguns excessos nas cenas de ação em animação, mas em outros momentos ficava maravilhado. Além do mais, nunca vi o próprio Steven Spielberg tão bem retratado em um protagonista de seus filmes como no personagem de Tye Sheridan. E vai ser nerd assim lá na casa do Chico, Spielba! Ano: 2018.

NO CORAÇÃO DO MUNDO

No cinema brasileiro contemporâneo é possível dizer que, se há uma cidadezinha que se tornou presente com bastante frequência em muitos filmes, é a cidade de Contagem, localizada próximo a Belo Horizonte, tendo aparecido em filmes diversos, especialmente os de André Novais Oliveira. Junto com André, Gabriel Martins, Maurílio Martins e Thiago Macêdo Correia, eles encabeçam a produtora Filmes de Plástico, que rendeu obras importantes como ELA VOLTA NA QUINTA (2015), TEMPORADA (2018) e vários curtas de sucesso de crítica e com participação em festivais nacionais e internacionais. Neste ano, a produtora está comemorando 10 anos de existência.

E o filme de comemoração desses 10 anos é um dos melhores da safra dessa turma de Contagem. NO CORAÇÃO DO MUNDO (2019), da dupla Gabriel Martins e Maurílio Martins, parece um trabalho de dois cineastas veteranos, tal a segurança narrativa. E não é fácil ter que dar conta de tantos personagens, lhes dar dimensões suficientemente profundas, trabalhando tanto com atores experientes quanto com iniciantes.

Mas NO CORAÇÃO DO MUNDO vai além de ser apenas um filme bem-feito. O que temos aqui é um trabalho que lida com questões sociais, econômicas e existenciais dos moradores de uma pequena cidade, feito por gente com intimidade na geografia humana do local. Até temos alguns momentos em que o sotaque e o jeito naturalista com que os atores/personagens dialogam soam um pouco difícil para ouvidos não-mineiros, mas aos poucos nos acostumamos.

A trama básica de golpe lembra um pouco a de COMO É CRUEL VIVER ASSIM, de Julia Rezende, mas o golpe em si, ainda que um dos pontos bem altos da trama, não é o mais importante. O filme constrói bases firmes para que nos importemos com personagens, mesmo sabendo que estão fazendo uma burrada atrás da outra. Um personagem como Marcos (Leo Pyrata), por exemplo, é incrivelmente interessante, mesmo sendo tão questionável do ponto de vista do caráter.

O filme começa com a comemoração do aniversário de Marcos. Sua noiva, a trocadora de ônibus Ana (Kelly Crifer), o surpreende com uma daquelas declarações de amor constrangedoras com carros de som. Isso já dá o tom do ambiente de periferia, que se explicita ainda mais quando adentramos as casas e os estabelecimentos comerciais daquelas pessoas. Todos os personagens vivem em função de trabalhos que rendem muito pouco para sua subsistência; outros tentam uma saída através de golpes, como é o caso do já citado Marcos.

O grande golpe, no entanto, terá como mentor intelectual Selma (Grace Passô), que, consciente de sua condição de negra, acredita que, para o melhor sucesso de seu plano, será necessária a presença ativa de Ana, a namorada de Marcos, que até então nunca havia participado das tretas dele. As cenas de suspense da tal cena do golpe são de prender a respiração.

No mais, como não destacar as cenas da cantora e ativista MC Carol, em suas conversas com Marcos? E as participações afetivas de dois atores já consagrados? E a presença de personagens tão carismáticos como Beto (Renato Novaes), Miro (Robert Frank) e Rose (Bárbara Colen)? Não é todo dia que vemos um filme como este. Não é sempre que vemos o cinema brasileiro tão pulsante, surgindo em um momento de tanto desmanche cultural. Sigamos em frente, que o futuro pode ser ainda mais brilhante.

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PRAÇA PARIS

O filme inicialmente traz um interessante contraste entre o estilo de vida burguês da terapeuta vivida pela portuguesa Joana de Verona e da mulher (Grace Passô) que sofre na pele as dores da desigualdade social brasileira. Pena que depois o filme vai se transformando em outra coisa, acentuando os medos da portuguesa do Brasil. Isso chega a incomodar bastante, especialmente quando o filme se aproxima de sua conclusão. Aí o fado que inicia o filme e nos anima a ver a obra não tem o mesmo sabor quando encerra a história nos créditos finais. Melhor filme que eu vi da Lúcia Murat até agora foi o doc EM TRÊS ATOS (2015), mas não cheguei a ver muito de seu trabalho. Ano: 2017.

DESTERRO

Gosto de como o filme tem liberdades que não se vê em tantas obras. É uma obra intimista, feminina, com um pé no passado (a máquina de escrever) e outra no presente. Fiquei sem entender as cenas com os animais em ampliação do mundo micro em macro, mas talvez seja para ampliar os sentidos e sensações. As cenas retiradas de imagens de arquivo da família da diretora são ótimas e funcionam bem na colagem com as cenas novas, que se passam no Rio, no Ceará e na Paraíba. Só fiquei querendo me conectar mais com o sentimento da protagonista, mas não consegui. Mas isso vai de cada um. Direção: Caroline D'Ávila e Sandro Langer. Ano: 2019.

COMO É CRUEL VIVER ASSIM

Talvez o filme mais plasticamente bonito da Julia Rezende. E o que tem um compromisso menor com o comercial. A história é de um grupo de cabeças de vento que planejam um sequestro como forma de sair da merda. E o filme tem um ar de comédia misturado com tristeza que o torna bem único. Acredito que se visto no cinema eu teria me envolvido mais, tanto no aspecto cômico quanto no dramático. Excelente o elenco. Já conhecia bem a Fabiula Nascimento, mas fiquei impressionado com o Marcelo Valle. Não lembro dele de outro filme. Outro ponto positivo do filme é o quanto ele transgride o filão dos filmes de sequestro. Ano: 2018.

O BAR LUVA DOURADA (Der Goldene Handschuh)

Um dos grandes méritos de O BAR LUVA DOURADA (2019), o novo trabalho de Fatih Akin, é conseguir contar a história de um psicopata levando o espectador para um universo que muito se assemelha a um inferno na Terra, ao mais fundo que um ser humano pode chegar. Não apenas o drama do assassino alemão Fritz Honka (Jonas Dassler, soterrado em uma camada de próteses para compor a figura disforme do personagem), mas também as figuras que frequentam o tal bar que dá título ao filme.

A fotografia do filme, sem muitos filtros embelezadores, ajuda a tornar tudo muito feio. Assim, as mulheres que se prostituem no lugar são senhoras idosas dependentes de álcool que transam por uma ou mais doses. É assim que algumas delas vão parar na casa fétida de Honka. O mau cheiro se deve ao cheiro dos corpos das vítimas em estado de putrefação. Ele, por ser visto como um homem muito feio, é rejeitado por algumas mulheres. Outras não veem isso como um problema.

O filme já começa com uma cena em que Honka tenta se desfazer do corpo de uma delas, cortando em pedaços com um serrote. As imagens não são muito gráficas como em A CASA QUE JACK CONSTRUIU, de Lars von Trier, ou outros filmes mais explícitos, mas o mal estar é constante devido ao caráter grotesco das cenas e principalmente do próprio personagem, que responde com ainda mais violência sempre que se mostra frustrado sexualmente. Importante lembrar que a única personagem que aparece em um registro de beleza de modelo é uma moça loira que Honka encontra e que passa a povoar os seus sonhos.

Diferente do que acontece em um outro filme de serial killer recente, TED BUNDY - A IRRESISTÍVEL FACE DO MAL, de Joe Berlinger, que faz com que o público simpatize com o assassino, o assassino de O BAR LUVA DOURADA é totalmente despido de glamour. É ridicularizado em sua busca por mulheres que não consegue ter, no seu físico corcunda e em seu estrabismo, nas suas tentativas de ter uma ereção com fotos de mulher nua estampadas na parede de sua casa para penetrar, em vão, suas clientes/vítimas, e no modo violento com que trata em especial uma das mulheres que chega em sua casa para trabalhar para ele.

Ainda assim, há um olhar humano do diretor para o próprio Honka e principalmente para os outros personagens, todos eles solitários, desvalidos, alcoólatras, esquecidos pelo resto da humanidade. O Bar Luva Dourada parece uma espécie de oposto ao que se chama de oásis. Mesmo quando o filme muda de tom e Honka arranja um emprego de vigilante, as novas pessoas que se apresentam também são almas muito tristes, embora a ambientação mude positivamente, com uma luz mais clara do ambiente de trabalho.

Fatih Akin havia filmado algumas cenas do passado de Honka, de modo a mostrar os abusos que ele sofreu na infância, mas depois resolveu retirar essas cenas da edição final por achar que isso soasse como uma desculpa para uma pessoa se tornar um assassino serial. Assim o filme não tem essa preocupação em contar uma história do personagem nos moldes tradicionais, mas apenas de um determinado recorte no tempo.

Assim, por mais que saiamos do cinema sem saber direito se gostamos ou não do filme, o importante é que é dessas obras cujas imagens não sairão com muita facilidade de nossa memória.

+ TRÊS FILMES

TED BUNDY - A IRRESISTÍVEL FACE DO MAL (Extremely Wicked, Shockingly Evil and Vile)

Uma surpresa positiva pra mim este filme sobre Ted Bundy, um dos mais famosos serial killers de todos os tempos. Conhecia muito pouco de sua história e aprendi bastante com este filme, que surpreende por até mesmo dar um benefício da dúvida sobre os crimes de Bundy durante praticamente toda sua duração. E por ser tanto um drama de tribunal, quanto um drama sobre a situação triste de uma mulher apaixonada. No caso, a mulher de Bundy, interpretada por Lily Collins. Zac Efron está muito bom como o sujeito bonito e conquistador. O diretor Joe Berlinger é especializado em documentários; fez, inclusive, aquele sobre o Metallica, SOME KIND OF MONSTER. James Hetfield aparece numa cena. O elenco de apoio também é cheio de curiosidades. Ano: 2019.

OBSESSÃO (Greta)

Um filme curioso em muitos aspectos, até pela presença de Isabelle Huppert no papel de uma psicopata. É mais um terror psicológico do que físico e nisso o diretor, um decadente Neil Jordan, se inspira um tanto em PACTO SINISTRO, de Alfred Hitchcock. Mas a semelhança acaba em determinado momento, quando a narrativa segue um outro caminho, mais interessante. Confesso que achei que o filme fosse dar um salto mais positivo, mas ao menos trouxe algo que não esperava apenas daquilo que o trailer apresenta. Ano: 2018.

