18 CURTAS VISTOS NO 14º NOIA – FESTIVAL BRASILEIRO DE CINEMA UNIVERSITÁRIO

Na semana passada, tive o prazer de fazer parte do júri da crítica do 14º NOIA – Festival Brasileiro de Cinema Universário, que, mantendo a tradição de alguns anos, continua sendo exibido na Casa Amarela Eusélio Oliveira. O espaço precisaria de melhores reparos, mas conseguiu ser ideal para o evento, tanto pela localização, que é um convite para os universitários das imediações do Campus do Benfica, quanto pela capacidade - lotou em todos os dias da Mostra Competitiva. Vamos aos filmes.

QUIM:ERA

Fazer animação no Brasil não é fácil, mesmo que a duração seja de apenas três minutos, como QUIM:ERA (2015), de Taíla Soliman. O simpático filme acompanha uma adorável velhinha que se vê abalada quando recebe uma informação que mexe com sua cabeça. O filme brinca com efeitos visuais bem criativos e tem um senso de humor muito próprio. Difícil não se divertir. Prêmio de melhor direção de arte.

TIRAREI AS MEDIDAS DO TEU CAIXÃO

O segundo filme da mostra foi o cearense TIRAREI AS MEDIDAS DO TEU CAIXÃO (2015), de Diego Camelo, que é, praticamente, uma homenagem, realmente, ao nosso querido Zé do Caixão. Gosto particularmente da primeira parte do filme, a que mostra o personagem quando criança, descobrindo o maior ícone do horror brasileiro em uma fita VHS de À MEIA-NOITE LEVAREI SUA ALMA. Dá uma caída quando pula para a idade adulta do personagem, mas ainda assim merece uma espiada. Principalmente por quem é fã do Mojica.

MURO

O mais provocador documentário do festival, MURO (2014), de Eliane Scardovelli, nos apresenta a uma comunidade pobre que se mantém firme entre dois condomínios de luxo. O filme brinca com a hipocrisia dos ricos e a diretora teve a interessante ideia de colocar crianças da comunidade pedindo ao síndico para tomarem banho na piscina do condomínio. A cena chega a ser hilária de tão desconfortável que é. Há também imagens aéreas que se destacam. Um belo trabalho.

ENCANTÁRIA

Dos documentários exibidos no festival, ENCANTÁRIA (2015), de Fernando Brasileiro, talvez seja o que mais parece amador em sua realização. Há momentos em que mal dá para entender o que os personagens falam. Umas legendas seriam bem-vindas nesse caso. Mas há também algo que incomoda um pouco, que é o andamento um tanto arrastado, fazendo com que pareça ter mais de 20 minutos de duração. O filme acompanha a vida de uma comunidade indígena que mora próximo da região metropolitana de Fortaleza, suas crenças, seus valores e o modo como eles veem o mundo exterior.

TEMPO

Primeiro filme com temática homoafetiva do festival, TEMPO (2014), de Clara Bastos e Renan Ramiro, tem em seu favor a utilização de efeitos visuais de congelamento de imagem, que contribuem para a ideia de que o amor entre os dois rapazes é tanto que o tempo para, como numa música do Roberto. Pena que a ideia e algumas cenas boas são apenas pontuais dentro de um todo pouco inspirado.

BIQUINI PARAÍSO

Melhor filme do primeiro dia de festival, BIQUÍNI PARAÍSO (2015), de Samuel Brasileiro, faz parte da produtora Praia à Noite, a mesma que tem trazido alguns ótimos trabalhos de Leonardo Mouramateus. Samuel Brasileiro, aliás, foi parceiro na direção de Mouramateus em alguns filmes e aqui ele aparece em filme solo em uma história que se passa em uma cidade litorânea do Ceará, durante o Carnaval. Inclusive, nunca tinha visto o carnaval cearense retratado como ele realmente é em filme algum, o que torna BIQUÍNI PARAÍSO uma obra no mínimo interessante. Há uma cena que eu considero mágica, que é quando um casal está na praia (à noite) e sentimos aquela sensação que só grandes filmes são capazes de trazer: um misto de sonho e realidade para dentro da tela. Prêmios de direção e fotografia.

NAVY

Eis o caso de filme que é muito bom de ser visto, apesar de percebermos suas falhas de maneira gritante. Tanto que não sabemos se se trata de uma comédia involuntária ou uma comédia de fato. NAVY (2015), de Delano Soares, conta as aventuras de uma jovem que sai de um bar no Benfica e é assaltada. No meio do caminho, encontra dois sujeitos e, apesar de tudo, começa a curtir a noite até o amanhecer. Há problemas nas interpretações, mas é tudo tão divertido que certamente foi um prazer para o público poder vê-lo. Até para ver alguns pontos bem conhecidos de Fortaleza.

O SILÊNCIO NÃO ESTÁ MORTO, QUERIDA VÓ HELENA

Em alguns momentos de O SILÊNCIO NÃO ESTÁ MORTO, QUERIDA VÓ HELENA (2015), de William Costa, sentimos a impressão de estar vendo algum programa de tele-ensino, por causa do tipo de interpretação adotado. Ainda assim, a personagem da Vó Helena (Iná de Carvalho) rouba a cena e tem pelo menos um momento bem especial, que é a conversa com o garoto skatista. Já as cenas com a neta se destacam pelo ar de afetividade. Prêmios de melhor atriz (Iná de Carvalho) e trilha sonora.

FIO-TERRA

O melhor filme do festival, FIO-TERRA (2015, foto), de Ian Capillé, é de uma simplicidade impressionante se pensarmos no quanto nos envolvemos com a história de amor à distância entre um rapaz e uma moça. E no quanto o desenvolvimento da narrativa nos leva para um momento de arrebatamento, o que é sensacional para um curta de menos de 20 minutos. Capillé conta a história, basicamente, utilizando imagens de smartphones, o principal meio de comunicação do casal. Fiquei muito feliz ao saber que todos do júri também caíram de amores pelo filme. Prêmios de melhor filme (júri oficial), melhor filme (júri da crítica) e roteiro.

VERDE CHORUME

Trabalho experimental admirável, VERDE CHORUME (2015), de Roberta Bonoldi, mostra apenas em sons e imagens a trajetória do lixo em uma grande cidade e no quanto isso pode ser assustador, com um crescente aumento na quantidade de lixo no mundo. Destaque, além da montagem, para a trilha sonora diversificada, que combina muito bem com o ritmo das imagens. O filme teve a ingrata tarefa de ser exibido depois de FIO-TERRA. Certamente em outro dia e sendo exibido antes seria melhor recebido. Prêmio de montagem.

QUANDO VOCÊ CRESCER

Com certeza QUANDO VOCÊ CRESCER (2015), de Paulo Matheus, foi o filme que mais arrancou gargalhadas do público no festival. E não foi involuntariamente. Embora seja uma comédia apenas mediana, funciona que é uma beleza com a entrada em cena de um personagem que é uma espécie de consciência do protagonista, um garoto que não gosta de estudar e sofre com a pressão dos pais e dos professores. É pensando no que ele poderia ser quando crescer que o filme cresce e fica mais engraçado. Não à toa ganhou o prêmio de melhor filme pelo júri popular.

TABA

O primeiro filme do dia seguinte foi também uma comédia. TABA (2015), de Júlio Pereira, Matheus Beltrão e Nuno Aymar, é um sarro. Um pseudodocumentário que emula o estilo de cinedocs dos anos 1950 sobre os efeitos e as características dos usuários da maconha. Humor inteligente e visto por um público que certamente é íntimo da erva natural. Um dos melhores filmes do festival.

MURIEL

Mais um exemplar do cinema cearense de ficção, MURIEL (2015), de Vanessa Cavalcante, é também um exemplo do quanto nós, cearenses, somos bons na comédia. O filme conta a história de um rapaz tímido cujo maior sonho é encontrar uma namorada. A narrativa começa com um de seus encontros frustrados e apresenta o seu jeito desajeitado de lidar com os relacionamentos. Mas o melhor estaria por vir, quando ele resolve participar de um programa de namoro na tevê. Prêmios de melhor ator para Jamenes Prata e de melhor intérprete coadjuvante para Tatiane Albuquerque. 

MADREPÉROLA

Documentário elegante e ativista sobre a questão do preconceito contra mulheres gordas em uma sociedade em que prevalece a ditadura da magreza, MADREPÉROLA (2014), de Deise Hauenstein, traz depoimentos de meia dúzia de belas moças com um cuidado muito especial com a montagem, os enquadramentos e outros aspectos técnicos que fazem do filme uma obra nada vulgar. E que foi recebido com muitos aplausos e comentários animados da audiência. Prêmios de figurino e maquiagem.

NUNCA FOMOS EMBORA

O problema de NUNCA FOMOS EMBORA (2014), de Samuel Carvalho, é talvez não saber cortar os excessos. São 25 minutos de conversa e muita repetição entre dois amigos de escola. Um deles esteve em outro país e agora que volta para Fortaleza está apaixonado pela cidade. Há um destaque à Fortaleza noturna que ajuda a compor um clima interessante, especialmente nos silêncios. Talvez com um conjunto de falas melhor ele funcionasse lindamente.

VLADO

O filme mais ambicioso do festival é um drama de época que conta em 20 minutos parte da história do jornalista Vladimir Herzog, que foi preso, torturado e morto pela ditadura militar nos anos 1970. VLADO (2014), de Felipe Mucci, tem jeito de produção estrangeira, algumas interpretações pouco convincentes, mas é melhor do que muita coisa que se faz na televisão profissional hoje em dia. Prêmio de edição de som.

