JOGOS VORAZES – EM CHAMAS (The Hunger Games – Catching Fire)

Com o final tão redondinho de JOGOS VORAZES (2012), o primeiro filme, ficou a impressão de que a franquia não teria muito mais a oferecer a não ser lucrar em cima do belo resultado inicial, repetindo outros jogos em filmes seguintes. Surprise, surprise: JOGOS VORAZES – EM CHAMAS (2013) consegue superar o primeiro filme em praticamente todos os quesitos. Aliás, é, até o momento, o filme que salva a safra de blockbusters do ano. Desses de se assistir com atenção, empolgação e encanto. E como se trata de uma franquia que só cresceu com o tempo, o número de espectadores aumentou em progressão geométrica. E são participativos, no bom sentido, também. Com direito a palmas em determinado momento, por exemplo.

A mudança de direção, saindo Gary Ross e entrando Francis Lawrence, de CONSTANTINE (2005) e EU SOU A LENDA (2007), não prejudicou em nada. Na verdade, Lawrence conservou o bom andamento narrativo do filme, enfatizando a questão da revolução iminente de um povo que não aguenta mais a violência e a humilhação que sofre por parte do Governo. A gota d'água são os tais jogos vorazes, um reality show em que jovens dos vários distritos têm que duelar até a morte entre si, para satisfazer os criadores e entusiastas do programa, como o presidente, vivido por Donald Sutherland, além dos espectadores mais sádicos.

Porém, alguma coisa mudou depois que Katniss Everdeen (Jennifer Lawrence) ganhou a última edição dos jogos e se tornou querida por muitos, ainda que odiada pela família daqueles que morreram em combate. Essa é uma das razões da cena do primeiro discurso – em que ela e seu parceiro de sobrevivência, Peeta Mellark (Josh Hutcherson), resolvem improvisar – ser tão emocionante. Ali vemos a chama da revolta, simbolizada pelos três dedos levantados, que podem remeter à liberdade, à igualdade e à fraternidade da Revolução Francesa.

Assim, se o primeiro filme parecia uma versão americana de BATALHA REAL, de Kinji Fukasaku, que por sua vez foi inspirado em um romance juvenil como a própria adaptação de JOGOS VORAZES, o novo filme amplia o cenário, oferece um gostinho de O IMPÉRIO CONTRA-ATACA, deixando uma vontade enorme de ver a conclusão da narrativa, que infelizmente (ou felizmente, quem sabe) será dividida em duas partes, assim como aconteceu com os finais das franquias HARRY POTTER e CREPÚSCULO. Sabemos que isso dá dinheiro e que esse é o principal motivo, mas é possível que isso seja usado de maneira inteligente e criativa, como até agora vem sendo.

Neste segundo filme, para arranjar um jeito de matar Katniss Everdeen, o presidente resolve chamar todos os vencedores das últimas edições para que possam duelar entre si. Seria, supostamente, uma comemoração dos 75 anos dos jogos. E o filme oferece duelos bem empolgantes entre si, além de obstáculos colocados pela própria prova, que rende cenas memoráveis como a do ataque dos macacos, que chegam a ser impressionantemente assustadores.

Quanto a Jennifer Lawrence, ela continua sendo aquela força da natureza. Linda, selvagem, humilde, dividida entre dois amores, com medo de ter sua família atingida por qualquer ação sua, de ter que magoar seu namorado (Liam Hemsworth), que inclusive participa de uma das cenas mais dramáticas deste filme. E que serve para atiçar também o espectador, deixando todo mundo revoltado e pronto para abraçar a revolução.

Além do mais, que outro blockbuster consegue trazer um elenco de apoio tão fantástico (Woody Harrelson, Donald Sutherland, Elizabeth Banks, Stanley Tucci, Philip Seymour Hoffmann, Jeffrey Wright) e usá-los todos dignamente, e não como uma mancha na carreira do ator como fazem outros filmes por aí? Afinal, os diálogos são bem construídos e os personagens são todos envolventes e interessantes. Quem diria que aqueles livrinhos de aspecto tão modesto de Suzanne Collins renderiam uma das melhores franquias juvenis dos últimos anos?

OBS.: JOGOS VORAZES – EM CHAMAS está sendo exibido em algumas salas do país com uma nova tecnologia de som, o dolby ATMOS, em cópias digitais DCP. Porém, não percebi muita diferença em relação ao som dolby convencional. Provavelmente isso se deve ao número de caixas de som que o sistema requer para que seja melhor aproveitado, como se pode ver neste link. No Iguatemi, duas salas estão exibindo o filme com este sistema, somente em cópias legendadas.

BLING RING – A GANGUE DE HOLLYWOOD (The Bling Ring)

Acusado por muitos de vazio como seus personagens, BLING RING – A GANGUE DE HOLLYWOOD (2013) é o filme de Sofia Coppola que mais sofreu ataques, embora seja o seu trabalho mais badalado comercialmente, até pela presença de Emma Watson como uma das garotinhas ricas a ingressar no grupo de ladrões de joias, roupas e outras bugingangas chiques de celebridades de Los Angeles.

O grupo é formado por Marc, um rapaz gay e deslocado na escola, vivido por Israel Broussard, e Rebecca, a verdadeira líder da gangue, interpretada por Katie Chang, tão bela e atraente quanto Emma Watson. É ela quem descobre as facilidades de adentrar as casas das celebridades que vivem em luxuosas mansões. É Rebecca quem encoraja a turma a invadir as casas, sem muita preocupação em ser pega no ato.

O filme é uma delícia de se assistir, mas parece não ir além do vazio das almas de seus personagens, como acontece tão belamente em outras obras de Sofia Coppola, tendo atingido o ápice desse sentimento em forma de estética com UM LUGAR QUALQUER (2010). Porém, sempre fica uma pergunta no ar: é isso mesmo? BLING RING é o filme menos brilhante de Sofia? Ou é uma dessas obras subestimadas ou incompreendidas que precisam de um olhar mais carinhoso?

De uma forma ou de outra, trata-se de um filme bastante coerente com o autorismo de sua diretora, bem como representativo de uma geração que se deixa levar pelo glamour das celebridades, que por sua vez podem ser tão vazias quanto as próprias invejosas, caso, por exemplo, de Paris Hilton, uma das que têm a casa invadida. Aí entra outra questão, que é a da ambiguidade do filme, que ao mesmo tempo em que parece tratar com carinho suas personagens, parece fazer também uma crítica à sociedade consumista americana. Daí a confusão que ele causa e daí ser um filme que merece ser visto e revisto para que essas e outras questões sejam levantadas, a fim de que possamos compreender melhor sua proposta.

BLING RING – A GANGUE DE HOLLYWOOD é baseado em fatos reais ocorridos entre os anos de 2008 e 2009. Entre as coadjuvantes, vale destacar a presença de Taissa Farmiga, que atualmente está brilhando como uma jovem bruxa em AMERICAN HORROR STORY – COVEN.

PAI E FILHA (Banshun)

Fiquei tão encantado com PAI E FILHA (1949) que eu acho que com apenas dois filmes vistos já posso me considerar um fã de Yasujiro Ozu. Impressionante o cuidado visual que o diretor tem com cada enquadramento, com seu tradicional uso da câmera na altura do umbigo, como se em posição de humildade em relação aos personagens e ao próprio mundo. Há também uma economia de diálogos e de planos, embora seja um filme cuja história se construa muito em cima desses diálogos.