UTøYA - 22 DE JULHO (Utøya 22. Juli)

O uso de um único plano-sequência com câmera na mão para contar a história de um ataque que pôs fim à vida de dezenas de jovens na ilha de Utøya em 2011 chega a impressionar como recurso técnico. E a atriz principal é ótima e dá pra ficar imaginando o trabalho que deu para montar tudo isso. Há também um filme de Paul Greengrass, que procura abordar o ocorrido de maneira mais convencional. No mais, nunca mais vou ouvir "True Colors" do mesmo jeito. Direção: Erik Poppe. Ano: 2018.

14 CURTAS BRASILEIROS

EU QUERIA SER ARREBATADA, AMORDAÇADA E, NAS MINHAS COSTAS, TATUADA

Uma das coisas de que eu mais gostei neste filme foi da cena de sexo, não pelo sexo em si, mas pelo fato de os atores estarem tão bem, dialogarem de maneira dramática e intensa durante o ato. A trama me pareceu um tanto confusa, mas como é um curta, nada que uma revisão não possa ajudar na compreensão. Temos aqui a história de uma mulher cansada da vida que leva e precisa tomar alguma atitude urgente. Direção: Andy Malafaia. Ano: 2015. (foto)

AQUELES DOIS

Belo documentário sobre a situação de duas pessoas trans, a questão da aceitação perante à família e à sociedade, tudo isso mostrado com muita sensibilidade pelo diretor. Os relatos das mães e familiares às vezes entram em choque com a necessidade da identidade dos rapazes, mas por isso mesmo é importante que estejam presentes, especialmente nos dias de hoje, em que a intolerância está tão explícita. Direção: Émerson Maranhão. Ano: 2018.

AZUL VAZANTE

Um dos aspectos mais interessantes deste filme é o que ele causa de estranheza, inclusive para as pessoas que passam pela Praça da Sé, em São Paulo, onde fica deitada em uma cama de hospital uma mulher (alguns perguntam: é um homem ou uma mulher?) enquanto algumas pessoas supostamente chegam para cuidar dela. Demorei a entrar no filme e a comprar sua proposta, mas não há como negar que é uma obra que faz a gente ficar pensando depois. Direção: Julia Alquéres. Ano: 2018.

CATADORA DE GENTE

Um documentário extremamente simples, apenas contando com o depoimento de uma senhora que trabalha como catadora de lixo. Aos poucos vamos conhecendo e vendo o quanto essa mulher progrediu através da leitura e o quanto ela mudou as vidas das pessoas ao seu redor. É uma pedrada ouvir o que ela diz e vê-la ainda tentando sorrir e mostrar o quanto deixou de ser tão bruta como era antes. Direção: Mirela Kruel. Ano: 2018.

MAIS TRISTE QUE CHUVA NUM RECREIO DE COLÉGIO

Um filme que causa um mal estar intenso, sobrepondo imagens da reconstrução do Maracanã e também de um homem brincando com uma bola com áudios terríveis da história recente do Brasil. Desses que deixam a gente inconformado. Diria que ver isso condensado em um curta de 14 minutos foi muito mais incômodo para mim do que ver o longa da Petra Costa. Não tá fácil, Brasil. Direção: Lobo Mauro. Ano: 2018.

ADEUS À CARNE

Carnaval, diversão, maconha, tesão, tá tudo muito bom, tá tudo muito bem. Mas aí acontece algo para cortar o barato das três amigas. Um filme que engrossa o coro de obras que lidam com a questão da sororidade. Uma das meninas eu conhecia de CONFISSÕES DE ADOLESCENTE - O FILME. Direção: Julia Anquier. Ano: 2017.

ABISMO

Filme perfeito para quem tem medo de elevador: nunca mais vai querer entrar novamente. Com uns dois minutos a menos ficaria perfeito. Gosto muito da sensação de aflição em que se encontra o porteiro do prédio. O diretor sabe construir uma atmosfera de pesadelo admirável. Direção: Ivan de Angelis. Ano: 2018.

ALMA BANDIDA

Interessante como o filme consegue unir um tipo de dramaturgia próxima do documentário, como nos filmes vindos de Minas Gerais, com algo um pouco mais tecnológico, com a inclusão do videogame. Mas nem é por exibicionismo não, mas serve à narrativa de tentativa de vencer na vida do protagonista. Pena que eu não consegui comprar a proposta. Fiquei curioso para saber a repercussão internacional do filme lá em Berlim. Direção: Marco Antônio Pereira. Ano: 2018.

DE VEZ EM QUANDO, QUANDO EU MORRO, EU CHORO

Um filme que tem um quê de suspense na relação que surge a partir do encontro de dois completos estranhos para uma relação sexual. Boa a conversa inicial, bom o prólogo para o ato, e também gosto do modo simples como termina, embalado por uma melancolia. Mas o suspense parece ficar mais na tentativa ou ensaio, não sei. Talvez fosse eu tentando imaginar um filme que se tornaria algo diferente. Direção: R.B. Lima. Ano: 2017.

ALMAS

O poema "Não sei quantas almas tenho", de Fernando Pessoa, dá o tom de profundidade a esta animação. Mas também não podemos desmerecer o filme pela grandiosidade da obra que lhe serviu de inspiração. É tão bonita a animação, pintada e que cabe nos versos de Pessoa. Destaque também para a música de Zeca Baleiro. São apenas três minutos. Dá vontade de mais. Direção: Marco Faria. Ano: 2018.

BOLHA

Que filme bonito e viajante. Um claro exemplo do quanto se pode abstrair usando a animação, com resultados lindos. A história parte da descoberta de algo estranho no pescoço do protagonista. A partir daí o filme tanto segue por um caminho de paranoia dentro da sua vida cotidiana até chegar a uma viagem astral pelo universo ao som de uma música que muito lembra Pink Floyd. Não por acaso, a banda está entre os agradecimentos do diretor ao final dos créditos. Outro da lista de agradecimentos é Franz Kafka. Imagina-se o porquê. Direção: Mateus Alves. Ano: 2018.

CELULOUKOS

Animação bem divertida sobre dois celulares antigos relembrando os velhos tempos e reclamando do fato de estarem sendo abandonados. Além de a animação ser bem cuidada, ainda que simples, traz uma história com algumas situações bem engraçadas. Lembrei de quando eu parei de anotar os telefones das pessoas numa agenda de papel pois havia agora o celular. Mas depois corria-se o risco de perder tudo ao perder o celular. Direção: Oziel Pereira. Ano: 2018.

DISEXTA

Mais um filme que faz um apanhado dos absurdos da história política recente no Brasil, desde 2013 até 2018. Não fala de Bolsonaro, mas já se pode imaginar para onde ia chegar tudo aquilo. A animação é inspirada nas manchetes e chamadas dos telejornais e mostra alguns fatos marcantes, como a conversa de Aécio sobre matar fulano de tal, além de outras barbaridades que não deram em nada nesse país que parece não ter jeito. Direção: André Catoto. Ano: 2018.

SONDER

Um encontro de um menino "normal" e um outro cheio de estranhos símbolos no rosto e no corpo. A animação é simples mas bonita, com um apelo para a sentimentalidade por causa da música pianinho e um caminho para uma compreensão de mundo dos meninos. Cabe metáforas várias, mas que chegariam ao mesmo ponto, creio eu. Direção: Nicole Janér. Ano: 2018.

ASCENSOR PARA O CADAFALSO (Ascenseur pour l'Échafaud)

Entre as coisas que eu mais sinto falta atualmente no Brasil estão as revistas de cinema. Falo das realmente boas e regulares, com matérias bem escritas e entrevistas ótimas com cineastas. Na viagem rápida à Flórida no ano passado pude obter três delas: uma Film Comment, uma Cineaste e uma Cinema Scope. Todas com material que tem me servido como combustível para aumentar minha vontade de ver filmes e também trazer informações boas. Costumo dizer que no dia que ganhar na loteria uma coisa que eu vou fazer, não importando se dá dinheiro ou não, é uma excelente revista de cinema no Brasil. E como eu já conheço muita gente boa na crítica brasileira, então ótimos nomes não faltarão. O problema é que quase nunca eu jogo na loteria.

Enfim, tudo isso para falar de que foi de um texto da Cineaste que surgiu uma vontade imensa de ver, finalmente, ASCENSOR PARA O CADAFALSO (1958), estreia brilhante em longa-metragem de ficção de Louis Malle. Antes ele tinha codirigido O MUNDO SILENCIOSO (1956) com Jacques Costeau, que lhe rendeu a Palma de Ouro em Cannes e um Oscar de melhor documentário, e havia trabalhado como assistente de direção para Robert Bresson na obra-prima UM CONDENADO À MORTE ESCAPOU. Ou seja, já começou a carreira chutando os dois pés na porta.

Por isso é um tanto curioso que seu filme, que chegou antes de OS INCOMPREENDIDOS, de Truffaut, e de ACOSSADO, de Godard; e ainda antes dos dois primeiros do Chabrol, NAS GARRAS DO VÍCIO e OS PRIMOS; é curioso que ele não seja costumeiramente chamado de marco zero da nouvelle vague. Afinal, ASCENSOR estreou meses antes dos filmes de Chabrol. Talvez o fato de ele não ser crítico de cinema da Cahiers du Cinema tenha pesado. De todo modo, o importante é que o filme é uma obra-prima e que Malle soube muito bem usar o que aprendera com Bresson e o quanto queria prestar homenagem a Hitchcock.

O filme começa com trocas de juras de amor por telefone entre o casal Julien Tavernier (Maurice Ronet) e Florence Carala (Jeanne Moreau). Os dois tramam assassinar o marido de Florence em um crime muito bem orquestrado, e poderiam ficar juntos, livres e endinheirados. E tudo estava correndo como o planejado até a hora que, depois de matar o sujeito, e sair do escritório como se nada tivesse acontecido, esquece algo e acaba preso no elevador. A partir daí uma série de outros eventos se sucedem e um outro casal passa a ganhar peso na trama.

E por mais que a trama seja uma delícia, o filme não é tão dependente dela, já que há uma atmosfera noturna excitante, ao som da música de Miles Davis. Inclusive, um filme recente utilizou parte da trilha do filme em uma sequência linda. Refiro-me a EM CHAMAS, de Lee Chang-dong. Pois é essa música lindona que embeleza boa parte do filme, que também sabe muito bem utilizar os silêncios para construção de tensão.