MIÚDO

Segundo filme de temática homoafetiva do festival, MIÚDO (2014), de Maurício Ferreira, também acaba deixando um pouco a desejar. Ainda assim, há boas cenas de conversas do casal que ajudam a torná-lo interessante. Há também o uso de imagens paradas e voice-over no início que contam pontos positivos. Pena que o final não seja dos mais felizes.

DE TERÇA PRA QUARTA

Encerrando o festival, DE TERÇA PRA QUARTA (2015), de Victor Costa Lopes, é um belo exemplar de um cinema que se confunde com um documentário em sua narrativa ficcional, tal o grau de naturalidade com que os atores desempenham suas funções. É outro filme que explora a geografia fortalezense e também lida com sentimentos dos personagens. Na história, um rapaz vai pegar ônibus e conhece outro rapaz que está colando cartazes de uma peça teatral. Acaba se juntando a ele e ao seu grupo numa noite excitante. Mereceria melhor atenção na premiação, mas creio que disse a que veio e foi bem elogiado por muitos.

GAROTA SOMBRIA CAMINHA PELA NOITE (A Girl Walks Home Alone at Night)

Em que outra circunstância poderíamos ver um filme de terror falado em persa e com atores iranianos? Daí a singularidade de GAROTA SOMBRIA CAMINHA PELA NOITE (2014), que além de tudo ainda é dirigido por uma mulher, Ana Lily Armipour, e é fotografado em belíssimo preto e branco. Só isso já é suficiente para gerar uma curiosidade para ver o tal filme. Mesmo que na verdade ele tenha sido produzido, com baixo orçamento, nos Estados Unidos.

Mas o que importa é o espírito estrangeiro e estranho que impregna esta obra tão agradável de ver e também tão irregular em seu andamento narrativo, que peca em não saber a hora de cortar algumas gorduras, mas não quanto ao desenvolvimento final, que é bastante satisfatório, dentro de uma história que é muito simples.

Isso porque GAROTA SOMBRIA é um filme de mais forma e menos conteúdo. Interessa aqui menos a história do que a atmosfera e a beleza das imagens. E nesse sentido, trata-se de uma obra cheia de acertos. A moça que interpreta a vampira que ronda pela pequena cidade de Bad City é, além de atraente, muito boa no papel.

Na trama simples, acompanhamos alguns personagens que vivem uma vida um tanto desolada naquela cidade que contém um imenso buraco onde as pessoas despejam cadáveres humanos. É de lá que um dos personagens pega um gato e leva para sua casa. Nesta casa, vive com ele o seu pai, viciado em droga e sofrendo com uma abstinência gerada pela tentativa do filho em livrá-lo do vício.

O maior traficante da cidade é o sujeito que representa o que há de mais malvado no filme. Tanto é que ele faz falta quando deixa de aparecer na trama. A vampira, apesar de fazer suas vítimas, tem uma moral toda própria, dando preferência àqueles que merecem ter seu sangue sugado por ela. E o traficante canalha é um deles. Por isso a cena do encontro dos dois é um dos pontos altos do filme.

Vale destacar também a beleza na construção da personagem da vampira, que usa, por debaixo de roupas civis simples, uma camiseta listrada e calças esportivas, um véu que encobre o corpo e a coloca na posição de uma mulçumana tradicional. Interessante como esses trajes tradicionais são colocados como o traje que ela usa para atacar as vítimas. Como se a diretora quisesse mostrar a religião como algo maligno, ainda que necessário, dentro de uma sociedade doente. E há espaço para o amor também nesse mundo ruim, como veremos ao longo da narrativa. Eis mais um ponto positivo para esse filme único, cuja beleza vai além do mero gostar ou não gostar, do bom ou do ruim.

TOP GIRL OU A DEFORMAÇÃO PROFISSIONAL (Top Girl oder La Déformation Professionnelle)

Não deixa de ser curioso como o sexo vem sendo mostrado nos cinemas atualmente. Deixando de ser elemento de satisfação e libertação dos anos 1960-80, os novos filmes estão cada vez mais problematizando o sexo, mostrando-o como algo pouco ou nada excitante, além de questionar de maneira moralizante ou de um ponto de vista quase doentio a tara de certos personagens. A comparação ou citação de CINQUENTA TONS DE CINZA não é em vão, nesse caso, já que ele pode ser incluído facilmente nessa classificação.

Em TOP GIRL OU A DEFORMAÇÃO PROFISSIONAL (2014), de Tatjana Turanskyj, somos apresentados a Helena (Julia Hummer), uma garota de programa de 29 anos que já fez relativo sucesso como atriz de televisão quando adolescente. Agora, para manter a própria vida e a da filha de 11 anos, ela recorre ao submundo do sexo pago.

Seu maior cliente é um homem que até tem vontade de manter uma relação mais próxima com ela, mas Helena prefere manter distância. Nesse caso, há algo em comum com outro filme abordando esse universo, BRUNA SURFISTINHA, de Marcus Baldini, que é um trabalho bem mais palatável que este filme de Tatjana Turanskyj, o segundo de uma prometida trilogia sobre a mulher e o trabalho e o único a chegar em circuito comercial no Brasil.

A primeira cena de TOP GIRL é até bastante animadora: a imagem de quatro mulheres nuas correndo pela floresta. A cena bucólica também pode ser uma promessa de algo mais sombrio, levando em consideração o tom e o andamento do filme, que se mostra amargo como a protagonista. As cenas de sexo são poucas e relativamente discretas. Uma delas, porém, foi capaz de expulsar da sala duas senhoras. A tal cena mostra a protagonista com uma cinta com dildo acoplado prestes a penetrar um de seus clientes fiéis.

No mais, há muita cena que é um verdadeiro banho de água fria para quem espera algo mais excitante do filme, como os momentos da protagonista se exercitando ou conversando com a mãe, as cenas envolvendo as aulas de piano com a mãe, a conversa com as colegas de trabalho ou com os clientes, em um registro pouco envolvente, ainda que deixe espaço para reflexão.

Principalmente a sequência final, que retoma à promessa da cena inicial, apenas para apresentar os homens como criaturas doentias e sádicas. Seja entre o sadismo ou o masoquismo, Helena está disposta a entrar no jogo, ainda que isso a frustre ou cause dor física. Mas nada é mais incômodo do que o vazio espiritual que fica explícito em seu olhar.

007 CONTRA SPECTRE (Spectre)

Boa notícia para quem estava com saudade dos filmes de James Bond tradicionais: 007 CONTRA SPECTRE (2015) respeita e retorna ao velho estilo leve, aventuresco e cheio de clichês criados ao longo dos anos pela franquia. Mas é uma má notícia para quem considerava um grande acerto filmes tão sérios, dramáticos e trágicos como 007 – CASSINO ROYALE (2006) e 007 – OPERAÇÃO SKYFALL (2012), que traziam algo de novo para uma série que parecia destinada à repetição.

Assim, não deixa de ser frustrante este quarto filme com Daniel Craig como James Bond, um Bond mais humano, mais sofrido, mas também mais forte e intenso nas cenas de ação. Nesse aspecto, pelo menos, o novo filme mantém o diferencial e Craig continua muito bem, mas o roteiro é cheio de problemas. Ele ter que dizer que o nome dele é “Bond, James Bond” é uma repetição que, na boca do ator, fica parecendo uma incômoda obrigação contratual, já que a ideia dos novos tempos seria fugir do aspecto satírico da franquia.

No novo filme, ele continua exageradamente irresistível às mulheres. Dentro de poucos segundos, Monica Bellucci já está entregando o ouro pra ele para, logo em seguida, desaparecer da história. E só demora um pouquinho para que Léa Seydoux já esteja dizendo que o ama, sem que sintamos qualquer aprofundamento no envolvimento afetivo dos dois, que se desenrola muito rápido dentro de uma situação de busca de um mistério envolvendo o pai de sua personagem e uma organização terrorista.

Talvez com medo de descaracterizar o personagem antes de passar adiante, os produtores sentiram a necessidade de uma volta às origens, de trazer de volta a Spectre, que tanto sucesso fez nos filmes estrelados por Sean Connery e Roger Moore, assim como o retorno de um certo vilão clássico. Com a diferença que aqui o vilão aparece bem menos caricato, por mais que Christoph Waltz seja quase que um ator de um papel só. Se a gente pensar no mal que ele fez ao herói, deveríamos ter raiva do vilão, mas não é isso que ocorre. O que sentimos é mesmo indiferença.

A produção do novo filme começou bem com um prólogo na Cidade do México, com uma boa ambientação no Dia dos Mortos e uma situação divertida envolvendo um avião. Até daria para traçar um paralelo com o prólogo de MISSÃO: IMPOSSÍVEL – NAÇÃO SECRETA. E eis que entra em cena os tão esperados créditos de abertura, que trazem algo de brega dessa vez. Sem falar que a canção-tema, “Writing’s on the wall”, de Sam Smith, é bem pouco expressiva.

Um dos aspectos positivos de SPECTRE é esse se deixar perder do personagem, ao investigar algo relacionado ao seu passado e sem se preocupar muito em querer ser verossímil, apesar de tratar tudo com muita seriedade. Quando há um senso de humor no filme, ele é muito sutil, até pela essência desse novo Bond traumatizado pela morte de pessoas queridas.