O que mais marca o início do filme é o sorriso encantador de Setsuko Hara, que interpreta Noriko, uma moça de 27 anos feliz da vida por ser solteira e cuidar com muito amor de seu pai viúvo. Mas a sociedade cobra dela um casamento. Com essa idade, ficar solteira é inadmissível naquela sociedade tão tradicional. E Ozu não parece fazer crítica alguma a essa estrutura social. A intenção do filme é mesmo mostrar o amor existente entre pai e filha. E isso é muito bonito. Só podia mesmo render um final tão lindo que chega a ser difícil conter as lágrimas. E isso dentro do classicismo de Ozu, de sua tendência a não exagerar no sentimentalismo. Em PAI E FILHA, é como se tudo estivesse no seu devido lugar.

Inclusive, as inserções de paisagens que são mostradas eventualmente nos fazem aceitar que essa é a ordem natural das coisas. Ozu traz o equilíbrio da natureza para o seu trabalho, e isso gera uma leve tensão com os dilemas dos personagens, em particular Noriko, já que é ela que enfrenta a maior dificuldade de sua vida: afastar-se de seu pai e tomar um novo rumo. Utilizar o termo "tensão" talvez até seja um tanto exagerado para designar os problemas de Noriko e de seu pai, já que o filme segue com uma serenidade admirável, mas essa leve tensão é um dos motivos para que o filme conquiste o espectador a cada progressão de sua narrativa, até chegar à linda sequência em que o pai vê a filha vestida de noiva. O filme até poderia ter acabado ali, mas consegue ser ainda mais perfeito em sua conclusão.

PAI E FILHA faz parte da chamada trilogia de Noriko, em que a mesma atriz faz diferentes Norikos. Os filmes seguintes são TAMBÉM FOMOS FELIZES (1951) e ERA UMA VEZ EM TÓQUIO (1953), mas esses ainda me falta experienciá-los. Acredito que me trarão tanto prazer e emoção quanto PAI E FILHA.

MEU PASSADO ME CONDENA – O FILME

Gosto do Fábio Porchat. Aprendi a gostar com os vídeos do Porta dos Fundos e com o sucesso de seu roteiro e seu timing para comédia, especialmente em VAI QUE DÁ CERTO. Infelizmente não é sempre ele que está por trás dos roteiros e acaba entrando em alguma roubada. Ainda assim, estar em três comédias lucrativas no mesmo ano não é pra qualquer um. Podem até falar mal dos filmes, e O CONCURSO merece mesmo algumas pedradas, ainda que seja quase inofensivo, mas o fato é que o jovem comediante está cada vez mais popular. E é preciso ter carisma pra isso.

MEU PASSADO ME CONDENA – O FILME (2013) é uma grande bobagem. Mas uma vez que já se sabe disso, o que dá pra perceber é justamente o quanto o ator consegue fazer dessa bobagem algo quase sempre bem divertido. Há um fiapo de história e, tirando a Miá Mello, a moça que faz a sua noiva, até os demais coadjuvantes são bem ruins, embora funcionem para o andamento da trama.

A boa química de Porchat com Miá claramente já se sabe de onde veio: da série que deu origem ao filme. É mais um caso curioso de série de canal fechado que gera filme que explode nas bilheterias num mesmo ano. Funcionou com MINHA MÃE É UMA PEÇA. E agora funcionou também com MEU PASSADO ME CONDENA. Talvez o sucesso do filme do cara travestido de mãe chata seja até mais surpreendente, pois o ator nem era tão famoso. Mas Porchat é. E por isso não chega a ser tanta surpresa assim que MEU PASSADO ME CONDENA tenha gerado a segunda melhor estreia de um filme brasileiro em 2013, perdendo apenas para SOMOS TÃO JOVENS.

A trama de MEU PASSADO ME CONDENA – O FILME até lembra a de algumas comédias hollywoodianas tradicionais: Fábio e Miá (eles usam os próprios nomes no filme) formam um casal que vai para uma lua de mel em um cruzeiro de luxo quando descobrem que o ex-namorado da moça está lá e é um cara bem-sucedido; e que a moça por quem Fábio era apaixonado na infância é namorada do tal sujeito. A partir daí é só brincar com as possibilidades e com as confusões desse quadrado amoroso.

O que acaba deixando o filme ainda mais bobo é sua tentativa de ser uma comédia romântica. Mas ainda assim a diretora Julia Rezende até que não deixa tudo virar um pote de água com açúcar. No fim de tudo, trata-se de apenas mais um filminho descartável para rir durante a sessão e depois esquecer. Não é muito animador saber que é esse tipo de filme que comanda as bilheterias atualmente no Brasil, mas também não sou eu quem vai jogar as pedras. Até porque vem filme com a turma do Porta dos Fundos por aí e eu torço para que dê certo.

EU NASCI, MAS/EU NASCI, PORÉM/MENINOS DE TÓQUIO (Otona no Miru Ehon - Umarete wa Mita Keredo)

Muito interessante a classificação que o historiador de cinema Mark Cousins faz dos estilos utilizados por diversos cineastas ou cinematografias. Ele questiona, por exemplo, chamarem de "clássico" o cinema que se fazia em Hollywood no período anterior ao advento da contracultura. Segundo ele, nada daquilo é clássico, no sentido equilibrado do termo. Ao invés disso, ele prefere chamar de "realismo romântico fechado". Clássico, para ele, é o cinema de Yasujiro Ozu. Esse sim é um exemplo perfeito do termo. Por esse e por outros motivos o cineasta japonês recebe um número generoso de páginas do livro História do Cinema.

No referido livro, EU NASCI, MAS (1932), ou qualquer dos três títulos que o filme possui aqui no Brasil, é considerado o primeiro grande filme de Ozu, seu primeiro sucesso de bilheteria e seu ponto de partida para um estilo e uma temática que ele seguiria a partir de então. Um dos detalhes curiosos sobre Ozu é o fato de ele nunca ter casado e, no entanto, ter uma preferência por adotar temas sobre famílias, relacionamentos entre pais e filhos etc. Pelo menos é o que eu já li a respeito, já que EU NASCI, MAS foi o primeiro trabalho de Ozu a que tive contato. Eu e minha resistência besta aos filmes japoneses...

Em EU NASCI, MAS, dois garotos mudam de escola e têm de lidar com o bullying dos outros meninos metidos a valentões. Por causa disso, eles têm medo de ir até a escola, já que os garotos são muitos e andam em gangue. Assim, nos primeiros dias eles faltam à escola, e até inventam um trabalho de caligrafia para enganar os pais. O pai, inclusive, é o exemplo de pessoa extremamente respeitosa para esses meninos. E, de fato, a imagem que o pai passa no filme é de um homem honrado casado com uma esposa também honrada, ambos cheios de uma serenidade que pouco ou nada se vê no cinema ocidental.

O que justamente quebra essa serenidade no lar é o comportamento dos garotos quando descobrem que o pai é subserviente ao pai de um de seus colegas, isto é, ao seu patrão. Para eles, ver o pai sério desempenhar papel de palhaço em filmes projetados é extremamente desapontador. Daí a entenderem o que é ser uma pessoa importante, a necessidade do dinheiro para o sustento do lar etc., isso demora um pouco. Mas são justamente esses momentos finais que reservam as cenas mais tocantes do filme. E por mais que Ozu seja contido nos sentimentos, esses momentos de reconciliação são capazes de nos deixar com os olhos marejados.

Vale destacar também a beleza da narrativa do filme, que poderia ser falado, mas naquela época a indústria cinematográfica japonesa rejeitou o quanto pôde os filmes falados. Mas por isso mesmo havia um domínio narrativo de dar gosto no trabalho dos melhores cineastas. E com um diferencial de destaque no cinema de Ozu: o uso da câmera na altura do umbigo. Não se trata aqui do ponto de vista das crianças, como nos desenhos de Charlie Brown, já que mesmo quando as crianças estão numa posição mais alta, a câmera os mostra de baixo pra cima. Enfim, é um detalhe importante que, para Cousins, é comparável ao Estudo de Proporções, de Leonardo Da Vinci. Provavelmente escreva mais sobre essa característica do cinema de Ozu na apreciação de demais filmes do mestre.