As cenas de Jeanne Moreau passeando pelas lojas de Champs-Élysées foram feitas com a câmera em cima de um carro de bebê. O diretor de fotografia, Henri Decaë, foi parceiro de Jean-Pierre Melville e depois seria o homem por trás das câmeras dos primeiros trabalhos de Chabrol e de Truffaut. Ou seja, há muita coisa interligada entre a turma. Inclusive, Jeanne Moreau.

Sem dúvida, ASCENSOR PARA O CADAFALSO foi um dos filmes que mais me deu prazer neste ano. E pensar que há tantos filmes de primeira grandeza para ver ainda. Já me disseram que TRINTA ANOS ESTA NOITE (1963) também é uma maravilha de Malle. Já está devidamente engatilhado. Aliás, a pessoa que me recomendou disse que Malle é puro Khouri. E eu notei que é verdade, vejam só. Daí o fato de eu ter gostado tanto. Há tanto o que ver e o que aprender ainda.

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SÃO PAULO, SOCIEDADE ANÔNIMA

Vendo pela primeira vez este grande clássico do cinema brasileiro, achei estranho notar tanto as semelhanças quanto as grandes diferenças com os filmes de outro diretor famoso por pintar a cidade de São Paulo com amor e ódio. Mais amor, no caso de Khouri. Aqui, São Paulo é uma espécie de cidade que enlouquece. Ou o pobre protagonista vivido por Walmor Chagas é apenas um homem fraco e que não sabe direito ainda o que fazer da vida. Não fica contente com o casamento aparentemente perfeito com a personagem de Eva Wilma, mulher correta, carinhosa e que pensa no sucesso financeiro do casal. Ainda é um filme que eu preciso pensar mais a respeito. Direção: Luiz Sérgio Person. Ano: 1965.

TRÁGICO ÁLIBI (My Name Is Julia Ross)

De Joseph H. Lewis só havia visto duas obras-primas, MORTALMENTE PERIGOSA (1950) e REINADO DO TERROR (1958). Este film noir aqui que lembra um pouco À MEIA LUZ, de George Cukor, na trama, é bem curtinho e dinâmico (65 minutos que passam voando). A história é envolvente e eu só senti mais falta de ficar mais tenso com a situação da protagonista, presa em uma trama macabra. Caso de filme pequeno que se fez com pouco dinheiro e exibido em sessões duplas, mas que acabou ganhando força pela boa recepção dos críticos. Ano: 1944.

O HOMEM DA CAPA PRETA

Engraçado eu nunca ter tido tanto interesse em ver este filme, por mais que tenha visto tantas vezes sua propaganda na Rede Manchete, que o distribuiu em VHS. A cópia masterizada está lindona e é um filme com uma produção muito caprichada, inclusive com o uso do som e da dublagem, um elemento que na época não era muito levado em consideração. E falando do filme em si, é curioso como acabamos chegando a um momento histórico parecido com o do final. A história é circular. Direção: Sergio Rezende. Ano: 1986.

O MISTÉRIO DE CANDYMAN (Candyman)

Certo dia, conversando com um amigo sobre tal filme que ele deveria ver, ele fala que ultimamente não é ele quem está indo em busca dos filmes, mas os filmes que vão até ele. Algo do tipo. E, de fato, é mais ou menos assim que as coisas acontecem em boa parte das vezes. Recentemente li o livro Candyman, de Clive Barker, lançado pela editora Darkside. Trata-se de uma reedição do conto "O Proibido", já lançado no Brasil na coleção Livros de Sangue. Aqui, no entanto, o importante é dar destaque justamente a este personagem de Barker que se tornou um ícone do horror, especialmente no cinema. Como o livro conta com um posfácio do crítico e pesquisador do cinema de horror Carlos Primati, e que fala bastante do filme e de suas continuações, a vontade de rever O MISTÉRIO DE CANDYMAN (1992) foi irresistível. Ainda bem que é um filme fácil de encontrar por aí.

Na minha lembrança, na época em que o vi em VHS, ele não tinha me deixado muito impressionado. Na verdade, o personagem-título em si, é um tanto fantasioso para se comprar. Mas hoje em dia, e depois de ter lido o conto, é que percebo o quanto esse seu aspecto é justamente um de seus trunfos. Afinal, no início da década de 1990, o cinema ainda se curvava a Clive Barker pela sua obra-prima HELLRAISER - RENASCIDO DO INFERNO.

Claro que não é só o personagem que conta. É o modo como o filme é contado e como o trabalho de Bernard Rose aqui envelheceu bem. Quem também se destaca em O MISTÉRIO DE CANDYMAN é a bela Virginia Madsen, que aqui lembra as loiras platinadas dos anos de ouro de Hollywood. Em uma das cenas finais, a fotografia fica um tanto fora de nitidez, passando a imagem de filme antigo em um close-up da atriz.

Na trama, Madsen é Helen Lyle, uma estudante universitária que está escrevendo uma tese sobre lendas urbanas. Acaba conhecendo a história de Candyman, um sujeito que, com um gancho no lugar da mão, aparece para matar quem fala seu nome no espelho cinco vezes. A ideia nem é nova e não consta no conto de Barker (essa parte do espelho), mas foi muito inteligente incluir no filme para a ampliação da mitologia do personagem.

A primeira parte da trama mostra Helen e sua amiga Bernadette (Kasi Lemmons) investigando em um gueto um tanto perigoso para brancos ricos os locais onde supostamente ocorreram os assassinatos cometidos por Candyman. O lugar que elas pesquisam é cheio de pichações e bastante abandonado, mas é lá que Helen encontrará uma mulher que será muito importante para o que virá a seguir.

A composição do monstro é muito boa, assim como sua personificação, pelo ator Tony Todd, um dos primeiros atores negros a entrar em uma galeria de monstros do cinema de horror. Algumas cenas são bem memoráveis, como a sequência do banheiro, os encontros iniciais com Candyman, e as cenas no hospital psiquiátrico. Uma delas é bem surpreendente, inclusive.

Recentemente surgiu uma notícia de que Jordan Peele está produzindo uma nova versão da história. Sendo de Peele, ainda que não seja dirigido por ele, é bem-vindo. É esperar para ver se o sucesso do monstro se perpetuará nesta encarnação futura.

+ TRÊS FILMES

ANNABELLE 3 - DE VOLTA PARA CASA (Annabelle Comes Home)

Embora seja inferior aos dois primeiros filmes em diversos aspectos, como domínio narrativo, por exemplo, este filme tem o seu charme, tanto pela boa recriação de época quanto pelo fato de se passar quase que inteiramente na residência dos Warrens, com um trio de meninas que protagonizam a trama. Destaque para a jovem Madison Iseman, que tem potencial para fazer sucesso em outros filmes futuros. Gosto em especial da cena do reflexo na televisão. Direção: Gary Dauberman. Ano: 2019.

A MALDIÇÃO DA CHORONA (The Curse of La Llorona)

Em comparação com A FREIRA, este A MALDIÇÃO DA CHORONA é uma pequena obra-prima. Há elegância nos planos, na ambientação da época (anos 70), no modo como ele utiliza recursos manjados de maneira interessante. Mas não há nada de novo e a trama é tão fraca que parece que não teve um final efetivamente pensado. É mais a coisa "vamos fazer um filme sobre a lenda da Chorona" e pronto. A atriz principal, Linda Cardellini, é bem carismática. Curiosamente, ela fez a Velma no filme do Scooby-doo, que aparece na televisão em uma breve cena. De todo modo, é bom o James Wan parar com esses derivativos. Ele já se queimou bastante. Direção: Michael Chaves. Ano: 2019.

SUSPÍRIA - A DANÇA DO MEDO (Suspiria)

Não deixa de dar uma ponta de decepção com esse novo SUSPIRIA. Ainda assim, há algumas ousadias boas, Dakota Johnson está ótima e pra quem gosta de dança moderna o filme oferece muitas cenas. Agora faltou o principal: atmosfera de filme de terror. O diretor Luca Guadagnino tem uma sensibilidade muito boa para dramas românticos, mas aqui o máximo que conseguiu de horror foi um gore bonito e uma direção de arte que remete ao horror italiano dos anos 70. Não entendi a necessidade de contextualizar historicamente a trama, que acaba não tendo muita utilidade final. A personagem de que eu mais gostei foi Sara, vivida por Mia Goth. Talvez por ser a que mais se aproxima do espectador. A atriz está em A CURA, que eu não vi, e em um papel pequeno de NINFOMANÍACA - VOLUME 2. Ano: 2018.

O CÓDIGO PENAL (The Criminal Code)

Saudade dos anos 2005-2008, que foi o período em que eu mais vi filmes do Howard Hawks, um dos cineastas mais queridos da casa. No primeiro ano, eu comecei a pegar pelo acervo da Distrivídeo, que tinha uma boa quantidade de filmes do diretor. Depois, tive a chance de conseguir por vias alternativas, o que foi uma maravilha. No entanto, alguns filmes até então continuavam inéditos para mim, por falta de legenda, principalmente. Três deles surgiram recentemente, devidamente legendados na rede: A PATRULHA DA MADRUGADA (1930), já resenhado neste espaço; FAIXA VERMELHA 7000 (1965), ainda a ser visto; e este O CÓDIGO PENAL (1930), segundo filme falado do mestre.

Trata-se do filme de prisão de Hawks. Os elementos tão presentes em seus filmes não se manifestam de maneira tão forte aqui, mas há o senso de camaradagem, o código ético que os presos têm, como, por exemplo, não se deve delatar o colega para os guardas ou para o diretor da penitenciária. Há também uma cena que é a cara do Hawks, que é quando o protagonista, Robert Graham, vivido por Phillips Holmes, recebe a notícia de que sua irmã falecera, enquanto está jogando damas com os colegas de cela.

Assim como acontece nos demais filmes do cineasta, a reação para esse tipo de situação triste é engolir o choro. E é impressionante como isso aumenta o potencial dramático. Isso seria muito melhor explorado em O PARAÍSO INFERNAL (1939), o grande filme de aviões do diretor. Em O CÓDIGO PENAL, o colega de cela o incentiva a continuar jogando.

Na trama, Graham é um rapaz que mata uma pessoa acidentalmente, mas que, por ter um advogado fraco, acaba sendo alvo fácil do procurador público Mark Brady, vivido com brilhantismo por Walter Huston. Lembremos que o bom ator faria um dos papéis mais memoráveis da velha Hollywood em O TESOURO DE SIERRA MADRE, 18 anos depois, dirigido pelo filho, John Huston.