Algumas cenas de ação se destacam, como uma perseguição de automóveis e principalmente a luta do herói com o brutamontes vivido por Dave Bautista. Somando com a cena do prólogo, podemos contar essas três como as mais empolgantes, por assim dizer. A cena envolvendo uma bomba-relógio seria mais associada a uma atmosfera de sonho, devido ao lugar e à situação. Se bem que fico agora me perguntando se isso se deve ao fato de eu ter visto o filme com um pouco de sono. É possível.

NARCOS – PRIMEIRA TEMPORADA (Narcos – Season One)

Por culpa de MR. ROBOT e sua excelência acabei interrompendo a apreciação de NARCOS (2015), a série sobre Pablo Escobar produzida pelo Netflix. Talvez tenha sido ruim ter visto assim a conta-gotas, mas uma coisa deu pra notar: é que da metade para o final a série vai melhorando consideravelmente. É como se os roteiristas percebessem que o ideal seria concentrar mais a história na luta dos colombianos contra Escobar do que das intervenções americanas. Isso, inclusive, dá um ar de muito mais legitimidade ao povo colombiano, que é visto com muito carinho, apesar de tanto sangue derramado e tanta corrupção.

Os próprios créditos de abertura, com a bela canção “Tuyo”, de Rodrigo Amarante, ao mesmo tempo em que mostra imagens de arquivo de Escobar e do conturbado cenário político mundial, mostra também as belezas naturais, como uma foto de uma linda concorrente a um concurso de beleza. Aliás, aproveitando a deixa do nome de Amarante no parágrafo, vale dizer o quanto o Brasil meteu o dedo nesta produção, e no quanto isso talvez não tenha agradado a alguns espectadores de países falantes do espanhol. Além de José Padilha, que é produtor executivo e dirige os dois primeiros episódios, a fotografia é de Lula Carvalho.

Mas o que incomodou mesmo muito gente foi a escolha de um ator brasileiro que nem sabia falar espanhol e que não conseguiu falar como os nativos, conforme dizem. Não sei o quanto isso incomoda do lado de lá da fronteira, mas do lado de cá e acredito também do lado dos americanos, o que vemos é uma performance monstruosa de Wagner Moura como Pablo Escobar. É, provavelmente, o papel da vida dele. E olha que ele é o cara que já foi o Capitão Nascimento.

Mas é que a gente esquece disso. O ator baiano está transformado fisicamente com os pesos a mais para viver o chefe do tráfico. Além do mais, à medida que vamos nos acostumando com aquele homem ali na tela, vamos acompanhando também a sua transformação cada vez maior em um ser capaz de exercitar qualquer ato, por pior que seja, para atingir os seus objetivos. Ora age de maneira extremamente inteligente, como quando tem a ideia de construir uma prisão-castelo de luxo só para ele e seus sicários, ora quando mata os seus inimigos sem pensar nas consequências.

O ator americano que interpreta o agente de polícia Steve Murphy, responsável por se infiltrar na polícia colombiana, Boyd Holbrook, não é suficientemente bom. Chega a ficar eclipsado por seu parceiro, o ótimo Javier Peña (Pedro Pascal), embora ganhe mais força perto do final, quando se deixa contaminar pela crueldade que ali impera e que mexe mesmo com quem tem a melhor das intenções. Ele é o narrador da série, que no começo lembra bastante OS BONS COMPANHEIROS, de Martin Scorsese, inclusive pela utilização da tela congelada aliada à violência.

Felizmente, a voz narrativa não funciona como uma muleta. Ao contrário, ajuda a tornar a série até mais agradável de acompanhar, além de servir também de ponte para o espectador americano, que não vai ter que ouvir só a língua espanhola o tempo inteiro, embora essa seja a língua predominante da série – outro acerto, aliás, para uma produção dos Estados Unidos.

Alguns personagens/atores são admiráveis, como é o caso de Maurice Compte, que interpreta o policial Horacio Carillo, que odeia Escobar com todas as suas forças, assim como Raúl Méndez, que interpreta o corajoso Presidente César Gaviria. É mais uma série de homens do que de mulheres, mesmo com os desempenhos de Paulina García, como a mãe de Escobar, e de Stephanie Sigman, como a repórter de televisão e amante do criminoso.

Por ser uma série do Netflix, que já ganhou a fama de não economizar na nudez e na violência gráfica, nada disso fica de fora dos episódios, o que contribui para o necessário ar de crueza da narrativa, ainda que uma crueza com beleza plástica. Mas nada disso adiantaria se não ficássemos envolvidos com os acontecimentos, especialmente quando a trama vai se encaminhando para o final, que na verdade nem é o final, já que a história continuará numa segunda temporada.

Mas a sensação de que estamos vendo um episódio melhor a cada vez que nos aproximamos do décimo é muito boa. Isso é muito importante para que nos interessemos pela próxima temporada. Nem consigo acreditar que ainda há muito a se contar de barbaridades e histórias incríveis cometidas por Escobar, que bota qualquer gângster de filme americano saído da ficção no bolso.

UM AMOR A CADA ESQUINA (She's Funny That Way)

De um dos nomes mais importantes da chamada Nova Hollywood, tendo iniciado com filmes como NA MIRA DA MORTE (1968) e A ÚLTIMA SESSÃO DE CINEMA (1971), Peter Bogdanovich foi se transformando num homem de televisão nos últimos anos. Depois de UM SONHO, DOIS AMORES (1993), o cineasta só chegou a fazer um filme para cinema, O MIADO DO GATO (2001), e desde então, só vemos produções para a televisão, de telefilmes a direção de episódios de séries, o que não quer dizer que isso seja uma decadência, levando em consideração a atual qualidade da TV americana, mas não deixa de passar uma impressão de afastamento pouco voluntário.

UM AMOR A CADA ESQUINA (2014) é o seu retorno aos cinemas. Pode até não ser um retorno glorioso, mas é muito difícil ver o filme e não dar umas boas gargalhadas ou ficar sorrindo com as situações, que parecem mesmo tiradas de comédias antigas, feitas nas décadas de 1930, por exemplo. O começo do filme ao som de jazz dessa época contribui com essa impressão. Embora se passe nos dias de hoje, o sabor de seu novo trabalho é de filme velho, embora muita gente o compare com o tipo de humor que Woody Allen faz, embora seja uma comparação válida.

A personagem central da trama é uma moça chamada Isabella, interpretada por Imogen Poots, que tem um tipo físico que parece agradar Bogdanovich, semelhante ao de Samantha Mathis, de UM SONHO DOIS AMORES, e Kirsten Dunst em O MIADO DO GATO, justamente os dois últimos filmes para cinema do diretor. Isabella é uma moça de família humilde que sonha em ser atriz de cinema, mas que, enquanto isso não é possível, vai ganhando a vida como garota de programa. Um dia ela topa com um diretor de teatro da Broadway (Owen Wilson), que lhe paga uma boa quantia em dinheiro para que ela largue aquela vida.

Como o jogo de coincidências é o combustível desta comédia, Isabella vai parar justamente numa audição para uma peça do tal diretor, para interpretar justamente uma prostituta. Ela encanta a todos da equipe. Até a esposa do diretor (Kathryn Hahn) a vê como a atriz perfeita para o papel. Aquela situação também seria ideal para que o ator principal da peça, vivido por Rhys Ifans, pudesse dar em cima da esposa do diretor.

Nessa ciranda de amores e confusões, muita coisa acontece, e há uma participação bem interessante de Jennifer Aniston como uma psicóloga meio maluca. Engraçado como a atriz tem se especializado nesse tipo de papel (lembra, por exemplo, a dentista de QUERO MATAR MEU CHEFE). Aniston não deixa de ser boa no que faz, mas o papel passa uma sensação de que já vimos isso antes. No mais, é um filme tão despretensioso que poderia ser facilmente esquecido se não tivesse a assinatura de Bogdanovich e um bom elenco.

AMY

Lembro que na virada dos anos 1990 para o novo século eu costumava dizer que jamais queria deixar de ficar antenado com a música que estava rolando pelo mundo. Os anos 90 foram deliciosos e intensos pra mim, mas eu não sabia que tinha algo chamado de envelhecimento ou falta de sintonia com uma nova geração que acabaria por fazer com que eu ficasse ou com pouco interesse por certos artistas novos ou começasse a questionar se a culpa era da falta de qualidade da nova música. Assim, no meio desse processo e em meio também a uma série de coisas chatas que ocorreram na década passada, eu comecei a me desinteressar por artistas daquela década, com exceção de alguns poucos, mas brasileiros.

Nesse ínterim, estava aflorando uma artista que hoje, para muitos, é considerada a maior do século atual, até o momento: a inglesa Amy Winehouse. Mesmo tendo lançado tão poucos discos. Sua trajetória até lembra um pouco a de Kurt Cobain, que surgiu como um meteoro, ou como uma bomba-relógio, com data iminente para explodir, devido, tanto à dificuldade de lidar com a fama quanto ao consumo desmedido de álcool e drogas aliado à saúde física e mental frágil. As más companhias também contribuíram bastante pra isso, principalmente o namorado de Amy, um sujeito que é pintado no documentário como um dos piores vilões já vistos.