CAPITÃO PHILLIPS (Captain Phillips)

Paul Greengrass volta ao caráter urgente de seu estilo de câmera nervosa e muitas vezes tremida que se tornou famoso do grande público nos dois filmes que ele fez para a franquia Bourne: A SUPREMACIA BOURNE (2004) e O ULTIMATO BOURNE (2007). Porém, o que de melhor ele fez ainda foi o angustiante VOO UNITED 93 (2006), que é o filme que mais se assemelha a este CAPITÃO PHILLIPS (2013), que também parte de uma história real e extremamente tensa.

No começo dá até para se sentir incomodado com a câmera tremida. Como se o diretor tivesse entregado a câmera para alguém com Mal de Parkinson. Depois, ao mesmo tempo em que a gente se acostuma, esses efeitos nocivos à visão só são usados em situações verdadeiramente tensas da narrativa, quando já estamos devidamente envolvidos com o drama de Richard Phillips, comandante de um navio que tem seu cargueiro sequestrado por piratas somalis.

O filme não perde muito tempo apresentando seus personagens. Já mostra Richard Phillips, vivido por Tom Hanks, se preparando para mais um serviço. Dessa vez ele teria que passar por zonas já conhecidas por ataques de piratas, próximas da costa africana. São apresentados também os somalis que irão atacar o cargueiro americano.

Curiosamente, na sequência em que eles são mostrados, a fotografia adquire outras tonalidades, tendendo para o amarelo, com uma luz estourada. Algo que já está virando até clichê em algumas produções que querem diferenciar lugares quentes e pobres de lugares ricos. Foi assim, por exemplo, em TRAFFIC, de Steven Soderbergh.

A aparência dos piratas também pode até ser tida como um tanto racista, separando-os da limpeza e civilidade do personagem de Phillips e sua tripulação. Porém, deve ter havido pesquisa para buscar personagens que se assemelhassem aos verdadeiros piratas. Além do mais, o ator que faz Muse, o chefe dos piratas somalis, vivido pelo estreante Barkhad Abdi, personifica muito bem o aspecto ao mesmo tempo agressivo e ingênuo do vilão, que pretende encontrar milhões de dólares para ele e seus companheiros naquele cargueiro. Aliás, fica claro também que chamá-lo de "vilão" seria bastante simplificador.

Há um momento, inclusive, em que Greengrass parece fazer uma leve crítica aos Estados Unidos e aos países mais ricos, quando Muse questiona o fato de Phillips e sua tripulação estarem levando suprimentos para países carentes da África. Como se ele visse esses atos como uma esmola dada por aqueles que poderiam ajudar mais ou de outra maneira.

No entanto, por mais que o filme tenha essas conotações políticas fortes, como já é característico do cinema de Greengrass, o que é mais enfatizado mesmo é a tensão da situação complicada do Comandante Phillips ao se ver cada vez mais perto da morte, junto àqueles homens que se encontram acuados, especialmente quando a Marinha dos Estados Unidos entra em cena, a fim de salvar o comandante e não pensar duas vezes se precisar matar os piratas.

No final, quando toda essa tensão termina, é possível até mesmo chorar junto com Phillips, diante de situação tão desesperadora. E nisso entra a ótima interpretação de Tom Hanks, que pode mais uma vez ser indicado ao Oscar. Aguardemos o anúncio dos indicados ao prêmio da Academia para conferir essa possibilidade.

TRÊS CINEBIOGRAFIAS

Quem viu SOMOS TÃO JOVENS e reclamou precisa ver o que anda sendo feito de cinebiografia por aí afora. E cinema feito em países de grande tradição no gênero. É até possível listarmos bons ou até ótimos títulos, mas é frequente encontrarmos filmes fracos, que tropeçam até mesmo como mera narrativa da vida do objeto de estudo, mesmo quando focam apenas em determinado momento. Vejamos os casos destes três títulos.

JOBS (jOBS)

Quando o filme começa, mostrando um já maduro Steve Jobs segurando um iPod e dizendo o quanto aquilo ali é revolucionário, já dá pra perceber que vem muita presepada pela frente. Em seguida, JOBS (2013) volta aos tempos de estudante do biografado, quando ele ficou fascinado quando um amigo lhe mostrou pela primeira vez uma placa-mãe de um computador da década de 70. Não deixa de ser curioso ver a evolução do personagem e da própria informática ao longo do filme, bem como o modo como Steve Jobs se fecha como um gênio e acaba perdendo os amigos. Mas apesar de mostrar esse lado um tanto sombrio do personagem, o filme é bem chapa branca e não tem como não imaginá-lo como sendo uma grande propaganda da Apple. Bem mais do que OS ESTAGIÁRIOS é propaganda do Google. Quanto a Ashton Kutcher, não foi dessa vez que um personagem dramático lhe trouxe prestígio da crítica e do público mais exigente.

DIANA 

Diferente de JOBS, que procurou abarcar um período bem longo da vida do cientista, DIANA (2013) acompanha a vida da Princesa Diana em um momento em que ela já havia declarado sua separação com o Príncipe Charles, mostrando a sua dificuldade em ter uma vida privada, longe dos benditos paparazzi. As coisas se complicam ainda mais quando ela se apaixona por um cirurgião, vivido no filme por Naveen Andrews, o eterno Said, de LOST. Naomi Watts até está bem no papel da princesa do povo, mas o filme não ajuda e em nenhum momento sentimos um pouco da paixão entre os dois personagens, por mais que haja diversas situações que contribuam para isso. O diretor Oliver Hirschbiegel, de A QUEDA! AS ÚLTIMAS HORAS DE HITLER (2004), parece que vai ficar famoso mesmo pelo trecho de Hitler que até hoje é usado em diversas paródias. De DIANA, salva-se a reconstituição de época. Mas isso já é uma obrigação de quem faz filme com um orçamento considerável.

HANNAH ARENDT

Eis um caso típico de filme endereçado a públicos bem específicos. No caso, o público conhecedor do trabalho da filósofa política que experimentou o campo de concentração por ser uma judia, mas também foi bastante criticada pelos próprios judeus por questionar o grau de vilania de um nazista que estava na posição de réu no famoso julgamento de Nuremberg, ocorrido em Jerusalém. HANNAH ARENDT (2012) foca apenas este episódio da vida da personagem e em muitas ocasiões é uma obra um tanto aborrecida, sem muito vigor cinematográfico. O maior vigor do filme está nas palavras sábias de Hannah e nas sequências que mostram o julgamento, com imagens reais do acusado. Deu até vontade de ver JULGAMENTO EM NUREMBERG, de Stanley Kramer. Fica faltando organizar o meu tempo e as prioridades. Quanto ao filme de Margarethe von Trotta, diretora de ROSA LUXEMBURGO (1986), tem os seus momentos, destaque para a ótima interpretação de Barbara Sukowa, lembrada no passado pelo seu papel em LOLA, de Rainer Werner Fassbinder.

RINCÓN DE DARWIN

Penúltima das produções vistas no Cine Ceará que ainda estou devendo algumas palavras aqui no blog, o uruguaio RINCÓN DE DARWIN (2013), de Diego Fernández Pujol, é um desses filmes bem saborosos de se assistir, especialmente enquanto road movie. O início, quando são apresentados os três protagonistas que seguirão viagem juntos em uma caminhonete, é até um tanto descartável, mas é só os três pegarem estrada e o filme mostrar o seu trajeto e suas diferenças de personalidade que o enredo ou mesmo o destino acabam deixando de ser verdadeiramente importantes.