Aqui ele investe seu personagem de uma nobreza que nos faz esquecer um pouco seu jeito durão e muitas vezes impiedoso com várias das pessoas que passaram por ele e foram parar na cadeia. A roda gira quando, anos depois, Brady é nomeado diretor da penitenciária e reencontra o jovem Graham, em frangalhos, precisando de ajuda. Ele o transfere para um lugar muito melhor de trabalhar, junto a ele, ajudando em diversas coisas da família, e tendo o prazer de conhecer a filha de Brady, a bela Mary, vivida por Constance Cummings.

E o que vemos então é uma habilidade incrível de Hawks em conseguir juntar tudo isso: filme de prisão com suspense, drama do presidiário e uma história de amor e conseguir ser bem-sucedido em tudo. O que dizer dos vinte minutos finais, tão cheios de apreensão? Curiosamente não é dos filmes mais queridos do diretor e nem é creditado a ele, conforme informação no IMDB. Se não é tão bom quanto o anterior, A PATRULHA DA MADRUGADA, serve de ótima escada para uma de suas obras mais famosas, SCARFACE - A VERGONHA DE UMA NAÇÃO (1932).

+ TRÊS FILMES

OS MENINOS (¿Quién Puede Matar a un Niño?)

Foi preciso morrer Serrador para que eu finalmente visse este clássico do horror europeu. O que aconteceria se as crianças passassem a matar os adultos? Esse ponto de partida aterrorizante é o coração da trama deste filme, que estabelece uma ligação com os inúmeros genocídios ocorridos em diversas tragédias da humanidade, em que são as crianças as principais vítimas. Como uma espécie de vingança da parte delas. Destaque também para a bela fotografia solar de José Luis Alcaine. Direção: Narciso Ibáñez Serrador. Ano: 1976.

CYRANO (Cyrano de Bergerac)

Quando a gente não respeita ou simpatiza com o protagonista, fica muito difícil torcer por ele. Na verdade, além de ter ficado muito velho, a própria peça original já nasceu velha, com um romantismo que já havia acabado naquele final do século XIX. O personagem é tão chato que demora demais até para morrer, naquele seu monólogo final. Depardieu, gigante que é, podia ter deixado passar esse filme. Direção: Jean-Paul Rappeneau. Ano: 1990.

O PORTEIRO DA NOITE (Il Portiere di Notte / The Night Porter)

Um dos poderes das grandes obras é desafiar convenções e subverter regras, como trazer romantismo para uma história de sentimentos mistos. O filme conta o grande amor entre uma judia que passou pelo campo de concentração e seu torturador. Liliana Cavani trafega por caminhos que a gente não imaginaria trilhar a partir do começo, que mais parece uma história de vingança. A trama no presente é enriquecida pelas lembranças do tempo da guerra. Interessante ver Chatlotte Rampling tão jovem, eu que já a conheci idosa. Ela é linda, mas a imagem de seu rosto envelhecido não parava de vir à minha mente enquanto olhava para ela. Ano: 1974.

HOMEM-ARANHA - LONGE DE CASA (Spider-Man - Far from Home)

Uma bela surpresa este HOMEM-ARANHA - LONGE DE CASA (2019), segundo filme-solo do Aranha com o jovem e talentoso Tom Holland. Em sua primeira aparição, em CAPITÃO AMÉRICA - GUERRA CIVIL, pode não ter agradado a muitos, mas, ao que parece, neste novo filme, ele já conquistou a praticamente todo o seu público, causando admiração e maior aceitação. Não resta dúvida que incluir o herói adolescente é mais atraente para um público mais jovem, que pode se identificar bem mais com seus problemas e com suas preocupações do que com as de um adulto milionário e cínico como Tony Stark.

Aqui, a principal preocupação de nosso herói é conseguir se aproximar da garota por quem ele está apaixonado, a MJ (Zendaya). Aliás, a escalação de Zendaya como interesse amoroso tem dado o que falar: embora o nome da personagem seja Michelle, como dito no primeiro filme do Aranha, e não Mary Jane, como é conhecida a mais querida das namoradas de Peter Parker nos quadrinhos, o termo MJ costuma ser associado à belíssima ruiva dos quadrinhos, que até já foi personificada no cinema nos três filmes de Sam Raimi por Kirsten Dunst. Assim, a escalação de uma atriz negra não deixa de ser uma novidade.

Aliás, há várias mudanças poéticas no elenco deste filme em comparação com as HQs, mas é sempre bom respeitar os caminhos que o realizador e os roteiristas traçaram. Quadrinho é quadrinho, filme é filme. E aqui há mais liberdades do que a maioria dos filmes do Universo Cinematográfico Marvel. Inclusive, não deixa de ser muito interessante ver uma Tia May tão jovem como a interpretada por Marisa Tomei.

Também é muito interessante como é introduzido Mysterio, que nas aventuras do amigão da vizinhança nos quadrinhos é um vilão de terceira categoria. Aqui se dá uma maior importância ao personagem, que não é apresentado exatamente como um vilão. Mas é também muito bom ver que o filme é muito mais do que o trailer dá a entender. Assim, todos aqueles monstros meio genéricos acabam ganhando algum sentido.

Mas o melhor do filme é mesmo o modo como ele dá mais destaque ao Peter Parker do que ao Homem-Aranha. É muito divertido vê-lo em um passeio com os colegas da escola por cidades da Europa. O melhor amigo dele, Ned (Jacob Batalon), é muito engraçado. Trata-se da influência da versão ultimate no personagem, com um amigo latino gordinho. Isso fez bem ao filme. Ah, e vale destacar a bem-vinda presença da jovem Angourie Rice, no papel de Betty Brant, colega de Peter na escola.

A questão "com grandes poderes, vem grandes responsabilidades" até surge em algum momento, mas de maneira gradual, ao jovem Peter, que não queria, a princípio, dividir sua vida normal de adolescente para ser escalado para uma nova missão por Nick Fury (Samuel L. Jackson).

Além de ser um filme muito bem-humorado e que consegue espantar a sombra da morte de Tony Stark nos grandes eventos dos filmes anteriores dos Vingadores, em comparação com HOMEM-ARANHA - DE VOLTA PRA CASA (2017), este segundo filme solo é melhor em diversos aspectos, embora não tenha cenas tão memoráveis como as das ameaças do vilão Abutre (Michael Keaton) ao herói. Aqui temos Jake Gyllenhaal como o Mysterio e não é bom dizer mais do que isso, a fim de não estragar as surpresas, mas podemos dizer que o ator se sai muito bem. As cenas de ação são ok, sem muitas novidades. Mas há que se dizer que a cena pós-créditos deste filme é a mais importante de todos os filmes do Universo Cinematográfico Marvel, no sentido de não poder ser descartada do produto final.

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X-MEN - FÊNIX NEGRA (Dark Phoenix)

Um filme que parece todo errado desde o começo (desde escolhas de elenco, atuações, texto, criatividade para tecer uma trama minimamente interessante). Se eu já achava difícil engolir a J.Law como Mística, a ênfase à personagem da Sophie Turner só acentuou a fragilidade da escalação. Sem falar no menino Ciclope, com cara de bocó. O pior filme dos X-Men, que só não é tão chato quanto o primeiro Wolverine dentro da franquia da Fox, que aqui é morta e sepultada. Melhor sorte com a Marvel Studios aos nossos queridos mutantes. Direção: Simon Kinberg. Ano: 2019.

HELLBOY

Uma pena que este reboot de Hellboy só tenha servido para enterrar de vez o personagem nos cinemas. Se bem que parece que ele não foi feito para as telas. Não conheço os quadrinhos, mas é um trabalho muito querido o do Mike Mignola. Aqui Neil Marshall parece ter um bocado de ideias interessantes e quer brincar de fazer filme violento e chocante com rock no talo, mas no fim das contas com menos de meia hora a vontade que tudo acabe já chega. Imagina só ter que aturar as duas horas. Aliás, alguém lembra de quando o Neil Marshall era considerado um grande nome do novo horror no começo do novo milênio? Pois é.. Ano: 2019.

TURMA DA MÔNICA - LAÇOS

A direção de arte e fotografia são lindas, os meninos e meninas são uma boa escolha de elenco, mas confesso que eu lutei para segurar o sono. Os filmes infantis e animações mais tradicionais estão cada vez mais tendo esse tipo de efeito em mim. Não consegui ver com muita naturalidade e graça a atitude da Mônica com o coelho. Aliás, sobre certas características dos personagens, vemos que o cinema brasileiro pensa apenas no território nacional. A piada do sovaco do Cascão, por exemplo, não seria entendida pelo público estrangeiro, por mais que aos poucos a característica dele de não gostar de um banho seja explicitada. De todo modo, creio que atende o público infantil, que é o alvo principal. Ah, a cena com o Rodrigo Santoro eu achei um saco. Direção: Daniel Rezende. Ano: 2019.

MEMÓRIAS DA DOR (La Douleur)

Impressionante como certos diretores têm uma carreira já relativamente longa, mas que são praticamente desconhecidos, até que certo filme chama a atenção de tal forma que passa-se a questionar a inabilidade das distribuidoras não darem o devido destaque aos trabalhos desse cineasta. É o caso de Emmanuel Finkiel, que teve seu longa-metragem de estreia, VIAGENS (1999), recebido com louvor, com premiação em Cannes e prêmio de melhor primeiro filme no César. Também alcançou prestígio internacional em diversos países, inclusive no circuito arthouse americano.

Além dos filmes como diretor e roteirista, Finkiel tem em seu currículo vários trabalhos como assistente de direção de cineastas de primeiro escalão, como Jean-Luc Godard, Krzysztof Kieslowski e Bernard Tavernier. Mas o que aconteceu é que os demais filmes de Finkiel como diretor meio que passaram batidos ao longo dos anos, por mais que cinéfilos atentos tenham visto seus trabalhos em mostras. NÃO SOU UM CANALHA (2015), seu filme anterior, ganhou algum destaque e já trazia Mélanie Thierry, que brilharia neste novo e magistral MEMÓRIAS DA DOR (2017).

Eis um filme que merece não só a atenção, mas uma especial reverência. O trabalho de construção da personagem, baseada na escritora Marguerite Duras, que faz uma espécie de bioficção ao contar da dor que foi o período em que ela passou esperando o marido voltar de um campo de concentração. E MEMÓRIAS DA DOR é basicamente sobre isso, embora seja rico o suficiente para ser também sobre culpa, desejo, e ser carregado de uma aura de desencantamento com a vida que só encontra paralelos em situações de terrível depressão.