AMY (2015), documentário dirigido pelo mesmo Asif Kapadia que dirigiu SENNA (2010), aborda de maneira ao mesmo tempo dura e delicada a trajetória dessa cantora sensacional, que se tornou mundialmente famosa quando estourou o álbum Back to Black (2006), o seu segundo, nascido da dor de ter sido abandonada pelo namorado Blake Fielder-Civil. Seria o equivalente ao Jagged-Little Pill, da Alanis Morissette, que também nasceu da dor do abandono, mas a cantora canadense soube canalizar isso tudo e ainda veio com um álbum seguinte em completo restabelecimento emocional e com uma bonita espiritualidade.

Infelizmente Amy preferiu se afundar nas drogas. Ou não teve forças para resistir por causa do vício. E as apresentações dela em shows começaram a ficar cada vez mais aquém do que o que o mundo conheceu. Assim, AMY traz tanto a evolução da cantora e compositora a partir de imagens de arquivo da adolescência quanto sua decadência física até a morte, em 2011. Algumas cenas são tão dolorosas de ver que a gente fica até pensando se é ético da parte do diretor mostrar aquilo, o quanto uma pessoa é capaz de ir ao fundo do poço, como quando ela é flagrada na rua com o namorado, depois de terem usado drogas e de terem se cortado com uma garrafa. Ou nas vezes em que ela estava completamente fora de si para dar uma entrevista. Até que ponto esse tipo de coisa é aceitável?

O documentário pinta como vilões (ou quase isso) pelo menos duas pessoas: o namorado/marido e o pai de Amy, que é visto como um sujeito que não apenas não soube tratar da filha como deveria, como também a explorou. Tanto que há uma ação jurídica dos familiares quanto aos responsáveis pelo filme.

Uma cena é particularmente digna de nota e causa arrepios, mesmo em quem não acompanhou de perto tudo isso na época em que estava se desenrolando, que é o nascimento no estúdio de "Back to black", a faixa-título do segundo álbum, uma das melhores canções de sentimento de abandono pela pessoa amada já feitas. E não é apenas pelo significado, pela letra, pela situação, mas como isso é traduzido em música e pela voz de Amy. Dessa mesma lavra veio também "Love is a losing game", outro lindo exemplar do amor como objeto cortante.

CANIBAIS (The Green Inferno)

Este ano marcou o retorno de Eli Roth às telas. Não foi como o esperado, já que mesmo os fãs do diretor acabaram desgostando principalmente de sua obra há tanto tempo aguardada, CANIBAIS (2013), que estava passando por algumas pendengas para finalmente ser distribuído nos Estados Unidos. E bastou o filme cair na rede (não estreou nas salas brasileiras ainda) para que o pessoal caísse de pau no filme. Enquanto isso, um mais recente trabalho do diretor, BATA ANTES DE ENTRAR (2015) entrou em cartaz e, apesar de tosco, foi até melhor recebido. Em comum em ambos os filmes, além da direção de Roth, há a presença de sua bela esposa Lorenza Izzo, e o fato de ter coprodução com o Chile, com vários técnicos chilenos etc.

CANIBAIS seria o retorno triunfal do cineasta depois de tanto tempo longe da telona. Seria também em grande estilo, homenageando o ciclo canibal italiano, em especial o mais respeitado do subgênero, CANIBAL HOLOCAUSTO, de Ruggero Deodato. O que pode ter deixado muita gente frustrada é o modo pouco sério com que Roth dá o tom. CANIBAIS, em vez de provocar mal estar, acaba divertindo bastante, principalmente para quem não se importa em ver gente tendo seu corpo decepado e indo ao forno para fazer a alegria da comunidade que curte carne humana.

Roth parece ter a intenção de dar um tapa na cara dos hipócritas que se escondem em pele de preocupados com a natureza e com as injustiças sociais, mas que têm interesses nada nobres por trás. Mas o que importa mesmo é curtir a aventura cheia de gore – e também sem muita preocupação em soar realista – do grupo de estudantes universitários que viaja para a área peruana da Floresta Amazônica, a fim de protestar contra a derrubada de árvores de um território indígena. Depois de pegarem a personagem de Lorenza para Cristo e conseguirem algum êxito, o avião cai, alguns morrem no acidente e outros ficam à mercê de uma tribo canibal que faz a festa com o apetitoso cardápio que acabou de chegar.

Roth não dispensa o humor negro e às vezes escatológico, em especial nos momentos em que os sobreviventes ficam presos dentro de uma jaula como porcos, prontos para serem abatidos (como não lembrar da moça que fica com diarreia?). E um dos méritos do filme é saber deixar o espectador interessado até o fim, não importando se o que estamos vendo é um produto de bom gosto ou de mau gosto. Isso realmente interessa?

O cineasta, aliás, já tinha cruzado essa fronteira antes em O ALBERGUE (2005) e O ALBERGUE – PARTE II (2007), mas eram obras mais bem acabadas e também bem mais pesadas na violência, talvez por fazerem parte de um momento em que o torture porn estava em moda. Provavelmente CANIBAIS tenha vindo em um momento em que os diretores parecem querer pegar mais leve, talvez um pouco cansados dos excessos dos anos 2000, ou então estão mesmo sofrendo alguma pressão da indústria para que suavizem seus trabalhos.

GRACE DE MÔNACO (Grace of Monaco)

Certas coisas eu realmente não entendo. E de certa maneira é até bom que aconteçam de vez em quando para provar o quanto somos (ou não) influenciados pelas expectativas, pelos pré-conceitos e pelas críticas alheias, ou ao menos pelo resultado como um todo delas. GRACE DE MÔNACO (2014) não teve apenas uma recepção fria da crítica quando abriu o Festival de Cannes no ano passado. No site Rotten Tomatoes, há apenas 10% de críticas positivas ao filme.

Vendo isso, dá impressão de que se trata de algo pior do que a biopic DIANA. Mas o que pude perceber e apreciar foi um trabalho sensível que brinca com fatos reais em prol da busca pela dor, pela fragilidade, pela insatisfação e pela força de uma das atrizes mais queridas da Velha Hollywood, Grace Kelly. Também conhecida como Princesa Grace de Mônaco.

Além disso, GRACE DE MÔNACO ainda se transforma, em sua segunda metade, em um suspense psicológico, quando somos jogados em uma trama envolvendo uma espiã na corte, uma muito provável invasão da França, na época, sob o comando de Charles De Gaulle, numa história que parece saída dos melhores filmes de espionagem do mestre Hitch. Como se, sob a impossibilidade de Grace aceitar fazer MARNIE – que ela queria tanto –, a vida em Mônaco naquele momento conturbado pudesse, enfim, servir de combustível para sua sede de atuar e sua busca de espaço naquele ambiente. Afinal, tudo o mais que ela faria para a salvação do principado seria graças a seus dotes de atriz.

A questão do atuar está em todo o filme. O próprio Príncipe Rainier (Tim Roth) deixa claro que não casou com Grace por amor, mas porque ela seria a pessoa ideal, racionalmente falando, conforme escolha de seu conselheiro (Frank Langella), que se tornaria o melhor amigo de Grace naquele momento de solidão e cheio de pessoas estranhas e pouco confiáveis. Naquele lugar, falar o que pensa é um ato perigoso, mas não deixa de ser empolgante o rápido debate que a Princesa tem com um representante da França sobre a guerra na Argélia e a questão do colonialismo.

E o que dizer de Nicole Kidman? Ela está adorável. Grande atriz que é, compensa o fato de já não estar mais no auge da beleza e não ser tão bela quanto a Grace Kelly era com muita sensibilidade. Além do mais, o diretor Olivier Dahan utiliza uns closes lindos de seu rosto, ora aproximando os olhos, ora aproximando a boca, como numa espécie de relação de encanto com a personagem/atriz, ao mesmo tempo em que também sinaliza o seu nervosismo e apreensão.

O fato de ser um filme sobre os bastidores de Hollywood, pelo menos um pouco, ajuda a manter o interesse dos cinéfilos. Como não ficar feliz quando vemos que uma das primeiras cenas é justamente a visita de Alfred Hitchcock à Princesa em 1961? Claro que depois os bastidores passam a ser outros: da política, da delicada rixa envolvendo Mônaco e França. E nomes famosos daquele círculo de amizade são bem-vindos, como Onassis (Robert Lindsay) e Maria Callas (Paz Vega).

Aliás, que lindo quando Maria Callas canta "O mio babbino caro"! A canção por si só já é mágica, mas dentro da narrativa ela tem a sua importância, antecedendo uma das melhores cenas. Mais uma vez, fico sem entender e até me recuso a ler algumas críticas negativas ao filme, pelo menos por enquanto, de modo que meu amor por GRACE DE MÔNACO se estenda por mais tempo.

COM 007 SÓ SE VIVE DUAS VEZES (You Only Live Twice)

Apesar de ter o box contendo todos os filmes da franquia 007, não me considero um fã de James Bond. Vi alguns estrelados por Sean Connery e Roger Moore na televisão há muito tempo e comecei a acompanhar a fase de Pierce Brosnan no cinema, mas sempre achei aquilo tudo muito chato. Só passei a gostar do ator quando ele deixou de ser James Bond, inclusive. Mas tudo mudou com 007 – CASSINO ROYALE (2006), de Martin Campbell, o primeiro de uma fase gloriosa estrelada por Daniel Craig. Além de uma trama mais sofisticada, há uma dimensão trágica e mais forte em torno do personagem, o que muito tem me agradado.