Durante a coletiva de imprensa do filme, estavam presentes o diretor e um dos atores, Carlos Frasca, que interpreta o personagem mais velho, Américo. Foi questionado se existe mesmo uma característica no cinema uruguaio que é o que chamaram de "minimalismo melancólico". O diretor não chegou a negar que haja mesmo esse ponto em comum entre os filmes uruguaios, dizendo que eles não são brasileiros, que não são eufóricos, mas que há, sim, uma diversidade de produções no país.

Em RINCÓN DE DARWIN, dos três protagonistas, Gastón é o mais jovem. É bastante conectado com as novas tecnologias, como o uso dos smartphones. O problema é que acaba a bateria e isso já serve para que o mais velho, Américo, condene esses novos bens de consumo, preferindo aquilo que é de seu tempo. O terceiro, Beto, é mais maduro que Gastón, e tem uma vida desligada de tudo. De família, de amigos, de uma atividade profissional fixa. Representa quase um velho hippie, inclusive no uso da maconha.

O título do filme se refere a uma região do Uruguai que foi visitada por Charles Darwin, quando o naturalista passou pela América do Sul, e é o caminho que será um dos pontos finais da viagem, que se prolonga por uma série de motivos, como o fato de o carro quebrar e precisar de um mecânico, por exemplo. No meio de tudo, há desavenças entre os três, conversas sobre as mulheres de suas vidas, e há também reconciliações depois de discussões. É um filme bem simples e bonito, que talvez seja esquecido com o tempo, mas enquanto dura é um agradável alimento para o espírito.

UMA NOITE DE CRIME (The Purge)

Procurando pelo histórico do diretor James DeMonaco no IMDB não deixa de ser uma surpresa e ao mesmo tempo algo lógico o fato de ele ter sido roteirista dos filmes A NEGOCIAÇÃO (1998) e ASSALTO À 13ª D.P. (2005), dois filmes que se caracterizam pela tensão, ainda que em perspectivas diferentes. Mas em ambos há sempre alguém do lado de fora forçando uma situação com alguém que está no interior.

Não chega a ser algo novo. Pode ser visto no terceiro ato de ONDE COMEÇA O INFERNO, de Howard Hawks, e repercutir em outros dois filmes do próprio Hawks e em trabalhos de John Carpenter, como a primeira versão de ASSALTO À 13ª D.P. ou mesmo FANTASMAS DE MARTE. Mas o filme que mais encontra paralelo com UMA NOITE DE CRIME (2013), de DeMonaco, é mesmo SOB O DOMÍNIO DO MEDO. Pensemos na versão de Sam Peckinpah, e não no remake fajuto e que passou batido até.

É possível ver UMA NOITE DE CRIME como uma espécie de variação de SOB O DOMÍNIO DO MEDO, mas que parte de uma premissa diferente e interessante: a de que, no futuro, o Governo dos Estados Unidos, a fim de conter os crimes cada vez mais alarmantes, resolve deixar uma noite em que todo e qualquer crime é permitido, das 7 da noite até as 7 da manhã. Assim, fica a critério da população sair às ruas para matar ou roubar ou ficar trancafiado em sua casa a fim de sobreviver àquela noite.

"Purge", no título original, significa "expurgo", "limpeza". Assim, o ato de matar aquela pessoa que você odeia e alimentou o ódio durante o ano inteiro é uma maneira de expurgar aquele sentimento. O curioso é que a noção de pecado ou de moral fica totalmente deixada pra trás, uma vez que a lei permite aquela abominação. Nos noticiários, a noite é tida como algo bem-sucedido e um bem para a sociedade, já que coisas como essa ficam restritas apenas àquela noite especificamente.

Na trama, James Sandin, o personagem de Ethan Hawke, é um pai de família que construiu um sistema de segurança tão bom que acabou sendo adquirido por toda a vizinhança. Lena Headey (a Cersei de GAME OF THRONES, cada vez mais presente em produções cinematográficas) é sua esposa. E na casa há dois filhos adolescentes. Um deles, o garoto, com seu cabelo comprido, tem uma aparência quase andrógina. Esse detalhe pode não ser gratuito, já que no final do filme podemos inferir que esse mundo cheio de ódio e guerra foi construído pelos homens, com as mulheres tentando trazer a paz, não aceitando a crueldade e a frieza imposta pelas leis. Isso pode soar um tanto simplista e até sexista, mas é algo a se pensar.

Falando no garoto adolescente, é dele a resolução de colocar para dentro de casa um rapaz sem teto que está sendo perseguido por um grupo de "expurgadores". Assim, é a partir desse sentimento de solidariedade perante a vida do outro que a trama de UMA NOITE DE CRIME toma forma. Pena que o filme deixe um pouco a desejar na construção de uma atmosfera de suspense. A turma de jovens que fica do lado de fora da casa exigindo a devolução do rapaz negro não é tão ameaçadora assim.

Provavelmente isso se deve à pouca capacidade do diretor em saber construir esse tipo de tensão, mesmo com algumas surpresas que acontecem com o desenrolar da trama. É só pensar em SOB O DOMÍNIO DO MEDO, do Peckinpah, e das duas versões de ASSALTO À 13ª D.P. para ver que muito melhor já foi feito para deixar o espectador com os nervos à flor da pele. O que DeMonaco fez foi pouco nesse sentido. O que há de interessante é justamente a discussão sobre moral que o filme traz.

DEPOIS DE MAIO (Après Mai)

Cineasta da globalização, do rock, da inquietude, Olivier Assayas retorna ao tema da juventude de sua época, iniciado em ÁGUA FRIA (1994). Inclusive, em DEPOIS DE MAIO (2012), Assayas apresenta sequências bem semelhantes às mostradas em seu filme-irmão, como as cenas de destruição juvenil em uma festa. Os jovens do novo filme são os continuadores daqueles que fizeram História em maio de 1968, em Paris, e estão antenados com o que está acontecendo no mundo, como pode se inferir com a cena em que Gilles, o protagonista, vivido por Clément Métayer, compra vários jornais em uma banca.

Gilles é pintor, apreciador de um bom rock (no filme ouvimos Soft Machine, Syd Barret, Nick Drake, entre outros), sabe criticar até mesmo escritores de prestígio e acaba por enveredar pela indústria do cinema, o que faz com que o tenhamos como um alter-ego de Assayas. Como ele, os outros jovens apresentados em DEPOIS DE MAIO não são muito diferentes de tantos outros com ideias anarquistas e/ou revolucionárias daquela época em que se debatiam alternativas para o sistema político vigente.

Providencial o filme estrear em um momento em que o Brasil e boa parte do mundo estão vivendo tensões políticas e sociais que contrariam a ideia de que vivemos o fim das utopias. Na verdade, elas renascem em diferentes gerações, a partir de uma vontade de mudanças. DEPOIS DE MAIO, porém, não é só um filme sobre jovens fugindo da polícia, pichando muros, respirando gás lacrimogêneo e distribuindo jornais militantes. Assayas também traz à tona discussões sobre o embate entre política e arte.

Outro tema em destaque é a angústia dos jovens, que vivem momentos decisivos em suas vidas. Aqui, no caso, é oferecida a eles uma pluralidade de opções, de profissões,de lugares para ir, no mundo globalizado do diretor. "Viver o presente ou se preparar para o futuro?" é uma pergunta que surge em uma conversa entre Gilles e um de seus interesses amorosos, Laure (Carole Combs).