Em determinado momento do filme, o amigo e amante vivido por Benjamin Biolay fala para que Marguerite tome banho; que ela está fedendo. Àquela altura, ela não estava mais conseguindo cuidar de si mesma. Na angústia de esperar, toma a decisão de falar com um perverso colaborador do nazismo na França ocupada. Como a história se passa entre os anos de 1944 e 1945, vemos a variação no comportamento e no grau de sentimento de segurança dessas pessoas que trabalhavam para os nazistas e que estavam acostumadas com tortura física e psicológica - isso, claro, na posição de torturadores.

Um dos aspectos que chama a atenção em MEMÓRIAS DA DOR é o modo como o diretor trabalha as sombras e também, com frequência, coloca a protagonista como único elemento não borrado, acentuando ainda mais seu sentimento de solidão e abandono naquele mundo de pesadelo. Há também destaque para a narração em voice-over de Marguerite. Uma narração pausada, que lembra e muito a narração usada em HIROSHIMA MEU AMOR, de Alain Resnais, não por acaso uma obra roteirizada por Duras. Assim, os traços da obra literária da escritora estão explicitamente presentes, mas servindo não como muleta para a narração cinematográfica, mas para enriquecer ainda mais o trabalho visual.

Há algumas cenas que se destacam dentro de um conjunto que parece perfeito. E como a trilha sonora é usada apenas entre os espaços da cena, como para acentuar o clima de tristeza, os silêncios nas sequências dramáticas só enfatizam a grande performance de Mélanie Thierry. O que dizer das cenas finais de descoberta? Tanto da cena com a Mme. Katz quanto na cena mais arrepiante do filme? Ver MEMÓRIAS DA DOR é uma dessas experiências raras e recompensadoras, que só cresce na memória afetiva.

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MAYA

Depois de dois filmes que lidaram basicamente com a rotina de vida de personagens (EDEN e O QUE ESTÁ POR VIR), Mia Hansen-Løve volta novamente a usar esse recurso para contar a história de um repórter de guerra que tenta deixar sua vida nos eixos após uma traumática experiência. Para isso, ele viaja para a Índia e é lá que ele conhece a personagem-título. O nome, creio eu, também pode fazer referência à ilusão, mas não li nada a respeito - crítica ou entrevista da realizadora - que possa corroborar a minha suspeita. Gosto muito do andamento, de como é muito mais importante a construção dos personagens e sua profundidade do que uma história propriamente dita. Um belo filme. Ano: 2018.

MEU BEBÊ (Mon Bébé)

Este é o tipo de filme que eu não vejo sendo realizado por um homem, por mais que isso possa até soar sexista. E essa é uma das vantagens de se ter essas vozes múltiplas no cinema. Aqui a história é muito simples, mas importa menos a história e mais o sentimento. O sentimento da mãe em relação à filha mais nova, que está prestes a deixar o ninho e fazer faculdade no Canadá. Os pequenos flashbacks da infância dos filhos da protagonista também contribuem para enfatizar esse sentimento, que é recíproco pela filha, tão apegada à mãe, mas também tão consciente de que precisa aproveitar o momento de tomar o próprio rumo. Adorei a homenagem a O DESPREZO, de Godard. Direção: Lisa Azuelos. Ano: 2019.

CYRANO MON AMOUR (Edmond)

O lado positivo de ver o CYRANO de 1990 foi poder fazer uma dobradinha com este novo trabalho e saber exatamente do que se está falando. O filme foca na concepção de Cyrano de Bergerac até a noite de estreia. Passei a conhecer muita coisa sobre a obra que nem imaginava. E a impressão inicial de que a peça já nasceu velha se confirmou, por mais bem-sucedida que tenha sido ao longo dos anos. Direção: Alexis Michlik. Ano: 2018

SAMPA 2019

Sou um pouco preguiçoso e esse é talvez um dos motivos de eu não viajar mais vezes. Mas não há como negar o quanto as viagens me fazem bem. Ainda não experimentei viajar sozinho para o exterior, mas está na minha to do list. Deve ser uma experiência fascinante. Mas, por enquanto, quis voltar a São Paulo. A última vez em que lá estive foi em 2016, para o casamento de meu amigo Michel Simões, que mais uma vez me acolheu em seu lar. A ele e à Cris, sua esposa, deixo meu muito obrigado. E a vontade de poder retribuir quando for possível.

O blog, como vocês puderam notar, anda meio parado, por uma série de motivos. Mas esse é um mal que vem assolando todos os blogs que eu conheço. Por isso é bom quando um amigo incentiva a continuidade, como é o caso de Bruno de Alcântara, que lembra até mais do que eu de muitos eventos ocorridos em viagens passadas, devidamente contadas neste espaço.

Quinta-feira

A dormida no voo das 3h40 da manhã da Azul não foi das mais confortáveis. Esses aviões não nasceram para ser confortáveis, anyway. Ao chegar, São Paulo já estava carregada por um chuva constante, mas ainda suave. Fui de ônibus até uma estação de metrô e de lá cheguei à estação mais próxima da casa do Michel, a estação Ana Rosa. O problema é que logo foi se formando uma tempestade. Mesmo assim, achei que bastaria eu chamar um uber que ficaria tudo certo. Chamei o primeiro, que foi parar em um lugar que eu não sabia onde era. Com o segundo aconteceu a mesma coisa. Com o terceiro também. Já estava disposto a pegar um táxi e por isso atravessei a rua, sem guarda-chuva. Em vão: o táxi não estava à disposição. Sorte que o motorista do último uber, ao me ver naquela situação, todo encharcado e carregando uma mala, gritou pelo meu nome. Parou no acostamento e me explicou que em São Paulo o uber não funciona direito se você não colocar exatamente o local de partida. Parecia que eu estava vivendo uma cena de SUSPIRIA, o filme do Dario Argento.

Enfim, cheguei encharcado no prédio do Michel e ainda tive que verificar o número do apartamento na chuva, para que o pessoal da portaria pudesse liberar minha entrada. Mesmo assim, claro que foi bom poder chegar. A Cris ainda estava em casa, mas já apressada para ir trabalhar. Me conseguiu um guarda-chuva cor-de-rosa que me quebrou um galhão nos dias chuvosos.

No mais, consegui tirar um cochilo para ir ao combinado almoço com o amigo Eduardo Aguilar. Combinamos de nos encontrar na Estação Luz para em seguida partir para o restaurante que ele sugeriu. Muito bom, aliás. Comemos um bife à parmegiana excelente. Mas bom mesmo foi o papo, que durou cerca de quatro horas. Papo de muito cinema e de vida real. Com o Aguilar, nem dá tempo para pausas entre uma conversa e outra. Muito bom.

Em seguida, fui atrás de comprar um outro sapato, pois o que eu usava estava um tanto molhado. A intenção seria aproveitar para ficar um pouco mais sequinho e ver algum filme em uma sessão próxima. Mas a chuva não deixou. O sapato novo logo ficou mais encharcado que o velho. Então, a ideia de ver um filme àquela hora foi para o brejo. Tentei novamente pegar um uber e foi novamente frustrante. Acabei pegando um taxi para voltar para a casa do Michel, que estaria voltando do trabalho. Quando ele chegou, saímos para comer uns espetinhos no Boni. Muito bom. Especialmente o kafta.

Sexta-feira

A sexta-feira deveria ser o dia de ir a Jundiaí, para visitar os amigos Bia e Primati, mas achei melhor deixar para o sábado, devido a complicações nos horários de trabalho da Bia. Foi bom assim, já que a sexta-feira também foi um dia de muita chuva. Ainda que não tão tanto quanto a quinta. Depois de um café da manhã caprichado fiz um passeio pela Rua Augusta principalmente para visitar aquela loja de discos bacana, a Augusta Discos. Saí de lá todo feliz com quatro CDs: Radiohead: Amnesiac; Cat Power: What Would You Think the Community Think; mundo livro s/a: guentando a ôia; e Marina Lima, o disco homônimo de 1991. Queria mais, claro, mas não estava num desses dias em que me sentia rico, não.

Depois de um almoço ruim no Shopping Center 3 (escolhi mal, devido à pressa para pegar a sessão, talvez), fui ao Petra Belas Artes para comprar ingresso para o novo Almodóvar, o maravilhoso DOR E GLÓRIA, e o novo do Paulo Sacramento, A FACA E O OLHO. O do Almodóvar me tocou com força. Espero poder escrever sobre ele aqui em breve. O do Sacramento é um pouco cheio de falhas, mas tem sua força em causar angústia. De volta para casa, o Michel já estava por lá. Havia uma possibilidade de ir a um show da banda Del Rey, mas acabou não rolando. Como tínhamos mesmo que ver HOMEM-ARANHA - LONGE DE CASA, parecia uma boa oportunidade. A Cris também foi, um pouco cansada do trabalho. O novo filme do Aranha, aliás, é bem divertido.

Sábado

Felizmente o dia amanheceu sem chuva. Em compensação, foi um desses dias de muito frio. O termômetro chegou a marcar 7º C. Depois de um café da manhã rápido, que serviu para esquentar a barriga, peguei o metrô para em seguida pegar o ônibus para Jundiaí. Estava feliz em poder ir em direção a uma cidade do interior de São Paulo. A única vez que tinha saído da capital foi para ir a Campinas, mas não conta muito, pois dormi o caminho inteiro e o espaço em que fomos foi um mega shopping center. Chegando na casa do Primati e da Bia fui recebido calorosamente pelos dois. Conheci os vários gatos assustados, belos e simpáticos da casa, a estante admiravelmente cheia de livros interessantes - mesmo com a conversa boa, de vez em quando eu olhava para a estante, sou meio que fascinado por estantes. A Bia ainda não tinha feito o almoço, e fui com ela comprar uns ingredientes. Gostei bastante de um espaço onde se compra quase de tudo de ingredientes. Que eu saiba, não tem nada do tipo aqui em Fortaleza.

De volta para a casa, almoço e bate-papo. Curiosamente, o papo que mais se desenvolveu, além de coisas da vida real, Seinfeld, filmes e gatos, foi sobre música. Ouvimos muita música e falamos bastante de música. Senti-me à vontade com pessoas que também não se sentiam muito felizes com os caminhos da música pop do novo milênio. A Juliana também veio para me ver na hora do almoço e foi muito divertido o papo. Creio que a minha amizade com eles se solidificou ainda mais com essa visita. Até me arrependi de não ter ficado para dormir e ir no dia seguinte (é que eu achava que estaria abusando da hospitalidade se ficasse muito tempo). Como eles disseram, daria para aproveitar mais. Fica para a próxima oportunidade.