Na expectativa de 007 CONTRA SPECTRE, a estrear no início de novembro, resolvi pegar um que envolvesse não só a organização Spectre, que aparece em vários filmes da "fase clássica" do personagem, mas como também com ênfase no vilão Blofeld, que supostamente pode estar no novo filme e que em COM 007 SÓ SE VIVE DUAS VEZES (1967) aparece tão afetado que só pode mesmo ter pedido para virar paródia, o que ocorreu anos depois nos filmes da trilogia Austin Powers.

Com sua pegada mais caricatural, o diretor Lewis Gilbert seria chamado para dirigir mais dois filmes estrelados por Roger Moore, 007 – O ESPIÃO QUE ME AMAVA (1977) e 007 CONTRA O FOGUETE DA MORTE (1979), filmes de uma fase que brincava cada vez mais com os brinquedinhos de Bond, que se tornariam muito mais discretos na fase Daniel Craig.

Algo que incomoda em COM 007 SÓ SE VIVE DUAS VEZES é o quanto os efeitos especiais ficaram datados. Parecem de filmes B da década de 1950. E pensar que só um ano depois Stanley Kubrick traria o perfeito 2001 – UMA ODISSEIA NO ESPAÇO... Além do mais, fiquei sabendo que só os gastos com o set do vulcão foram maiores do que todo o orçamento de 007 CONTRA O SATÂNICO DR. NO (1962). Isso que eu chamo de dinheiro mal empregado.

Quanto ao fato de boa parte da ação se passar no Japão, não deixa de ter o seu charme, mas tudo parece forçado e artificial. Parece que na época havia uma moda envolvendo filmes com ninjas e eis o motivo de fazer um 007 com esses guerreiros secretos e silenciosos made in Japan. Há duas Bond girls japonesas também no filme. Duas belas moças, aliás. A ruiva bonita só serve mesmo para beijar o agente sem ter muito motivo para isso, soltá-lo, deixá-lo escapar no avião e depois virar comida de piranha.

O cartaz do filme mostra Bond pilotando um mini-avião cheio de budgets, como lança-chamas e outras armas para enfrentar os aviões inimigos, representando a cena de ação mais interessante. Naquela época, ainda estava rolando a Guerra Fria (na verdade, demoraria ainda um bocado para acabar) e a trama brinca com as possibilidades de os Estados Unidos ou a União Soviética darem início a uma terceira guerra mundial. Isso por causa das maquinações do vilão, Blofeld, aqui vivido por Donald Pleasance.

Lendo a trivia do IMDB sobre o filme, que traz curiosidades mais interessantes do que a própria produção, fiquei sabendo que os produtores Albert R. Broccoli e Harry Saltzman, o diretor Lewis Gilbert e boa parte dos principais técnicos do filme escaparam da morte ao terem perdido um voo que partiria de Tóquio para Hong Kong. O tal voo caiu no Monte Fiji, matando todos a bordo. Que sorte deles. E que triste para quem estava no avião.

TRÊS FILMES DIRIGIDOS POR MULHERES

Bom perceber que num espaço tão machista quanto o cinema a mulher esteja lutando e conseguindo espaço na posição de diretora. E curiosamente os três filmes abaixo são brasileiros, o que passa uma impressão – será só impressão? – de que estamos mais à frente nisso do que os americanos, que têm pouca representatividade feminina atrás das câmeras (na posição de cineasta, digo). Nos três filmes abaixo, temos dois exemplos de alto talento: uma veterana, Ana Carolina, que se esforçou e fez um ótimo filme para ninguém ver (uma pena), e Juliana Rojas, um novo talento que ainda vai nos trazer muitas alegrias. Eu acredito nisso. Um pouco sobre os filmes, então.

A PRIMEIRA MISSA OU TRISTES TROPEÇOS, ENGANOS E URUCUM

Quem acompanhou o cinema brasileiro dos anos 1980 sabe o quanto o nome de Ana Carolina é importante. MAR DE ROSAS (1978), DAS TRIPAS CORAÇÃO (1982) e SONHO DE VALSA (1987) compõe uma das trilogias mais adoráveis de nossa cinematografia. Pena que ela tenha passado tanto tempo para voltar à direção depois disso, além de ser pouco reconhecida pelas novas gerações, ainda que continue fazendo um bom trabalho. A partir de AMÉLIA (2001) ela passou a voltar os olhos para o passado, ousando fazer filme de época no Brasil. A PRIMEIRA MISSA OU TRISTES TROPEÇOS, ENGANOS E URUCUM (2013) é um caso especial. Começa parecendo filme de época, mas logo vemos se tratar de uma filmagem, de uma comédia um tanto amarga sobre a dificuldade de fazer cinema no Brasil. E ela faz isso com inteligência, brincando com a metalinguagem e abusando do sarcasmo. Quando nada (ou quase nada) mais nos resta neste circuito de filmes invisíveis, o humor ainda pode ser uma arma. Ou um alento.

SINFONIA DA NECRÓPOLE

Quase entraria também na classificação de “filme invisível” brasileiro, SINFONIA DA NECRÓPOLE (2014, foto) nem chegou a ser lançado comercialmente aqui, embora tenha sido exibido em duas mostras: uma no Cinema do Dragão e outra no Cinema de Arte. O que já é alguma coisa. Sem falar que o nome de Juliana Rojas é um nome quente desde os tempos em que ela fazia apenas curtas-metragens (geniais) com seu amigo Marco Dutra. Aqui ela não deixa completamente de lado o gosto pelo cinema de horror, já que há elementos fantásticos na trama que se passa em um cemitério, mas seu filme é uma comédia musical, e com um repertório bem interessante. Trata-se de um objeto estranho em nossa cinematografia e talvez por isso não tenha sido tão bem recebido, embora eu conheça muitos fãs deste filme, que narra a história de um coveiro sensível (Eduardo Gomes) que se apaixona por uma especialista em reforma de cemitérios (Luciana Paes). Eles começam a trabalhar juntos, mas estranhos eventos os fazem acreditar que mexer com ossos dos mortos pode não ser uma boa ideia. De todo modo, eu torço pela volta de Rojas ao terror puro e dramático.

PEQUENO DICIONÁRIO AMOROSO 2

Sandra Werneck pode até não ter o mesmo prestígio das duas citadas diretoras, mas certamente tem filmes mais populares no currículo. Além do primeiro PEQUENO DICIONÁRIO AMOROSO (1997), Werneck ainda dirigiu AMORES POSSÍVEIS (2001) e CAZUZA – O TEMPO NÃO PARA (2004). Uma trinca de filmes que fez bastante sucesso comercial e que também não devem ser vistos como obras ruins ou coisa do tipo. São filmes mais acessíveis e clássico-narrativos, mas todos têm o seu grau de sensibilidade. Talvez o exemplar mais fraco dela seja justamente este PEQUENO DICIONÁRIO AMOROSO 2 (2015), em que assina uma codireção com Mauro Farias. O filme traz de volta os personagens Gabriel (Daniel Dantas) e Luiza (Andrea Beltrão) cerca de 20 anos depois. O reencontro dos dois faz reacender a chama da paixão, ainda mais agora que Luiza está com o casamento em crise e Gabriel está desanimado com a atual namorada. Pena que falte cor nesta sequência do sucesso noventista, mas há algo que certamente vai ficar como uma boa lembrança na mente deste que vos escreve: a cena de nudez de Fernanda Vasconcellos, que aqui interpreta uma jovem bissexual. A imagem que fica gravada na memória é uma das mais sublimes de 2015.

ATIVIDADE PARANORMAL – DIMENSÃO FANTASMA (Paranormal Activity – The Ghost Dimension)

Pelo trailer, que flagrava uma cena muito ruim e que justamente serviria de base para a trama de ATIVIDADE PARANORMAL – DIMENSÃO FANTASMA (2015), já dava para prever que a franquia já estava mais do que desgastada: os produtores parecem estar desesperados por alguma coisa que inovasse e que salvasse este supostamente capítulo final da série iniciada em 2009, que conta com cinco títulos “oficiais” e dois spin-offs, um no Japão e outro numa comunidade latina, este último, inclusive, tendo estreitas relações com a trama dos demais filmes.

A solução desesperada dos produtores foi o uso do 3D como forma de assustar mais as plateias. Acontece que, por mais que em algumas cenas de close-ups nos sintamos um pouco incomodados e até com medo de levar um susto (ainda que daqueles bem baratos), o recurso serve mesmo é para tornar a fotografia ainda mais escura e a vontade de ficar retirando os óculos de instante em instante (já que nem sempre a imagem está desfocada) é um tiro no pé, já que o espectador fica disperso, distraído. E como o enredo é fraco, a direção é ruim e os atores são muito ruins, tudo isso conta pontos negativos para o filme, que não consegue ser nem sombra dos demais. Nem mesmo do mais fraco da franquia, o quarto.

O fato de este quinto capítulo se passar depois de eventos que ocorreram em filmes exibidos nesse intervalo de tempo tão grande faz com que isso seja algo mais a depor contra o filme, já que não temos obrigação de ficar lembrando detalhes de uma trama envolvendo uma seita diabólica de sequestro de crianças e ligações com entidades malignas.

Inclusive, na internet tem um videozinho com uma animação tentando fazer com que o espectador entenda ou relembre dos eventos dos filmes anteriores, o que mostra mais uma vez o quanto esta série estava pedindo para uma conclusão urgente. Uma conclusão que poderia ter sido no quarto capítulo, se o dinheiro não falasse tão mais alto.