Falando em personagens, curioso notar que alguns membros da turma de Gilles não despertam o mesmo interesse do espectador, como é o caso do amigo pintor e sua namorada, estudante de danças orientais. Mas esse é um problema natural em um filme que escolhe não se prender apenas a uma única história. Nesse sentido, Christine, a personagem de Lola Créton, é uma das mais interessantes.

DEPOIS DE MAIO oferece uma excitação, muitas vezes associada à trilha sonora rock e a seus agregados, como o sexo e as drogas, mas sem nunca deixar de ser um filme que provoca reflexões sobre a vida, a arte, a política, o amor e as escolhas.

THOR – O MUNDO SOMBRIO (Thor – The Dark World)

Tempos atrás se sonhava com várias adaptações de aventuras dos heróis Marvel para o cinema e eis que finalmente o sonho se torna realidade. E em um universo único, com heróis participando em outros filmes, que por sua vez seguem uma cronologia. Mais ou menos como nos quadrinhos. Até um filme dos Vingadores foi realizado, veja só. A criação dos Estúdios Marvel se tornou uma realidade e fatura milhões para seus produtores e para a Disney, que comprou os direitos da "Casa de Ideias" para o cinema alguns anos atrás.

Porém, nem tudo é um mar de rosas. Apesar de ainda serem aguardados por muitos e de estarem faturando alto nas bilheterias (HOMEM DE FERRO 3 ainda é o campeão de 2013), esses filmes acabam deixando uma sensação ruim no ar, por não saírem da mediocridade. Principalmente os produzidos pelos estúdios Marvel. Os personagens que ainda estão sob a mão da Fox (X-Men) ou da Sony (Homem-Aranha) até que têm conseguido trazer melhores resultados.

Quer dizer, há uma boa vontade, mas não há um capricho artístico na construção de roteiros e os diretores contratados acabam ficando numa espécie de camisa de força, sem poder deixar rastros de sua autoria, ainda que seja possível verificar um pouco disso no esquizofrênico HOMEM DE FERRO 3.

Para não dizer que eles não se importam com quem dirige os filmes, para o primeiro THOR (2011), pensaram em Kenneth Branagh, cineasta cujas glórias estão já no passado, quando dirigia ótimas adaptações de Shakespeare, como HENRIQUE V e HAMLET. Seguindo mais ou menos o mesmo raciocínio, para o segundo filme, THOR – O MUNDO SOMBRIO (2013), foi escalado um diretor de televisão, Alan Taylor, mais conhecido por sua frequência na ótima série GAME OF THRONES. Porém, a única coisa no segundo filme solo de Thor que lembra a ousada série da HBO é a cena de um funeral viking. E só.

Tudo o mais é apenas uma história boba e cansativa envolvendo um velho inimigo dos tempos do pai de Odin (Anthony Hopkins) como o vilão da vez. Trata-se de Malekith, conhecido de quem acompanhou a fase do Thor nos quadrinhos quando os roteiros eram escritos por Walt Simonson. Se o vilão é interessante nos quadrinhos, no cinema se torna mais um desses malvadões genéricos e chatos, sem a graça do ardiloso Loki (Tom Hiddleston), que aqui retorna como prisioneiro, depois do que ele fez em OS VINGADORES – THE AVENGERS (2012). Logo em seguida, porém, o meio-irmão de Thor é recrutado para enfrentar Malekith pelo próprio deus do trovão.

No mais, as sequências de luta são enfadonhas, o papel de Natalie Portman é extremamente bobo e o romance de sua personagem com Thor é quase nulo em química ou qualquer coisa parecida. Um total desperdício de uma atriz tão bonita e talentosa. E nem dá pra botar a culpa no ator que faz o Thor, Chris Hemsworth, que já provou seu talento em RUSH – NO LIMITE DA EMOÇÃO, de Ron Howard.

Outro problema do filme está na trama, que parece ter sido feita de qualquer jeito, sem nada que faça o espectador ficar minimamente intrigado. Como se houvesse uma necessidade de fazer um novo filme com o herói, mas sem saber direito o que fazer com ele. A não ser estabelecer uma ligação com o filme dos Vingadores e o que virá a seguir.

Sendo esperançoso, é possível imaginar um trabalho bem melhor no próximo ano, com CAPITÃO AMÉRICA 2 – O SOLDADO INVERNAL, que contará com a direção de dois especialistas em séries cômicas no comando. Pode ser o filme que salvará a chamada "fase 2" da Marvel, que até o momento tem deixado a desejar, ainda que o dinheiro que esteja entrando no caixa diga justamente o contrário.

SERRA PELADA

E finalmente Heitor Dhalia mostrou que pode dirigir um grande filme. Depois de uma experiência não muito agradável nos Estados Unidos, com o thriller 12 HORAS (2012), ele retorna ao Brasil para realizar o seu ambicioso projeto dos sonhos: SERRA PELADA (2013), uma mistura de western com filme de gângster à brasileira, com direito a muita música quente feita especialmente no Pará no início dos anos 1980, dando um tempero especial à história de dois amigos que resolvem largar tudo em São Paulo e partir para o formigueiro que estava chamando a atenção de gente de todo o Brasil, situado no sul do Pará.

Os amigos são interpretados por Juliano Cazarré e Júlio Andrade, vivendo os personagens Juliano e Joaquim, respectivamente. Como o filme é também uma espécie de fábula sobre a ambição e a degradação do caráter, há que se parabenizar ambos os atores pela excelente composição. De Júlio Andrade já sabemos de seu talento, mas Juliano Cazarré surpreendeu como o sujeito cujo poder lhe sobe à cabeça, à ponto de seu personagem ser bastante parecido com o Tony Montana de SCARFACE, de Brian De Palma.

É o caso de filme em que tudo parece ter dado certo. O elenco de apoio também é sensacional, com Wagner Moura roubando a cena como uma espécie de mafioso psicótico. A cena do bar, em que ele é mandado embora, é antológica, remetendo ao personagem de Joe Pesci em OS BONS COMPANHEIROS, de Martin Scorsese. Matheus Nachtergaele, também está muito bom, mas seu papel é bem pequeno. E Sophie Charlotte como a prostituta que ganha o coração de Juliano está linda e compõe a personagem muito bem. Deveria fazer cinema mais vezes. Foi a sua estreia na telona, depois de ter feito algumas telenovelas. Aliás, impressionante como ainda tem lindas e talentosas atrizes que ficam relegadas a novelas e muitas vezes perdemos a chance de conhecê-las ou de vê-las desempenhando um papel mais intenso.

Destaque também para a excelente fotografia do filme, em tons marrons, como a terra que suja os garimpeiros. Há uma sujeira que lembra alguns dos melhores westerns (americanos ou italianos). A sujeira também está nas ruas, especialmente na cidade onde os garimpeiros passam as noites, cheias de inferninhos e bordéis. Sem falar nos frequentes tiroteios, resultados de brigas e bebedeira. A trilha sonora ajuda a nos colocar naquele ambiente inóspito, mas perfeitamente agradável de ver do lado de cá da tela, ao longo da narrativa, tão bem amarrada.

No fim das contas, a experiência de Dhalia em Hollywood, com um cinema mais convencional, talvez o tenha ajudado a fazer um filme menos indie e mais clássico-narrativo. Em se tratando de sua filmografia, é, muito provavelmente, o seu grande acerto.

KICK-ASS 2

Uma coisa que tem cansado ultimamente em se tratando de filmes de super-heróis é a "disneyficação", no caso dos filmes da Marvel, e a "nolificação", com os filmes da DC. Não sei o que seria o mais nocivo. Daí o alívio e o prazer ao ver um filme de heróis mascarados (ainda que seja uma comédia e eles não possuam nenhum superpoder) que ainda tem a coragem de juntar a violência gráfica e até um pouco de escatologia no pacote. Aí é um ver pessoas levando a mão à boca sem acreditar no que está vendo durante a sessão. O que é muito bom. Afinal, precisamos mesmo de coisas que nos surpreendam, que arrisquem. Por isso, vejo KICK-ASS 2 (2013), agora com Matthew Vaughn apenas como produtor, como uma das melhores surpresas da temporada.