Muito do meu interesse para voltar para São Paulo veio da possibilidade de ver uma peça com a Alessandra Negrini em um teatro ali na Vila Mariana. Acabou dando certo a ida ao teatro, embora a peça não tenha nos agradado muito. Chama-se Uísque e Vergonha, com direção de Nelson Baskerville, baseado em um livro de Juliana Franck, escrito em 2016. O que mais me incomodou na peça foi o quanto o humor não serviu para fazer rir. Os palavrões acabaram parecendo gratuitos e apenas feitos para incomodar. A peça terminou com uma homenagem a João Gilberto, falecido naquele sábado. Antes disso, o jantar havia sido um hambúrguer caprichado na Jazz. Que lugar bacana, hein. E o sanduíche é ótimo. Para mim, que evito comer porco, é perfeito, então, já que o dono é adventista do sétimo dia.

Domingo

Dia de comemorar o aniversário fora de casa. Havia convidado outros amigos, entre os que estavam em Sampa (vários viajaram ou se mudaram para outros lugares do mundo), mas por motivos diversos eles não puderam ir. Estiveram presentes no restaurante Sujinho, além de Michel e Cris, Chico, Gustavo e o casal que eu conheço desde os primórdios do blog, Tiago e Denise, que trouxeram seu baby, o Benjamin. Na TV passava a final da Copa do Mundo feminina de futebol. A comida era boa - experimentei o salmão - e o papo fluiu bem. Depois do almoço, eu, Michel e Gustavo fomos caminhar um pouco pela Paulista, que estava fechada para os carros. Muito agradável poder sentir o prazer do calor do sol em dias frios. Até o sorvete pareceu mais gostoso. Se bem que o Michel falou que aquele é o melhor (ou um dos melhores) da cidade.

Depois de uma descansada em casa, Michel e eu fomos ver MEMÓRIAS DA DOR, de Emmanuel Finkiel. Que baita filme, meus amigos. E que performance arrasadora de Mélanie Thierry! É outro filme que eu preciso parar com calma para escrever e poder ampliar a experiência do cinema. Sem dúvida, um dos melhores títulos que eu vi neste ano. Já estava quase saindo de cartaz em São Paulo. Portanto, quem ainda não viu, corra para ver. Aqui em Fortaleza não chegou e eu nem sei se um dia vai chegar. Em seguida, fomos jantar em outro lugar excelente, o Prainha da Paulista. Impressionante a quantidade de comida boa que São Paulo oferece.

Segunda-feira

O dia amanheceu com a emoção de estar junto com a turma para o podcast Cinema na Varanda. Tiago não estava; viajou. Uma honra estar ao lado de Michel, Chico e Cris nesta segunda vez ao vivo com eles fazendo este programa, que eu gosto tanto e não perdi nenhum episódio até hoje. Os filmes em debate foram HOMEM-ARANHA - LONGE DE CASA, DIVINO AMOR e DEMOCRACIA EM VERTIGEM. Além disso, no Puxadinho da Varanda, ainda trouxemos à tona os filmes FORA DE SÉRIE, DESLEMBRO, MEMÓRIAS DA DOR e TURMA DA MÔNICA - LAÇOS. Quem quiser ouvir o episódio, ele já está disponível AQUI.

Depois do podcast, saímos para almoçar (aliás, anotem aí: Go Fresh; que comida gostosa a desse restaurante!) e encontrar o fella de Natal, Marcos Aurélio Felipe, outro cara fantástico que conheço já faz um longo tempo. Ele estava passando uns dias com a família em Sampa e foi ótimo ter essa possibilidade de encontrá-lo. Depois de conversar e almoçar, nós três saímos para ver SANTIAGO, ITÁLIA, o novo filme de Nanni Moretti. Não é um dos melhores do Moretti, com certeza, mas, nos dias de hoje, acaba sendo necessário. Após uma ida para trocar uma camiseta em uma loja que usa estampas bacanas de cinema e música, fomos ao café do Espaço Itaú conversar mais um pouco. Era o tempo de ir para a terceira parte da programação do dia, o karaokê na Liberdade.

Só não foi melhor do que a outra vez pois estava lotado e todo mundo queria cantar. Só consegui cantar duas músicas ("Never there", do Cake, e "The KKK took my baby away", dos Ramones) e nem acho que fui bem. Havia um grupo de especialistas, quase profissionais em karaokê, tanto na voz quanto nas coreografias. Outra coisa que percebi e que fez eu me sentir mais velho: a quantidade de canções novas no repertório que eu não conhecia. Mas fiquei feliz que o grande momento da noite veio da nossa turma: Cris e Chico cantaram "Shallow", a original de Bradley Cooper e Lady Gaga, não a horrível versão brasileira, claro. Cris mandou bem demais emulando a Gaga.

Ah, e o momento também foi muito importante para finalmente conhecer pessoalmente a Paula Ferraz, dessas pessoas que a gente já gosta mesmo de longe. Ela havia viajado para Jericoacoara e retornou naquele dia. Me presenteou com dois DVDs (O AMANTE DUPLO e EU, TONYA) e me deu aquele abraço acolhedor. Fiquei feliz demais de encontrá-la.

Terça-feira

Dia de voltar para casa. Mas antes Cris e Michel foram tão legais comigo que, além de me darem carona de volta até o aeroporto, ainda me levaram a um lugar muito interessante, uma espécie de cafeteria hipster com cadeiras de praia e um café-da-manhã gourmetizado. Chama-se Beth Bakery. Gostei de conhecer o lugar. O dia foi curto e a viagem até que foi rápida, embora tenha chegado bem cansado. De todo modo, foram cinco dias que valeram demais. Novamente, deixo novamente meu muito obrigado à acolhida dos amigos todos citados aqui, em especial, claro, Michel e Cris. Até a próxima, my friends!

DESLEMBRO

É possível notar, mesmo sem saber nada de DESLEMBRO (2018), que se trata de um filme muito pessoal de sua diretora, Flavia Castro. Ao sabermos que ela conta novamente a história de seu pai desaparecido durante a ditadura, história contada no documentário DIÁRIO DE UMA BUSCA (2010), percebemos que ela é movida por uma necessidade de recontar essa história. O que impressiona é o quanto ela consegue ser tão bem-sucedida estreando no registro de ficção. A sensibilidade com que ela conta a história de uma jovem adolescente que é trazida da França para o Brasil na virada dos anos 70 para os 80, quando começou o processo de anistia política, é feita com uma vivacidade impressionante.

Nos primeiros minutos de DESLEMBRO vemos uma família dialogando em francês. A menina Joana (Jeanne Boudier, ótima) não quer sair da França e ir para um país em que se torturam e matam pessoas. Mas a mãe (Sara Antunes) prefere que a filha e seus outros dois filhos (na verdade, um deles é filho do seu companheiro com outra mulher) venham com ela para o Rio de Janeiro. O impacto da chegada ao novo país começa a trazer memórias fortes de um momento traumático na vida da pequena Joana. Lembranças escondidas em um canto seguro de sua memória.

Assim, essas lembranças - ou possíveis lembranças, já que não se sabe ao certo o que é verdade ou o que é construído como uma espécia de sonho - vão surgindo em flashbacks bem fragmentados. Às vezes, a diretora usa um recurso plasticamente muito bonito de nos mostrar uma imagem tão aproximada a ponto de não sabermos o que estamos vendo, como em um quadro de pintura abstrata com textura em alto relevo.

A inclusão de canções é também um acerto do filme. Lou Reed, Caetano Veloso, The Doors, Nelson Gonçalves (em uma canção de Noel Rosa que também aparece no maravilhoso ARÁBIA, de João Dumas e Affonso Uchôa, ainda que com um intérprete diferente), citações a David Bowie e Pink Floyd; além disso, o amor pelos livros por parte de Joana e a recitação de um poema de Fernando Pessoa, tudo isso faz com que o gosto pela vida, embora dolorosa pela falta trágica do pai, esteja o tempo todo presente.

E há também o amor no seio familiar. A família como mostrada no filme, tão fragmentada quanto as memórias da menina, é de encher o coração (o que são aquelas cenas no carro, meu Deus?). As questões de afetividade envolvendo a mãe, o padrasto chileno e os dois irmãos pequenos somam-se à avó da menina que mora no Rio, vivida com brilho por Eliane Giardini, A cena mais tocante do filme, aliás, talvez seja uma muito sutil, em que a avó e a menina estão sozinhas e a avó olha com lágrimas nos olhos para o rosto daquela garota que lembra o seu filho assassinado pela ditadura. Um exemplo de sensibilidade ímpar por parte da diretora e de seu belo elenco.

E já que estamos falando de amor, eis que o amor romântico também surge em DESLEMBRO de maneira muito bonita. Há, inclusive, uma cena de sexo muito discreta e muito elegante entre ela e o seu interesse amoroso, um rapaz que também é filho de exilados. Inclusive, esse aspecto romântico e a quantidade generosa de canções pop faz com que o filme dialogue com o ótimo CALIFÓRNIA, de Marina Person.

No que se refere às questões políticas, há diálogo com o momento atual, embora o filme tenha sido finalizado antes das últimas eleições presidenciais. O que não deixa de torná-lo ainda mais forte e mais urgente nos dias de hoje. Aliás, o que não parece urgente nos dias de hoje, quando o assunto é direitos humanos?

Assim, no mesmo fim de semana, temos dois filmes de duas cineastas mulheres que estão entre as melhores realizações brasileiras lançadas em circuito. O outro é DEMOCRACIA EM VERTIGEM, de Petra Costa, lançado diretamente na Netflix, e que por isso já tem alcançado um público bem maior. DESLEMBRO, por sua vez, restrito ao circuito alternativo, ganhará um público pequeno. Por isso, é importante que o boca a boca seja positivo e que atraia o público, a fim de que mais pessoas tenham a honra de ver esta pequena obra-prima no cinema, em toda sua glória.

+ TRÊS FILMES

LOS SILENCIOS

Muito bonito este segundo filme de Beatriz Seigner. Gosto especialmente da primeira metade do filme, com momentos em que os sons da natureza desempenham um papel muito forte na ambientação daquele lugar: uma ilha que fica na fronteira entre Brasil, Colômbia e Peru. Na história, Amparo é uma mulher que vai com os filhos para a tal ilha, fugindo de possíveis ataques dos inimigos da guerrilha de que o marido fazia parte. Mais um filme que vale ver também para nos aproximarmos dos nossos vizinhos sul-americanos. Ano: 2018.