Na nova trama, uma nova família se muda para a mesma casa que foi palco dos eventos mostrados nos filmes anteriores e lá encontra algumas fitas VHS antigas. Inicialmente o sujeito, que se muda com a mulher e a filha, mas que é visitado pelo irmão, que fica por lá por uns dias, acredita se tratar de fitas pornôs caseiras. Depois ele percebe o quão estranhas são as imagens, ainda mais quando elas dialogam com ele: a garotinha do vídeo parece enxergá-lo e ouvi-lo. Para completar, ele encontra também uma câmera que é capaz de visualizar espíritos ou entidades invisíveis ao olho humano.

É a deixa para a entrada do 3D, que traz efeitos especiais que nada têm a ver com a ideia proposta pelos filmes anteriores, de mostrar imagens mais realistas, mais próximas mesmo de uma câmera caseira. Aqui o que vemos é algo próximo de POLTERGEIST – O FENÔMENO, e que consegue ser muito pior do que o já horrível remake recente do clássico de Tobe Hooper.

E se o primeiro ATIVIDADE PARANORMAL tornou ainda mais rentáveis e populares os filmes de found footage, este último (espera-se que seja mesmo o último) é um convite ao fim de uma era. Que assim seja.

O BOULEVARD DO CRIME (Les Enfants du Paradis)

Há filmes que parecem verdadeiros milagres. O BOULEVARD DO CRIME (1945), de Marcel Carné, é um deles. Realizado durante a ocupação nazista na Segunda Guerra Mundial, e em um momento em que tudo era difícil e escasso, sem falar na perseguição de alguns judeus que participavam da produção e por isso tinham que se esconder dos alemães, o filme é uma das obras mais luxuosas e mais ambiciosas da cinematografia francesa.

Com suas mais de três horas de duração divididas em duas partes, que funcionam perfeitamente para separar a trama em dois momentos distintos das vidas dos personagens, o filme foi lançado com êxito logo após o fim da guerra para uma plateia que finalmente podia sentir o gostinho da liberdade, e que certamente deve ter se encantado totalmente com a história de amor e maldade que compõe esse exemplar máximo do chamado realismo poético francês, uma espécie de escola estética que predominou no país nas décadas de 1930 e 40.

Enquanto a Itália em ruínas recomeçou o seu cinema com uma obra moderna, mas totalmente destituída de luxo – ROMA, CIDADE ABERTA –, os franceses puderam se dar ao luxo de iniciar o novo momento histórico com uma superprodução. Até por terem se rendido aos alemães e o país não ter se sacrificado tanto. Mas a própria existência de um filme como esse, feito com tantos problemas de bastidores, tendo mais de 1.500 figurantes (muitos deles faziam parte da Resistência, usando as filmagens como meio de se esconder dos nazistas durante o dia) e a construção do maior cenário em estúdio do cinema francês até hoje, que é o trecho chamado de Boulevard do Crime, a área dos teatros de Paris nas décadas de 1830 e 40 e que também era cenário de muitos crimes. Quer dizer, cerca de cem anos antes daquele momento em que a França estava vivendo.

Mas tanto luxo de nada serviria se não houvesse um cuidado com a dramaturgia, com a construção dos personagens, com os diálogos, com a trama, feita em parceria com o poeta Jacques Prévert, que dá uma dimensão trágica e romântica a personagens como o mímico Baptiste (Jean-Louis Barrault, um ator magnífico) e a intrigante e apaixonante cortesã Garance (Arletty, que nem é tão bela, mas tem um charme tão especial que a torna única). Entre outros personagens também importantes, claro, embora eles dois sejam os de maior destaque.

Certamente porque são eles que mais aproximam o filme de um romantismo irresistível, embora também possamos dar o devido valor a Nathalie (María Casares), a moça que nutre uma paixão por Baptiste e que sofre bastante ao vê-lo apaixonado por outra mulher. Ela representa a estabilidade na vida de Baptiste, enquanto Garance seria a tempestade. Lembrando que há mais outros três personagens também apaixonados por Garance, na história.

No mais, O BOULEVARD DO CRIME traz uma série de outras subtramas interessantes, envolvendo, inclusive, atos criminosos por parte de alguns personagens, bem como atos louváveis, como a do homem rico que pede Garance em casamento, mas que em nenhum momento pretende escravizá-la à sua vontade.

Como boa parte da trama se passa em um ambiente de teatro, o filme se apresenta como uma linda homenagem à arte mais popular daquele século, como o cinema seria no século XX. Em alguns momentos, inclusive, os atores falam como se estivessem declamando para uma plateia. Esse estilo de dramaturgia torna o filme ainda mais belo.

O BOULEVARD DO CRIME foi visto em uma belíssima cópia restaurada em DCP 2K no Cinema do Dragão na semana que talvez tenha sido a mais especial do ano para os espectadores de Fortaleza: uma semana totalmente dedicada a clássicos franceses.

PONTE DOS ESPIÕES (Bridge of Spies)

Com PONTE DOS ESPIÕES (2015), Steven Spielberg vem explicitar aquilo que já se manisfetara em tendência em boa parte de sua filmografia: o conteúdo político, o seu interesse em abordar ações ou situações relativamente simples de serem solucionadas do ponto de vista humano ou mesmo lógico, mas que, pelas circunstâncias, acabam se tornando complexas.

É o caso da história do advogado James B. Donovan (Tom Hanks) e do espião soviético capturado Rudolf Abel (Mark Rylance). O advogado é convidado para defender esse homem, como dita a lei americana de que todos merecem um advogado, mas a mesma lei não funciona muito bem para o caso de comunistas, tidos como verdadeiros demônios pela comunidade americana.

Assim, enquanto as autoridades querem tratar esse julgamento como uma mera formalidade, de preferência levando à pena de morte o sujeito que, segundo Donovan, estava apenas prestando um serviço ao seu país, como também estavam espiões americanos infiltrados na União Soviética ou em qualquer outro país comunista naquele cenário da Guerra Fria, o advogado resolveu levar muito a sério o caso. Talvez se visto hoje pelos próprios americanos que demonizavam os comunistas, é provável que eles concordem que estavam mesmo exagerando nesse julgamento. E o próprio Spielberg coloca essa situação quase como um crime de guerra, algo que os americanos deveriam se envergonhar.

Durante a defesa do réu, Donovan chega a antecipar algo que parecia improvável: a possibilidade de usar esse espião soviético em um acordo de troca por um espião americano também capturado pelos inimigos. Como o filme trata de nos mostrar esse espião como alguém bastante simpático, espirituoso e sensível (é um pintor, ainda por cima), torna-se ainda mais fácil para a audiência comprar a ideia de Donovan/Spielberg.

Tom Hanks repete aqui a figura do homem persistente, como em O TERMINAL (2004), que se vê em uma situação em que a burocracia e outros obstáculos o impedem de atingir o seu objetivo. Também é possível traçar paralelos com a campanha de Abraham Lincoln para angariar uma base aliada no trabalho anterior de Spielberg, LINCOLN (2012).

Em PONTE DOS ESPIÕES, o protagonista, um homem comum, de família comum de Nova York, ganha contornos de herói, ao encarar, sem muito apoio do próprio Governo americano, a negociação de troca com os inimigos de seu país em pleno território da Alemanha Oriental, na época, início dos anos 1960, ainda uma república não reconhecida pelos Estados Unidos.

Aliás, uma das cenas mais impressionantes é a da construção do terrível Muro de Berlim. É mais um exemplo do quanto o cinema nos transpõe magicamente, como numa máquina do tempo, para um outro lugar e outra época, ainda que as imagens sejam maquiadas pela bela fotografia e pela bela cenografia. De todo modo, a imagem de uma Berlim devastada pela guerra e abandonada pelos supostos aliados soviéticos também causam certo espanto. Além do mais, toda a sequência do advogado na Alemanha se aproxima da perfeição.

E Tom Hanks mais uma vez passa aquela imagem de bom moço que funciona muito bem aqui. Spielberg tem procurado manter, ultimamente, uma postura mais sóbria no que se refere ao sentimentalismo que costumava imperar em seus trabalhos. Quando ele erra a mão nesse quesito, como em AMISTAD (1997) e em CAVALO DE GUERRA (2011), o resultado não fica muito bonito. A boa notícia é que PONTE DOS ESPIÕES se junta a obras de respeito dessa linha político-histórica, como O RESGATE DO SOLDADO RYAN (1998), MUNIQUE (2005) e o já citado LINCOLN, fazendo com que o espectador saia do cinema satisfeito com o excelente espetáculo de direção segura, reconstituição histórica e debate ético.

ESCUDERIA DO PODER (Fast Company)

Dentre todos os longas-metragens de David Cronenberg, só faltava ESCUDERIA DO PODER (1979) para eu ver. O filme feito após o ótimo ENRAIVECIDA – NA FÚRIA DO SEXO (1977) e um pouco antes da realização do sensacional THE BROOD – OS FILHOS DO MEDO (1979). Acontece que é um filme que foge bastante dos temas recorrentes do cineasta. E talvez por isso seja tão rejeitado. Mas não apenas por isso, na verdade: é porque se trata de um filme ruim mesmo, tão chato de acompanhar que nem mesmo encarando como um filme B despretensioso de corrida de carros dá pra encarar. A não ser que você seja um aficionado por carros de corridas.