Mas nada disso funcionaria se o novo diretor, Jeff Wadlow, do horror CRY-WOLF – O JOGO DA MENTIRA (2005), que também assume o roteiro adaptado dos quadrinhos, não fosse tão cuidadoso com seus personagens, que ganham mais profundidade nesta sequência. Aaron Taylor-Johnson, que faz o Dave/Kick-Ass continua ótimo, mas o que garante realmente o sucesso do filme é a presença de Chloë Grace Moretz, novamente no papel de Mindy/Hit-Girl. E como Chloë cresceu. De uma criança no primeiro filme, agora é uma bela adolescente que cada vez mais tem conquistado ótimos papéis nas telas, assim como os corações de muitos espectadores.

Hit-Girl, depois da morte do pai no primeiro filme, passa a morar com o amigo policial, que cuida dela como um pai e faz com que ela prometa abandonar a vigilância. Obediente, ela acaba sofrendo muito sem poder fazer aquilo de que mais gosta. Mas é nesse momento que o filme aproveita para apresentar a evolução física da personagem, que agora lida com seus primeiros impulsos hormonais, com a chegada da libido.

Enquanto isso, Kick-Ass, solitário, resolve se juntar a um grupo de vigilantes mascarados liderados por um sujeito de extrema direita vivido por Jim Carrey. Em um papel pequeno, mas talvez até mais brilhante do que o de Nicolas Cage no primeiro filme.

Ah, e como esquecer o vilão, que responde por alguns dos momentos mais deliciosamente divertidos do filme? Red Mist (Christopher Mintz-Plasse) agora é o Motherfucker! E a cada vez que ele grita o seu novo nome o cinema vem abaixo.

Com tudo isso, KICK-ASS 2 é provavelmente o filme mais subestimado da temporada. Rejeitado até pelos poucos fãs do primeiro filme, já que não rendeu tão bem assim. De todo modo, do jeito que ficou, Mark Millar e John Romita Jr. devem ter ficado orgulhosos.

CLASSIC ALBUMS – LOU REED: TRANSFORMER

O meu primeiro contato com Lou Reed foi lá pelos idos de 1991, quando um amigo me apresentou ao álbum New York (1989). Na época não sabia direito se tinha gostado ou não, mas era um momento da minha vida de apresentação de novidades musicais, seja daquela década, seja de décadas anteriores. O mesmo amigo trouxe anos depois o vinil de Magic and Loss (1992). Esse sim me tocou profundamente e até hoje está entre os meus discos favoritos e tenho guardado comigo. Fiquei fascinado com as várias perspectivas que Reed tratou a morte, tema desse disco fúnebre, de perda de amigos.

Nesse meio tempo, costumava comprar de vez em quando os discos indicados pela revista Bizz, entre eles The Velvet Underground and Nico (1967), o primeiro da seminal banda e que até hoje nunca deixou de tocar aqui em casa. É um dos discos que eu cada vez gosto mais. Em 1994, agora na faculdade, outro amigo me apresentou a um clássico de Reed: Berlin (1973), que é outro disco que eu não sei se gostei. Pelo menos, não assim de cara. Hoje é dos favoritos da casa, embora ainda prefira Transformer (1972), o anterior e objeto de análise deste documentário da série Classic Albums. Aliás, eu tenho dois discos dessa série: um do Nirvana; outro dos Sex Pistols, mas foi preciso Lou Reed morrer para que eu visse um vídeo dessa série.

CLASSIC ALBUMS – LOU REED: TRANSFORMER (2001) é uma delícia e creio que deve funcionar até para quem não conhece o trabalho do músico. Mostra tanto detalhes de mixagens e dos acordes, como os deliciosos baixos melódicos que introduzem "Walk on the Wild Side", ou a participação nos vocais de David Bowie (um dos produtores do disco) em "Satellite of Love". Mostra também um pouco dos bastidores das canções, como as homenagens a Andy Warhol e ao grupo de transformistas em Nova York.

Gravado em Londres, Transformer é o disco com mais hits de Reed. Além dessas duas, ainda tem "Perfect Day", "Vicious", e se encerra com uma banda de metais na melancólica "Goodnight Ladies". Aliás, a canção nem é tão melancólica assim, mas ouvi-lo dizendo adeus, na atual circunstância, nessa canção com jeitão de fim de festa é muito triste.

Ontem, domingo, dia de sua partida, foi um dia pesaroso para o rock. Creio que a gente se apega a artistas como ele por vê-lo desnudado em canções de amor tão lindas como "Pale Blue Eyes", a já citada "Perfect Day", "Oh! Sweet Nuthin’", entre outras. E também um sujeito sensível aos drogados, travestis e outras figuras marginais mostrados sem qualquer julgamento.

Ouvir "Waiting for the Man" e não se sentir nos sapatos do dependente químico é ser um pouco insensível. Ouvir a devastadora e última estrofe de "Pale Blue Eyes" e não se emocionar, também. E tudo isso cantado com sutileza vocal. Até porque, cada vez mais, Lou Reed foi perdendo sua capacidade de cantar com diferentes timbres de voz. Mas teve a sorte e o talento de saber criar grandes melodias e grandes poemas cantados (ou falados) e saber adequá-los aos seus álbuns.

SALVO – UMA HISTÓRIA DE AMOR E MÁFIA (Salvo)

Mais um exercício de estilo do que um acerto, SALVO – UMA HISTÓRIA DE AMOR E MORTE (2013), o filme de estreia da dupla Fabio Grassadonia e Antonio Piazza tem os seus méritos, mas me deixou um tanto aborrecido. O filme teve como ponto de partida o curta RITA (2009), que mostra uma menina cega que lida com um mafioso que invadiu sua casa e matou um familiar. A história de SALVO é bem parecida, mas Rita agora está bem crescidinha e é responsável por alguns dos melhores momentos do filme.

O início é bem instigante: vemos apenas os olhos de Salvo, o protagonista, que, ao serem vistos em scope, lembram as primeiras experiências de Sergio Leone. Aliás, há muito do western leoniano neste filme, inclusive pela preferência dos silêncios às falas. Até porque quando há falas o filme cai um pouco. O roteiro não é dos melhores nesse sentido e isso fica explícito no momento em que os chefes de Salvo dão-lhe um ultimato. Nota-se a fragilidade do roteiro.

Por isso SALVO está bem longe de ser um filme de roteiro. Há uma preocupação bem maior com a direção, com a estilização dos planos, com o excelente uso do som, com o olhar ou a falta do olhar, já que, assim como a moça cega, muitas vezes sabemos o que está acontecendo apenas pelo som, já que muita coisa não é mostrada, fica fora do campo. E esse jogo do olhar, dos olhos de Salvo e de Rita, dos seus olhares, é bastante aproveitado durante a primeira parte do filme.

Logo depois, Grassadonia e Piazza parecem perder um pouco a mão, já que os momentos que mostram o protagonista na pensão em que mora são bem pouco interessantes, por mais que sejam importantes no sentido de querer mostrar uma máfia pra lá de desglamorizada. Ao contrário, todos parecem muito pobres e decadentes.

Pode até ser representativo deste atual momento do cinema italiano, tão carente daquela grandiosidade de suas produções sessentistas. Os poucos cineastas jovens que têm surgido não têm metade da graça daqueles grandes que fizeram a cinematografia italiana uma das melhores do mundo, décadas atrás. Mesmo assim, SALVO é um caso de estreia que mostra o potencial desses jovens realizadores, que podem vir a fazer mais e melhores filmes. E por isso mesmo merecem atenção especial.