MORMAÇO

Um quê de AQUARIUS com elementos cronenberguianos (também lembrei de Um Ramo, de Juliana Rojas e Marco Dutra). Além de um importante trabalho sobre a destruição imposta pelo Estado (o Rio de Janeiro nas vésperas das Olimpíadas de 2016), é também um filme sobre uma doença misteriosa que aflige a protagonista. Os elementos realistas se harmonizam bem com uma linha mais fantástica. Ótima a Marina Provenzzano (tinha visto a moça em O GRANDE CIRCO MÍSTICO, mas não lembrava). Direção: Marina Meliande. Ano: 2018.

A SOMBRA DO PAI

Um filme que me trouxe sentimentos mistos. Ora achei bonito toda a homenagem aos filmes de terror que a diretora faz, ora curti a cara de filme de horror B de locadora dos anos 80, ora fiquei incomodado com o drama inquietante do pai e da filha, que vivem à mercê de situações extremamente desafiadoras, cada um lidando à sua maneira com o que lhes perturba. A menina tem um gosto por feitiços e coisas do tipo; o pai se fecha demais em sua vida desgraçada. Muito bom ver a evolução da diretora nesses longas. Direção: Gabriela Amaral Almeida. Ano: 2018.

FORA DE SÉRIE (Booksmart)

"Ser jovem é a experiência mais dolorosa e mais hilária", disse Olivia Wilde em entrevista para o jornal The Guardian. E de fato, por mais que FORA DE SÉRIE (2019), sua estreia na direção de longas-metragens, seja um filme para rir bastante, há uma profundidade e uma compreensão do que é ser jovem que falta na grande maioria dos filmes sobre jovens produzidos nos últimos vinte anos. E como vivemos em um momento em que tudo que fazemos tem um viés político, nem precisaríamos saber que Wilde é uma democrata entusiasmada que trabalhou duro durante as campanhas de Obama e cuja mãe é congressista.

Assim, FORA DE SÉRIE trata de situações em pauta nos dias de hoje, como a orientação sexual e a sororidade. O filme conta a história de duas garotas que são melhores amigas. Elas estão no último ano do ensino médio e prestes a ingressar em uma nova fase de suas vidas. Acreditam que deram o melhor de si, ralando muito nos estudos, diferente da grande maioria de seus colegas, que passaram o ano brincando, indo a festas etc.

Na verdade, a visão que temos da escola é quase caótica, mas muito divertida de ver. Em determinado momento parece a Escolinha do Professor Raimundo. Por isso, uma delas fica horrorizada ao saber que vários de seus colegas também vão para universidades conceituadas, mesmo não estudando tanto quanto ela. Daí a necessidade de, no último dia do ano, antes da entrega do diploma, elas resolverem ir a uma das festas malucas da turma. Isso se torna algo de fundamental importância, então.

Desde o começo o filme é um convite ao riso, ao mesmo tempo em que acompanhamos o aprofundamento no drama daquelas personagens - e até dos coadjuvantes que aparecem pouco e que seriam apenas funcionais na trama. Assim, a transição do riso para a dor pode ser sentida com mais força.

O que dizer da cena da piscina, uma das cenas mais belas do cinema recente? Ao mostrar a cena para Will Ferrell em um corte inicial do filme, o ator e comediante disse, em lágrimas: "essa é uma das mais belas cenas que eu vi na vida". E dá para imaginar que Olivia Wilde tenha fica emocionada com o apoio do amigo, e disse que muita gente queria cortar a cena. Dá para imaginar?

Um dos grandes méritos do filme é nos fazer sentirmos mais vivos ao nos levar de volta para esse momento de transição da vida. É semelhante ao que sentimos com LADY BIRD - A HORA DE VOAR, de Greta Gerwig, só que com muito mais experimentação e estranheza, o que é muito bom. Assim, o que vemos é uma produção com um grau de frescor pouco visto no cinema independente recente. Afinal, o que é a cena das duas bonecas? E que maravilha que é a liberdade com que vemos os diálogos íntimos das duas amigas, como na revelação de um brinquedo de pelúcia para auxiliar na masturbação de uma delas.

As duas meninas, Molly (Beanie Feldstein) e Amy (Kaitlyn Dever), se amam e se apoiam mutuamente. Molly sofre por ser gordinha e acreditar que não tem chance com os garotos da escola; Amy, por outro lado, é gay e tem muita dificuldade em chegar perto de uma garota por quem ela se sente atraída.

O filme, ao mostrar tanto o doce e o amargo desses momentos da vida, encanta. A primeira experiência sexual de Amy, o baque de ver a pessoa amada beijando outra pessoa, a alegria com o sucesso da colega, a aproximação com colegas distantes através de pequenos diálogos que revelam mais aprofundadamente quem são aquelas pessoas, tudo isso é muito bonito. Uma das melhores surpresas do cinema em 2019, FORA DE SÉRIE é também um filme sobre ser jovem em 2019, o que o torna também uma espécie de documentário de uma época.

+ TRÊS FILMES

OITAVA SÉRIE (Eighth Grade)

O primeiro filme que vi em 2019 foi este trabalho bem sensível sobre a vida de uma adolescente tímida que se esforça muito para poder se socializar e se sentir pertencente em seu mundo. Me identifiquei com esta jovem e, como professor, visualizo também muitos que passam por essa fase complicada da vida. O legal do filme é que, mesmo insegura, ela faz uns vídeos de dicas de como enfrentar certos problemas da vida como adolescente. Um misto de sabedoria escondida em um corpo cheio de inseguranças. Direção: Bo Burnham. Ano: 2018.

O MAU EXEMPLO DE CAMERON POST (The Miseducation of Cameron Post)

Serve como uma boa dobradinha para BOY ERASED. E diria que é menos intenso, até porque a figura dos disciplinadores da cura gay é menos odiosa e perversa. Mas o curioso é que o outro é baseado em uma história real e este parece que não. Mais do que um filme sobre a intervenção cruel à personalidade de pessoas, é um filme sobre amizade, uma amizade que a protagonista constrói com tipos marginais na instituição: uma jovem negra sem uma perna e um rapaz índio. Adoro a hora que toca "What's up", do 4 Non Blondes. E olha que eu nem gostava da música. Direção: Desiree Akhavan. Ano: 2018.

A CINCO PASSOS DE VOCÊ (Five Feet Apart)

Belo melodrama juvenil que deve falar bastante às novas gerações. Fiquei especialmente impressionado com o tanto de jovens chorando durante a sessão. Uma menina que estava perto de mim estava aos prantos ao final do filme, chorando no colo de quem parecia ser sua mãe. O filme pode ter seus problemas de seguir uma fórmula gasta, mas os protagonistas têm muito carisma e o drama deles é muito fácil de comprar. Afinal, quem não precisa de um abraço? Além do mais, é um filme que não tem medo de ser pesado no drama. Direção: Justin Baldoni. Ano: 2019.

CINCO SÉRIES E DUAS MINISSÉRIES

Em outros tempos eu teria falado com calma de cada uma dessas séries. Até porque todas merecem a nossa atenção. Mesmo aquela que patinou em sua conclusão. Infelizmente, por uma série de motivos que não valem a pena explicar aqui, não estou conseguindo seguir com a mesma regularidade que o blog estava tendo de 2002 a 2017. Assim, para não passar em branco, vamos logo tecer breves comentários sobre séries marcantes vistas recentemente. A primeira delas, pra vocês terem uma ideia, eu terminei de ver no final do ano passado.

THE MARVELOUS MRS. MAISEL – SEGUNDA TEMPORADA (The Marvelous Mrs. Maisel – Season Two)

Esta segunda temporada foi um pouco mais desafiadora que a primeira, que tinha sido só alegria. Nesta, há o desafio (bom) de ver uma série que se interessa ainda mais por questões formais, não só de emular o cinema dos anos 50 e as screwball comedies, mas também de brincar com o cenário de maneira inventiva. Sem falar nas cores vivas e lindas. Mas o que pega mesmo é o drama dos personagens, que se intensifica. O drama prevalece sobre a comédia agora, e os personagens coadjuvantes ganham mais espaço já no começo. Caso dos pais de Midge (Rachel Brosnahan), na série de episódios que se passam em Paris. Mas o que me fez gostar mesmo desta nova temporada foi a questão da dor dos personagens, cada um deles com um problemão pra enfrentar. A cena final é lindíssima, de tão tocante. É ver o que vem por aí na próxima. Episódio de destaque: “We’re Going to Catskills!” que mostra Midge e sua família indo para uma espécie de colônia de férias para famílias. No mínimo, curioso. Ano: 2018. Criadora: Amy Sherman-Palladino. Canal: Amazon.

BONECA RUSSA – PRIMEIRA TEMPORADA (Russian Doll – Season One)

Gosto muito da série a partir da metade, quando aparece um personagem importante. Até então, demorei a simpatizar com a heroína, mais parecida com uma versão feminina de Joe Pesci em OS BONS COMPANHEIROS. Mas os momentos brilhantes compensam e quase tornam a série ótima. Uma pena que eu não tenha me entusiasmado tanto, a não ser nos momentos em que as brincadeiras de paradoxo temporal o tornam diferente das cópias de FEITIÇO DO TEMPO. No mais, a história melhora quando muda de ponto de vista e surge certo personagem masculino. Curioso o fato de a temporada ser tão redondinha. Não consigo imaginar uma segunda temporada. Episódio de destaque: “Alan’s Routine”, justamente o que muda o foco da ação de Nadia para Alan. Ano: 2019. Criadoras: Lesley Headland, Natasha Lyonne e Amy Poehler. Canal: Netflix.

TRUE DETECTIVE – A TERCEIRA TEMPORADA COMPLETA (True Detective – The Complete Third Season)

A terceira temporada de TRUE DETECTIVE começa um tanto morna, mas vai melhorando a partir do terceiro episódio, quando as três linhas temporais passam a ser brilhantemente trabalhadas e ganham força, principalmente quando a série parece estar mais interessada na psicologia de seus personagens do que na trama de mistério, que desde o começo parece pouco envolvente, até por contar apenas com o caso de um garoto morto e uma garota desaparecida. Isso não deixa de ser uma tragédia, mas para uma série o que conta é o fato de isso se estender por tanto tempo (1979-1990-dias atuais). Incomoda um pouco certas coisas serem tão óbvias que os detetives deixaram passar. Curiosamente, os episódios mais fracos são os dirigidos por Daniel Sackheim, que dirigiu os primeiros e os últimos. Os dirigidos pelo criador da série são os melhores. Não sei se depois desta temporada a franquia vai contar com um quarto ano. Episódio que se destaca: “Now Am Found”, que lida mais dramaticamente com a situação de perda de memória na velhice de Wayne (Mahershala Ali). Ano: 2019. Criador: Nic Pizzolatto. Canal: HBO.