E Cronenberg era. Ele pôde mostrar isso de maneira muito mais interessante em CRASH – ESTRANHOS PRAZERES (1996), que uniu o prazer por carros e batidas violentas com sexo e pessoas estranhas. Lendo o livro de entrevistas Cronenberg on Cronenberg, fiquei sabendo que o que o diretor queria fazer mesmo era um filme protagonizado por uma mulher dirigindo carros. Mas o que disseram para eles é que não existia tal coisa, que as mulheres daquele universo eram as que usavam camisetas molhadas para chamar a atenção da turma que já chegava com a testosterona a mil nesse tipo de evento.

Depois ele soube que havia sim algo do tipo e até fizeram um filme chamado HEART LIKE A WHEEL (1983), que conta com uma mulher à frente de um dragster, um desses compridos e barulhentos e de arrancada, mostrados em ESCUDERIA DO PODER. Cronenberg realmente perdeu a chance de fazer algo mais interessante.

Mas será que teria sido tão interessante assim? Pergunto isso, tendo em vista que não se tratava de um projeto seu, mas um filme de encomenda, feito num momento em que ele estava disponível, no começo da carreira e que havia uma lei de incentivos fiscais que priorizavam canadenses nativos. E era impressionante como na época quase não havia cineastas canadenses ou mesmo atores canadenses famosos que estivessem disponíveis para estrear esses filmes.

Na trama de vingança de ESCUDERIA DO PODER, veterano de corridas (William Smith) é demitido por falar mal dos patrocinadores de sua companhia em uma entrevista para a televisão. Isso porque ele já havia perdido a paciência com os modos inescrupulosos de seu patrão (John Saxon), que só pensa mesmo em lucrar e não dá a mínima para a sua equipe, que é composta por pessoas que têm um elo de amizade muito forte. Junta-se ao grupo a bela Claudia Jennings, uma coelhinha da Playboy conhecida na época. Curiosamente (e morbidamente), a moça morreria no mesmo ano em um acidente de carro. Justo ela, que tinha uma filmografia com vários filmes B de carros de corrida.

Confira AQUI uma famosa e bela capa da Playboy com Claudia Jennings.

A COLINA ESCARLATE (Crimson Peak)

Um sopro de beleza, de amor, de violência e de intensidade este A COLINA ESCARLATE (2015), uma das melhores surpresas que o gênero trouxe neste ano tão escasso de obras de grande importância. E ainda assim tem dividido bastante as opiniões de público e crítica. Mas isso é natural e fico à vontade em tentar mais do que defendê-lo: louvá-lo. Afinal, quando é que temos a oportunidade de ir ao cinema e nos depararmos com algo tão belo em tela gigante IMAX?

O que Guillermo del Toro faz é presentear os fãs do horror gótico de Roger Corman (as adaptações de contos de Edgar Allan Poe), bem como dos filmes da Hammer (o sobrenome Cushing não foi escolhido à toa) e de outros grandes nomes do cinema de horror europeu, como Mario Bava. Trata-se de uma homenagem, portanto, explícita, inclusive no modo como ele constrói seus personagens, que às vezes parecem um tanto exagerados em suas intenções, mas isso faz parte do charme de A COLINA ESCARLATE.

A direção de arte e da fotografia são impressionantemente estupendos em sua elegância, e por isso o local onde acontece a maior parte da trama é fundamental: um castelo decadente na Inglaterra. O castelo está sendo afundado por uma espécie de lama vermelha, que é a matéria-prima da obsessão de Thomas, o personagem de Tom Hiddleston, que planeja, junto com sua irmã Lucille (Jessica Chastain), conseguir dinheiro através de uma família rica de Nova York, casando-se com a jovem Edith (Mia Wasikowska). Na verdade, a ideia dos dois é ainda mais criminosa do que aparenta.

Uma das coisas que chama logo a atenção no filme é o modo como os monstros e os fantasmas são ao mesmo tempo horríveis e aterrorizantes, mas não tão aterrorizantes quanto os vivos, esses sim capazes de causar dor e morte. Edith é assombrada pelo fantasma de sua mãe, que surge parecida com a mãe de MAMA, não por acaso produzido por del Toro e com o toque a mais de sentimentalidade, algo que o cineasta mexicano parece não conseguir fazer. Suas mãos são tão rudes quanto a do pai de Edith, nesse sentido.

Mas o que del Toro carece em saber lidar com aspectos sentimentais, sobra em saber construir um conto macabro pontuado com uma violência gráfica que mancha a tela de vermelho. O vermelho, aliás, já se pronuncia desde o início do filme, quando vemos o logo da Universal todo em escarlate, apontando para a cor que seria a mais desejada por seu realizador, a mais valorizada.

A beleza das cenas sangrentas e violentas não encontra paralelos com o que é filmado no horror contemporâneo. Se quisermos estabelecer comparações nesse sentido teremos que buscar mesmo na Hammer, em Bava ou em Argento. E lembrando de Bava e de Argento, lembramos também da personagem de Jessica Chastain, a irmã fria e malévola que rouba a cena a cada instante em que aparece. Para muitos, Chastain faz uma composição exagerada, para outros, como eu, trata-se da melhor personagem do filme, a que mais se aproxima de um mal equiparado ao de bruxas de contos de fadas clássicos ou de filmes de horror góticos. Como não amar a sequência final de Chastain enfrentando a heroína num duelo mortal?

Del Toro também impõe sua autoralidade em todos os espaços, seja na sua obsessão por insetos, que se insinua desde seu longa-metragem de estreia, CRONOS (1993), passando por MUTAÇÃO (1997), A ESPINHA DO DIABO (2001) e O LABIRINTO DO FAUNO (2006), seja no cuidado com os detalhes e o cenário. E falando em labirinto, a mansão não seria também um, contando até mesmo com um elevador, além de outros segredos escondidos? Quem se permitir se entregar à beleza de A COLINA ESCARLATE certamente vai se sentir arrebatado e agradecido com tanto encantamento.

FEAR THE WALKING DEAD – 1ª TEMPORADA COMPLETA (Fear the Walking Dead – The Complete First Season)

Deve ter sido o Rock in Rio. Ou as muitas séries e as preocupações do trabalho. Ou então foi o fato de a série não ser suficientemente boa e empolgante, a ponto de eu ter deixado passar justamente a season finale. É que eu também não sabia que eram só seis episódios nesta primeira temporada. Felizmente eles conseguiram finalizar com um bom episódio.

Não é que FEAR THE WALKING DEAD (2015) seja ruim, mas é que se trata de uma série que já nasceu sob o estigma de ser caça-níquel, de querer se aproveitar do sucesso garantido de THE WALKING DEAD, que está não só muito bem de público (é a série de maior audiência dos canais fechados americanos), mas também de boa parte da crítica.

Então, se a turma curte zumbis, por que não expandir o universo e criar um spin-off? É sucesso garantido. A ideia funcionou, embora todos tenham percebido que ali se tratava de um produto menor. A intenção é mostrar duas famílias que se juntam em circunstâncias difíceis durante a proliferação do vírus que torna as pessoas em mortos-vivos e que deixa o mudo em colapso.

Não deixa de ser interessante ver essa evolução, o começo de tudo, já que THE WALKING DEAD já nos apresenta o mundo povoado por zumbis, pois começa do ponto de vista de Rick, que estava em estado de coma em um hospital. Em FEAR THE WALKING DEAD acompanhamos o drama de uma família quebrada cujo denominador comum é Travis Manawa (Cliff Curtis), atualmente quase casado com Madison Clark (Kim Dickens), que tem dois filhos, uma moça bonita, Alicia (Alycia Debnam-Carey), e Nick (Frank Dillane), um rapaz viciado em heroína e que dá muito trabalho à família por isso.

Travis também se preocupa com a ex-esposa, Liza Ortiz (Elizabeth Rodriguez), com quem tem um filho adolescente. Outra família passará a fazer parte do núcleo desta primeira temporada, que vai apresentando os mortos-vivos aos pouquinhos, até fechar com algo parecido com a série-mãe. E há um personagem novo que é apresentado nos dois últimos episódios que tem cara de ter conquistado a audiência, com seu autocontrole, esperteza e elegância.

Dentro desse período de seis episódios acompanhamos as transformações daquele grupo, que demora um pouco a criar coragem de meter a faca ou uma bala na cabeça de um errante. A ideia de que são pessoas doentes ainda está presente. No último episódio, a adrenalina sobe, mas talvez tenha sido um pouco tarde, embora seja promessa de boas possibilidades para o futuro da série.

Como a premissa é a mesma de THE WALKING DEAD, a construção dos personagens e os dramas pessoais entre eles deverão ser feitos com cuidado e com inteligência, de modo que consigam dar longevidade à série. Como é uma história original e não é baseada nos quadrinhos de Robert Kirkman, eles têm toda a liberdade para fazer o que quiserem. Para o bem ou para o mal. Ao que parece, a segunda temporada contará com 15 episódios.

SICARIO – TERRA DE NINGUÉM (Sicario)

E Denis Villeneuve vai construindo uma carreira baseada tanto na construção de uma atmosfera de tensão e suspense auxiliada pelo excelente desenho de som – no caso de O HOMEM DUPLICADO (2013), também de terror –, ao mesmo em tempo que também vai deixando mais claras suas obsessões ou seus interesses. SICARIO – TERRA DE NINGUÉM (2015) é, assim como OS SUSPEITOS (2013), um conto moral elaborado com a intenção de nos convidar para o lado mais sombrio da alma humana.