O CONSELHEIRO DO CRIME (The Counselor)

Se um grande filme pode ser descrito como sendo a junção de grandes cenas/sequências, temos, sem dúvida, um grande filme em O CONSELHEIRO DO CRIME (2013), o mais recente e um dos mais inspirados trabalhos de Ridley Scott. A ajudinha de Cormac McCarthy, autor do romance que deu origem à obra-prima ONDE OS FRACOS NÃO TÊM VEZ (2007), dos irmãos Coen, foi inestimável. Sua tendência a criar histórias cheias de desesperança combinou perfeitamente com a direção segura de Scott, que costuma fazer filmes com pouco ou quase nenhum alívio cômico. No caso de O CONSELHEIRO DO CRIME, há um alívio cômico: a antológica cena de Cameron Diaz e o carro.

Curiosamente o título ONDE OS FRACOS NÃO TÊM VEZ se aplicaria perfeitamente a este filme de Scott. Muito mais do que O CONSELHEIRO DO CRIME, já que o "counselor" do título original talvez fosse melhor traduzido como "advogado". Essa é a profissão do personagem de Michael Fassbender, que curiosamente não tem um nome no filme, é sempre chamado de "counselor", traduzido como "doutor" nas legendas. Na verdade, ele está até longe de ser um conselheiro, principalmente em seu primeiro investimento com tráfico de drogas. Seria uma maneira de ele manter o padrão de vida e dar o melhor para sua amada, vivida por Penélope Cruz. Em certo momento do filme, ele diz que viver é estar na cama com ela, tudo o mais é apenas espera.

Por mais que Scott seja pouco afeito a excesso de sentimentalidades em seus filmes, o amor que o advogado sente por ela é perfeitamente crível e tocante. A começar pela primeira cena do filme: um momento de intimidade entre o casal que poucos filmes americanos costumam apresentar. E essa apresentação da intimidade dos dois, que é tão boa de se ver, é só o começo de um filme que vai mudando de cenário a todo instante e criando uma intrincada teia de intrigas envolvendo o advogado, o traficante vivido por Javier Bardem, sua companheira pouco confiável vivida por Cameron Diaz, o verdadeiro conselheiro vivido por Brad Pitt, entre outros personagens secundários mas também bem importantes.

Aliás, tudo no filme parece importante, cada detalhe. Até a única cena em que vemos Bruno Ganz, no papel de um vendedor de diamantes, é um primor. A conversa que ele trava com Fassbender sobre tipos de diamantes é hipnotizante, assim como várias outras, em especial as duas com Brad Pitt, que interpreta um personagem cheio de carisma, mas que traz para o protagonista uma sensação de desconforto crescente em relação àquilo que ele está prestes a fazer. O segundo encontro, então, quando o filme já chegou a um crescendo de angústia e desespero, é ainda mais perturbador. E ao mesmo tempo fascinante para nós, apreciadores de um texto de qualidade, uma direção segura e um elenco afiado.

Há dois momentos que se destacam pelo aspecto filosófico e existencial: a conversa de Fassbender com um advogado mexicano, que contou de um poeta que perdeu a amada; e a conversa final da personagem de Cameron Diaz, sobre a natureza dos caçadores e da caça, da beleza de tudo. Soa perverso diante de toda a violência que o filme mostra em sequências bem gráficas inclusive, mas ao mesmo tempo é belo do ponto de vista da narrativa. Como se o próprio McCarthy descrevesse o seu prazer em montar narrativas e personagens que eventualmente serão caça e caçador e a maneira elegante como tudo isso é descrito.

KICK-ASS – QUEBRANDO TUDO (Kick-Ass)

Muito provavelmente por não ter chegado aos cinemas de Fortaleza, até então não havia visto KICK-ASS – QUEBRANDO TUDO (2010), de Matthew Vaughn. Inclusive, a julgar pela classe com que o o diretor conseguiu sair da mesmice dos filmes de super-heróis Marvel com X-MEN – PRIMEIRA CLASSE (2011), já comecei a ver com bons olhos o seu trabalho. A partir da graphic novel de Mark Millar e John Romita Jr., Vaughn fez uma das mais interessantes histórias de heróis fantasiados dos últimos anos. Talvez por não serem super-heróis de verdade e haver uma liberdade maior para cenas de violência e uso de palavrões e ter um colorido todo especial, KICK-ASS tenha se tornado bastante querido por muitos. O motivo de eu ter visto o primeiro filme agora foi a estreia da continuação, que inclusive ainda nem vi.

Mas falemos do filme de Vaughn. Uma de suas vantagens é situar a ação em um suposto mundo real, em que não há pessoas fantasiadas de heróis para lutar contra bandidos, como nos quadrinhos. E é por causa disso que o protagonista, Dave Lizewski (Aaron Taylor-Johnson), fã de HQs, vive tão insatisfeito. Mesmo não tendo habilidades físicas para peitar bandidos armados ou não armados em becos escuros, ele resolve comprar uma roupa de herói na internet e vai à luta, escondendo de todos a sua identidade secreta.

Sua identidade secreta, aliás, é semelhante à de Peter Parker antes de se tornar o Homem-Aranha, isto é, ele é um sujeito praticamente invisível para as garotas, nível de popularidade zero, e ainda sofre bullying. Paralelamente, acompanhamos a história da garotinha que seria conhecida por Hit-Girl, vivida por uma ainda muito jovem Chloë Grace Moretz, que na época ainda não era muito conhecida e tinha apenas 13 anos. Agora, com papeis de destaque em filmes como DEIXE-ME ENTRAR (Matt Reeves), A INVENÇÃO DE HUGO CABRET (Scorsese), SOMBRAS DA NOITE (Burton) e prestes a estrear no Brasil com a nova versão de CARRIE, A ESTRANHA, até já se pode falar no sex appeal da garota.

Mas, naquela época, deve ter sido muito estranho ver uma garotinha tão jovem matando sem dó nem piedade os bandidos (ela foi treinada pelo pai, vivido por Nicolas Cage) e com um arsenal em casa. É ela quem salva a pele do desastrado Kick-Ass. A personagem fez tanto sucesso que, ao que parece, no segundo filme ela se destaca ainda mais.

Destaque também para o mini-vilão interpretado por Christopher Mintz-Plasse, o McLovin', de SUPERBAD – É HOJE, no papel de Red Mist. Filho de um mafioso cujos homens estão sendo mortos supostamente por Kick-Ass, o fenômeno da internet, e o grande defensor dos oprimidos da mídia, Red Mist sabe como entrar em contato com o novo herói fantasiado, para, então, colocá-lo em uma cilada.

Com um ritmo muito agradável, cores lindonas, personagens muito divertidos (muito boas as cenas de Dave com o seu objeto de desejo, uma garota que pensa que ele é gay), e a segurança na direção de Vaughn, é até natural imaginar que a continuação, a cargo de outro diretor, não estará à altura do original. Enquanto isso, há outro elogiado filme de Vaughn que permanece inédito para mim, STARDUST – O MISTÉRIO DA ESTRELA (2007). Qualquer dia eu compenso essa falha.

DEIXE A LUZ ACESA (Keep the Lights On)

A falta de mais filmes sobre relacionamentos homoafetivos dentro do circuito comercial não deixa de ser um fato curioso. A grande maioria desses filmes fica restrito ao gueto dos festivais que abordam esses temas. Aliás, tive oportunidade de ir a uma edição do For Rainbow uma vez e fiquei admirado com a qualidade dos filmes. No caso, eram apenas curtas-metragens. No circuito mainstream tem sido raro ver ultimamente um filme de grande visibilidade sobre o tema. Talvez o último caso tenha sido mesmo o de O SEGREDO DE BROKEBACK MOUNTAIN, de Ang Lee, cineasta que já havia feito um filme com essa temática em 1993, O BANQUETE DE CASAMENTO.