GAME OF THRONES - A OITAVA TEMPORADA COMPLETA (Game of Thrones – The Complete Eighth Season)

Não há como negar a influência e a força de GAME OF THRONES ao longo desta década. Foi a série mais popular e mais querida, mas aos poucos foi se tornando a mais frustrante, devido aos rumos que foi tomando à medida que se aproximava de sua conclusão. A sétima temporada já apontava para algo mais desleixado e embora o final da série tenha trazido algumas surpresas (não necessariamente boas, mas ao menos são surpresas), o final é desapontador, ficando um gosto azedo e a falta de vontade de nunca mais voltar à série. Até a Peter Dinklage foi dado um monólogo ruim no episódio final. Perderam a chance de criar um clássico. Ainda assim, são de Dinklage os melhores momentos da temporada, como quando ele sofre com a possibilidade de trair sua rainha; ou quando ele abraça o irmão Jaime, dizendo que ele foi o único na família que não o considerou um monstro. Episódio de destaque: “The Last of the Starks”, uma espécie de episódio de respiro e em quatro paredes, dando espaço para conversas à fogueira dos personagens sobreviventes à batalha da noite anterior. Canal: HBO. Ano: 2019. Criadores: David Benioff e D.B. Weiss. Canal: HBO.

FLEABAG – PRIMEIRA TEMPORADA (Fleabag – Season One)

Depois do hype dentro do círculo de críticos e apreciadores mais exigentes de séries, fui lá conferir a primeira temporada de FLEABAG, que nem sabia que existia até um dia desses. Sempre bom ter a oportunidade de conhecer novos talentos criativos, como é o caso de Phoebe Waller-Bridge, que cria, escreve e atua como protagonista desta série que se esconde como uma comédia com frequência, quando no fundo o que se sente mesmo é muita dor, arrependimento e uma dose de depressão. Em breve vejo a nova temporada. Episódio de destaque: o sexto e último episódio, que traz a revelação do que realmente aconteceu com a querida amiga de Fleabag. Ano: 2016. Criadora: Phoebe Waller-Bridge. Canal: Amazon.

CHERNOBYL

Dessas histórias tão aterradoras e arrepiantes que ficam com a gente até a hora de dormir. Impressionante o quanto a irresponsabilidade pode causar tanto prejuízo (mortes, doenças, perdas de animais, flora, uma cidade inteira). Um dos grandes méritos de CHERNOBYL é nos colocar de cara com a noite da explosão, para depois ver o horror só aumentando, e ao final ter aquela sensação de que ao menos algumas pessoas fizeram algo de bom para que aquilo não se repetisse. Episódio marcante: “Open Wide, O Earth”, que mostra os planos de Valery (Jared Harris) para descontaminar Chernobyl. Perturbador é pouco! Ano: 2019. Criador: Craig Mazin. Canal: HBO.

A VERY ENGLISH SCANDAL

Uma das coisas bacanas do Globo de Ouro é fazer com que eu me interesse por certas produções televisivas. No caso desta aqui, só em ter a presença de Hugh Grant, um de meus astros favoritos, já era motivo mais do que suficiente. Saber que se trata de uma ótima minissérie, então, melhor ainda. O formato em três episódios, característica das minisséries britânicas, funciona bem e a história é de fato fascinante. No campo das atuações, nunca vi Grant tão bem. Pena não ter levado o prêmio de melhor ator. A cena dele tentando desconversar sobre sua vida dupla com a segunda esposa é de dar dó. Mesmo sendo uma espécie de vilão, por assim dizer. Talvez seja o melhor trabalho de Frears na direção desde CHÉRI (2009). No mais, lembremos que seus primeiros sucessos para cinema abordavam a questão da homossexualidade, MINHA ADORÁVEL LAVANDERIA (1985) e O AMOR NÃO TEM SEXO (1987). Ano: 2018. Direção: Stephen Frears. Canal: Amazon.

TODOS JÁ SABEM (Todos Lo Saben)

Um de meus filmes favoritos deste ano é TODOS JÁ SABEM (2018), de Asghar Farhadi. Foi dessas obras que eu vi com mais prazer e interesse. Para minha surpresa, a repercussão entre a crítica, especialmente a brasileira, não foi tão favorável. Meus amigos do excelente podcast Cinema na Varanda também foram unânimes: não gostaram do filme.

Como eu coleciono cartazes dos filmes que vejo em minha página do Facebook e coloco cotação e um breve comentário do que acabei de ver, dei cinco estrelas para o filme de Farhadi, o que foi motivo de surpresa para muitos. E isso foi uma das razões de eu ter preparado uma defesa em áudio para TODOS JÁ SABEM, a pedido, inclusive, do Tiago, que me pediu para encaminhar o áudio quando comentei algo a respeito do filme e do veredito dos varandeiros.

Enfim, depois de várias semanas que vi o filme, fica cada vez mais difícil escrever a respeito, a não ser que através de uma revisão. Então, achei por bem transcrever a minha cola para o áudio enviado ao Cinema na Varanda, desde já os agradecendo por fazer com que eu pensasse o filme e os aspectos que me fizeram gostar tanto dele. Segue abaixo o texto que serviu de base para o áudio.

"Sabe quando você ouve alguém xingando aquela banda de que você gosta muito e você fica vermelho de raiva? Pois é. Ultimamente isso não tem acontecido muito com os filmes, mas isso depende muito do grau de pedradas que ele recebe. Pois é. Ouvindo o podcast sobre TODOS JÁ SABEM senti mais ou menos isso, embora entenda o quanto é individual a nossa apreciação de cada obra de arte.

Curiosamente, os filmes de Asghar Farhadi que eu mais gosto são justamente os trabalhos dele fora do Irã, O PASSADO (2013) e este novo, feito na Espanha. Embora goste bastante também de PROCURANDO ELLY (2009), que guarda muitas similaridades com a trama do novo filme.

TODOS JÁ SABEM me conquistou desde o início e me manteve interessado na trama e nos dramas de seus personagens até o final. Vi tudo com muito entusiasmo mesmo. O começo, com Penélope Cruz e Carla Compra, a jovem que interpreta sua filha mais velha, sorrindo, representando uma alegria de estar vivo naquele ambiente rural e lindo da Espanha. Senti-me como que levado para aquele vilarejo. E muito feliz por isso.

E esses momentos felizes são fundamentais para que se faça um contraste com o momento sombrio que acerca o filme logo após a notícia do sequestro da garota.

Se Farhadi não deixa um toque latino no filme, o que acho questionável, não vejo isso como um problema. É um filme de um cineasta estrangeiro, um dos grandes cineastas da atualidade, que tem uma habilidade em tratar de suspenses e dramas familiares como poucos de sua geração. De todo modo, Farhadi é iraniano, de um país que não tem as mesmas liberdades da Espanha, por exemplo, muito por causa da religião imposta e dos costumes de muitos anos. Assim, ele dá o que ele tem de melhor.

Além do mais, a fotografia de José Luis Alcaine, grande mestre, tendo vários trabalhos com Pedro Almodóvar, também confere à obra uma beleza toda própria.

O aspecto de novela do drama, envolvendo revelações de paternidade e dinheiro, pode mesmo incomodar a alguns, mas eu abracei com muito amor, junto com a trama de whodunit, que ganha força justamente por ser emoldurada pelos dramas individuais de cada personagem, seja o trio principal (Penélope, Bardem, Darín), sejam os coadjuvantes, cada um importante, já que qualquer um poderia estar envolvido no sequestro da garota.

E não, de jeito nenhum, eu vejo o filme como uma obra em que o roteiro é a mola principal. O comentário que eu fiz quando saí da sessão foi justamente esse: 'que diferença faz um grande diretor, não é?' Mas, claro, eu tinha adorado cada minuto do filme. Então, puxei sardinha para o nosso querido Farhadi. Enfim, não sei se defendi o filme como gostaria (sou péssimo debatedor, eu sei), mas acredito que falei o principal.

Abraços a todos!"

E foi essa a minha defesa do filme. Espero que alguns leitores concordem comigo. Há muitos aspectos que eu poderia ter enfatizado, modificando o texto, mas preferi não mexer.

+ TRÊS FILMES

ENTARDECER (Napszállta)

Achei muito difícil entrar neste filme. Ele demora demais a nos deixar a par da situação da protagonista e apresenta personagens masculinos demais, confundido muito. A certa altura não sabia mais quem era o tal irmão dela. O recurso de usar a câmera muito próxima à protagonista, como em O FILHO DE SAUL (2015), é repetido aqui, mas perdendo o frescor (se bem que já não era novidade no filme anterior, os Dardenne já haviam usado isso de forma parecida). O final traz algo que ajuda a dar um pouco de sentido à trama do filme, conectando-o com um evento histórico importante, mas acho que naquele momento já estava tarde demais para mim. As 2 horas e 20 demoram a passar. Direção: László Nemes. Ano: 2018.

BORDER (Gräns)

Um filme que me intrigou bastante no começo, mas que depois foi fazendo perder o meu interesse. E nem é pela forma como ele vai se mostrando o que de fato é, mas é como a conclusão me pareceu insatisfatória, principalmente por dar muito peso à questão criminal e um pouco menos à relação entre os dois personagens peculiares e no sentimento de autodescoberta da protagonista. Ainda assim é um filme bonito plasticamente. Direção: Ali Abbasi. Ano: 2018.

CAFARNAUM (Capharnaüm)

Acho que estou meio insensível ultimamente. Já vi alguns melodramas dignos de pessoas sensíveis e não chorei. (Quer dizer, acho que chorei um pouco no melodrama A CINCO PASSOS DE VOCÊ.) Enfim, CAFARNAUM pega pesado na exposição da miséria humana e na descida aos infernos de um garoto de cerca de 12 anos em uma cidade do Líbano. Há situações tão pesadas que a gente fica um tanto ressabiado com a diretora, pensando no quanto ela pode ter exagerado. Além do mais, fica difícil não fazer comparações com PIXOTE - A LEI DO MAIS FRACO, que é um filme tão mais cru e tão sem filtros, coisa que não falta neste filme da Nadine Labaki. De todo modo, o garotinho Zain Al Rafeea é fantástico. Ano: 2018.