Para isso, o cineasta canadense nos coloca nos sapatos da agente do FBI Kate Macer (Emily Blunt), que, depois de descobrir os corpos escondidos de vítimas de um cartel do tráfico mexicano, é convidada pra fazer parte de uma missão secreta. O que ocorre, porém, é que os homens que a convidam e aqueles que serão os verdadeiros protagonistas da ação a deixam no escuro sobre as reais intenções, sabendo que ela é uma agente que atua de acordo com as normais legais, não se deixando corromper ou adentrar um caminho de perdição, por assim dizer.

Os principais envolvidos na operação de combate ao tráfico que tem como principal missão atacar o chefe do tráfico Manuel Diaz são homens cujas funções são até mesmo complicadas de serem compreendidas pela agente. Eles são vividos pelos ótimos Josh Brolin e Benicio Del Toro. Este último, então, rouba o filme para si, tanto pela força de sua caracterização, principalmente à medida que o filme vai chegando perto de sua conclusão.

Mas até lá estamos tão perdidos quanto Kate Macer e essa sensação é tão agradável quanto desconfortável. Afinal, é possível confiar naqueles homens e em seus métodos? O filme, que conta com algumas cenas de violência impactante, até poderia ter sido mais pesado se Villeneuve preferisse chocar mais a audiência. Provavelmente ele fez bem em não ter exagerado tanto, por exemplo, nas cenas de tortura.

Um dos pontos altos do filme acontece durante um engarrafamento em pleno México, quando o grupo de americanos, auxiliado pela polícia mexicana, percebe um grupo de criminosos nos carros ao lado. O que eles efetuam ali, em público, é impressionante. É a partir daí que passamos a admirar Alejandro, personagem de Del Toro, que ganhará ainda mais força quando soubermos um pouco mais sobre o seu passado e o seu real interesse pela missão. Enquanto isso, vamos nos acostumando à escuridão dessa situação.

Mas escuridão mesmo estaria por vir na cena em que Villeneuve e o diretor de fotografia Roger Deakins, de obras admiráveis como A VILA (2004), ONDE OS FRACOS NÃO TÊM VEZ (2007) e 007 – OPERAÇÃO SKYFALL (2012), apresentariam. Há uma cena que se passa na completa escuridão dentro de um túnel clandestino que liga a fronteira entre Estados Unidos e México. Durante esta cena, foram utilizadas câmeras termais e de visão noturna. Este, aliás, é um momento-chave para a jornada da personagem de Emily Blunt.

Por outro lado, é quando ocorre uma reviravolta no foco dos personagens que acaba sendo muito bem-vinda. Afinal, algumas das melhores cenas serão guardadas para esse final. Cenas em que Villeneuve mais uma vez provoca o espectador em suas convicções morais: até que ponto aceitamos certas ações violentas em prol de uma justiça? Nisso, o filme até pode ser visto por alguns como danoso ou maléfico, sem falar nas possibilidades racistas ao apresentar o México, quase sempre, como um lugar perigoso e que deve ser limpo, nem que seja por pessoas dispostas a fazer o trabalho sujo.

RESPIRE

Mélanie Laurent é uma artista multifacetada. Além de ser aquela atriz fantástica que a gente aprendeu a gostar desde, pelo menos, BASTARDOS INGLÓRIOS, que foi quando ela foi revelada em grande escala para o mundo, ela também é excelente cantora (é só procurar algo dela no youtube) e RESPIRE (2014) já é o seu segundo longa-metragem, tendo participado, inclusive, da edição do ano passado do Festival de Cannes, o que já lhe confere status de autora.

Mas o sucesso desse seu segundo trabalho, pelo menos, não vem de sua exposição ou de ela ser também uma atriz famosa, embora isso também ajude. O seu filme é especial. E pode-se dizer que seria mesmo necessário uma mulher para abordar com tanta segurança o universo íntimo de duas jovens garotas colegiais (Laurent é também corroteirista e o roteiro, por sua vez, é baseado no romance de uma escritora, Anne-Sophie Brasme).

Na trama, Charlie (Joséphine Japy) é uma jovem relativamente popular na escola, embora se perceba logo no início do filme que lhe falta entusiasmo no trato com sua melhor amiga, bem como na rotina de sua vida em si, seja na escola, seja em casa. Essa vontade de viver com mais intensidade surge quando ela conhece Sarah (Lou de Laâge), recém-chegada na escola e já demonstrando muito charme e um brilho todo próprio. Aos poucos as duas se tornam melhores amigas. E essa amizade também passa a se tornar algo a mais, principalmente na cabeça de Charlie, que vai se mostrando cada vez mais apegada a Sarah, que por sua vez vai revelando uma faceta um tanto malévola.

Pode-se dizer que RESPIRE é um filme dividido em dois registros complementares: o filme de amizade e intimidade entre duas garotas e também um suspense de tirar o fôlego. O fato de Charlie ser asmática ajuda bastante na composição desse segundo momento e é o motivo mais óbvio para o título desse trabalho de Laurent, embora haja outros motivos também. E por isso é importante ter cuidado para não entregar o impactante final.

RESPIRE também é um filme feminino no sentido de que as personagens das mães das referidas protagonistas ou moram sozinhas ou são mal tratadas por seus maridos. No caso do pai de Charlie, ele acaba sendo pintado como um sujeito mau caráter que a mãe teima em amar. Esse tipo de relação da mãe acaba por se repetir em Charlie e no quanto ela é apaixonada por Sarah, apesar das humilhações e tudo o mais que acontece com ela ao longo da narrativa.

E como a maior parte do elenco é de estreantes, não deixa de ser digno de nota o modo como Laurent extrai de suas atrizes momentos de tão forte carga dramática, como se elas nascessem para aquele papel, ou como se estivéssemos olhando suas intimidades através de uma janela. Uma janela que também brinca com o espectador, como na cena em que Charlie vai, pela primeira vez, à casa de Sarah. Esse, aliás, é também um momento extremamente elegante no uso da movimentação de câmera, entre vários outros. Por isso, que venham os próximos filmes dirigidos por esta moça talentosa.

O LUGAR DAS PERDAS

O cinema cearense tem se tornado cada vez mais amplo em temática e em forma. Além do trabalho de cineastas novos que lidam com a ficção de maneira diferente e ousada e da tradição de cineastas veteranos que continuam contribuindo com sua experiência e talento, sem também perder o frescor, o nosso cinema também tem se caracterizado por trazer à tona reflexões fundamentais para a construção de uma sociedade mais cidadã, abrindo espaço para discussões nos âmbitos político e social.

O LUGAR DAS PERDAS (2015), de Israel Branco, é dessa vertente, embora também procure ser algo mais do que um simples documentário sobre o drama de pessoas que são deslocadas de suas casas pelo governo, buscando meios de se legitimar também como arte, o que o diferencia de programas jornalísticos produzidos para a televisão com um formato predeterminado. Nem que para isso tenha que abusar do uso da câmera na mão, que, de tanto tremer, chega a incomodar.

Nota-se em O LUGAR DAS PERDAS um tatear do realizador na tentativa de ir em busca de entrevistados que possam fornecer palavras e ações que contribuam para a edição final. Isso, aliás, é uma característica do gênero documentário. Lembremos que Eduardo Coutinho não se esquivava de esconder que às vezes não fazia a menor ideia do que iria filmar quando se juntava com sua equipe – provavelmente o caso mais explícito disso esteja em O FIM E O PRINCÍPIO.

Curiosamente, assim como o documentário sobre velhinhos falando sobre o passado e as expectativas do futuro, o filme de Israel Branco também encontra justamente nas pessoas idosas a sua maior força. Até porque essas pessoas possuem muito mais tempo de vida naquele espaço, no caso, a comunidade do Pirambu, uma área pobre de Fortaleza, mas que fica situada próximo ao Centro e à Praia de Iracema, e por isso mesmo vem sendo alvo do Governo para se tornar um novo ponto turístico da cidade.

Essas pessoas mais idosas vieram da zona rural na época da seca e se instalaram naquele espaço, que posteriormente seria concedido a eles por meio de lei federal. Um espaço de amor por aqueles que lá habitam ou habitavam. O LUGAR DAS PERDAS trata justamente do doloroso processo de remoção de algumas dessas pessoas pela Prefeitura de Fortaleza, que ofertou a elas um lugar em um condomínio modesto ou uma quantia em dinheiro se a pessoa preferisse. Essa quantia, porém, não era suficiente para se obter uma nova casa. Pelo menos, não perto dali.

E assim o documentário nos mostra principalmente a insatisfação daqueles que aceitaram a oferta de se mudar para um apartamento, mas acerta mesmo quando encontra uma pessoa que resistiu a essa remoção: a Dona Mazé, uma senhora que se recusou a sair de sua casinha humilde, ainda mais tendo que aceitar parcos 20.000 reais apenas, valor inicialmente oferecido.

Dona Mazé é o coração de O LUGAR DAS PERDAS, que parece em alguns momentos não saber o que fazer com alguns personagens muito bons, como o sujeito que canta um samba sobre o Pirambu e que só aparece uma vez, por exemplo. (Embora seja digna de menção também a senhora que canta o hino do Pirambu e que se mostra valente diante dos infortúnios da vida, como a perda do filho, assassinado.) Mas é natural que isso aconteça quando o acaso pode trazer tanto algo pouco ou muito interessante para o documentarista. Dona Mazé se torna não só a pessoa mais importante do documentário, como também aquela que faz o espectador se comover. E faz o título do filme ganhar em significância e em triste poesia.