No final do ano passado, a conceituada revista francesa Cahiers du Cinéma selecionou entre seus dez melhores filmes do ano uma produção independente gay: DEIXE A LUZ ACESA (2012), de Ira Sachs. Trata-se de um filme de inspiração autobiográfica. O diretor passa para o seu filme um relacionamento de dez anos que teve com um rapaz viciado em drogas. O roteiro ficou a cargo de Sachs e do brasileiro Maurício Zacharias, o mesmo de MADAME SATÃ e O CÉU DE SUELY, ambos de Karim Aïnouz.

O resultado é irregular, mas Sachs dá a cara a tapa ao mostrar homossexuais preocupados com o vírus da AIDS, à procura de vários parceiros e com comportamento hedonista. Felizmente, essas sequências funcionam principalmente como uma espécie de prelúdio para a história de Erik (Thure Lindhardt), um documentarista alemão que conhece e se apaixona por Paul (Zachary Booth), um editor de livros. E é na aproximação da relação entre os dois, principalmente dentro de ambientes fechados, que o filme cresce emocionalmente e ganha características universais. Afinal, quem nunca amou mais do que a outra pessoa e acabou sofrendo por isso?

O filme também tem algo de diferente, ao trazer um tipo de dramaturgia mais seca, com pouca utilização de música, lembrando inclusive em alguns momentos o trabalho dos dinamarqueses do Dogma 95. Senti falta de uma maior participação do pequeno elenco feminino, especialmente da amiga de Erik que deseja desesperadamente ter um filho e pede para que ele seja o pai biológico. Mas provavelmente isso faria com que o filme perdesse um pouco o foco, que é justamente a história de amor de Erik e Paul.

Um detalhe interessante é que Erik, como documentarista, está trabalhando na vida e obra de um fotógrafo chamado Avery Willard, que ajudou a definir, através de seu trabalho, a iconografia gay de Nova York, mas que morreu praticamente desconhecido. Esse documentário que Erik trabalhava no filme foi feito simultaneamente ao longa de ficção de Sachs e se chama IN SEARCH OF AVERY WILLARD, em formato de curta-metragem. Assim, o que parece faltar de militância política gay em DEIXE A LUZ ACESA existe nas entrelinhas e nos bastidores.

OS MONKEES ESTÃO SOLTOS (Head)

O caso de Os MONKEES ESTÃO SOLTOS (1968) é bem representativo do período e da vontade de alguns realizadores e produtores da chamada Nova Hollywood. Derivado de uma série de TV de sucesso chamada THE MONKEES (1966-1968), o filme é uma mistura de OS REIS DO IÊIÊIÊ, de Richard Lester, com 8 e ½, de Federico Fellini. Mas com a desvantagem de que os Monkees não chegavam perto do carisma dos Beatles e Bob Rafelson era cineasta de primeira viagem querendo fazer cinema autoral em Hollywood, tentando imitar o que estava sendo feito na Europa.

Ele acreditava que o velho sistema de estúdios, com os produtores ditando as regras, era algo que deveria ser deixado para trás. Os diretores deveriam ser tratados como autores e totalmente donos de sua arte. Por isso, amigo que era de Bert Schneider, o produtor executivo do filme, teve total liberdade para fazer o seu extravagante filme. Que não tem uma história, por assim dizer, apenas os rapazes correndo e aparecendo em lugares estranhos, como num sonho.

A crítica à Guerra do Vietnã, tão importante na época, também aparece no filme, mas o que mais se destaca é o psicodelismo, com muitas cores, muitos efeitos, muitas luzes e a intenção de emular uma viagem de ácido. Fica a impressão de que ou o filme foi feito com total desleixo ou Bob Rafelson (e Jack Nicholson, um dos roteiristas) estavam mesmo muito doidões.

Assim, há diversas vinhetas, como os Monkees fazendo uma cena em um western, ou a sequência do deserto, ou a propaganda de remédio para caspa. A semelhança com Alice no País das Maravilhas surge quando eles mudam de tamanho, começam a ver coisas e não conseguem mais distinguir a realidade da ficção. Se bem que em particularmente nenhum momento o filme finca os pés na realidade. Do começo ao fim, OS MONKEES ESTÃO SOLTOS é uma viagem que está mais para uma bad trip do que para algo prazeroso, satisfatório.

No livro Como a Geração Sexo-Drogas-e-Rock’n’Roll Salvou Hollywood (EasyRiders, Raging Bulls), de Peter Biskind, conta-se que Rafelson, em certo momento do programa dos Monkees na televisão, estava insatisfeito. Chegou a odiar tudo o que os Monkees representavam. Daí o porquê de o seu primeiro projeto para o cinema parecer algo ao mesmo tempo muito pretensioso e um meio de matar a própria criação. Coisa que ele não conseguiu, pois os Monkees continuaram vivos e cultuados após o filme, tendo gravado discos até a década de 1990.

OS SUSPEITOS (Prisoners)

Quem quiser ter a sensação de ter a sua respiração e sua atenção em sintonia com a de outras pessoas ao mesmo tempo é só arriscar uma sessão de OS SUSPEITOS (2013), estreia do canadense Denis Villeneuve em Hollywood, que já havia mexido com os nervos dos espectadores em outro belo trabalho de suspense, INCÊNDIOS (2010).

Nos Estados Unidos, o diretor foi às raízes do American way of life, instalando-se em uma comum rua de subúrbio em pleno Dia de Ação de Graças para apresentar os aspectos mais sombrios daquela sociedade, não necessariamente pintando heróis e vilões, apesar de termos, no final, um culpado pelo desaparecimento das duas crianças que saem da casa sem a presença de seus irmãos mais velhos.

O grande elenco é formado por Hugh Jackman e Maria Bello, como o casal que leva os dois filhos para a celebração anual na casa dos amigos vividos por Terrence Howard e Viola Davis, que por sua vez também têm filhos na mesma faixa etária dos filhos do primeiro casal. O clima de harmonia se destaca também pelo fato de as duas famílias serem de etnias diferentes. Harmônico, pelo menos do ponto de vista americano, que raramente mostra grupos miscigenados.

Com o desaparecimento das duas meninas, que, naturalmente, deixa todos os familiares completamente abalados, entra em cena o detetive de polícia vivido por Jake Gyllenhaal, que com seus tiques nervosos tão particulares já é um dos personagens mais interessantes da carreira do jovem ator.

Assim, a trama segue em duas linhas: de um lado, o policial, um sujeito obcecado pelo seu objeto de investigação; do outro, o personagem de Jackman, que não se conforma quando a polícia solta, por falta de evidências, o primeiro suspeito, vivido por Paul Dano. Ambas as linhas que a narrativa segue são muito interessantes e o filme vai além do mero whodunit, também explorando os aspectos mais dramáticos e perturbadores de seus personagens.

O desenlace da narrativa também é bastante feliz e há pelo menos uma cena de deixar o espectador segurando os braços da poltrona no cinema. Trata-se da cena envolvendo o carro de polícia do detetive. Resta saber se as expectativas para o Oscar serão confirmadas, tanto para o elenco, quanto para o cineasta e o tantas vezes indicado diretor de fotografia Roger Deakins, que aqui faz uma exploração do cinza bastante condizente com o sentimento dos personagens. Uma pena que o título brasileiro tenha sido tão genérico, deixando de lado o aspecto múltiplo do original.