A PAIXÃO DE JOANA D'ARC / O MARTÍRIO DE JOANA D'ARC (La Passion de Jeanne d'Arc)

Em agosto de 2005 eu voltava da hoje infelizmente extinta Distrivídeo com dois DVDs de dois dos filmes mais importantes sobre Joana D’Arc, O PROCESSO DE JOANA D’ARC, de Robert Bresson, e este maravilhoso A PAIXÃO DE JOANA D’ARC (1928), também conhecido como O MARTÍRIO DE JOANA D’ARC, do mestre dinamarquês Carl Theodor Dreyer. Na época, embora tenha achado o filme incrível, não me envolvi totalmente, tanto que até preferi o do Bresson. Por isso sabia que a experiência de revê-lo na telona, numa cópia nova remasterizada, faria toda a diferença. Seria um desses momentos históricos de minha cinefilia. 

Mas eu não tinha como saber que o filme chegaria ao meu topo de favoritos da vida, não sabia que se mostraria uma obra tão imensa e tão impactante, a ponto de eu não saber como explicar em palavras o que senti, o que aquelas imagens me disseram. O evento foi especial também por ter sido uma sessão de um filme mudo com música ao vivo. E muito do prazer de vê-lo veio do excelente trabalho dos músicos que acompanharam esta obra-prima, Clau Aniz, Marta Aurélia, Victor Cozilos e Rudriquix. A música usada foi mais moderna, com sintetizador, bateria, vocal e um instrumento de sopro (a identificar) e pra mim funcionou muito bem, tanto para atribuir ruídos deliberadamente incômodos nas primeiras horas de projeção, nos questionamentos dos inquisidores, quanto para subir em tom na catártica conclusão.

Houve um probleminha técnico, com a ausência de legendas em português, mas depois nem senti falta, já que a força das imagens do Dreyer é coisa de outro mundo. Tanto Maria Falconetti, que interpreta Joana, quanto os atores que vivem os homens da inquisição estão excelentes, com uma expressividade que os transforma em fantasmas ou espíritos bizarros – um deles parece até possuir chifres. A quase completa falta de cenários ao fundo é proposital: as paredes do cenário foram pintadas de cor-de-rosa para remoção do brilho, de modo que não houvesse interferência no rosto de Falconetti. O cenógrafo do filme, Herman Warm, havia trabalhado em O GABINETE DO DR. CALIGARI, de Robert Wiene, obra essencial para quem quiser entender o expressionismo alemão.

Os momentos em que Joana prefere ir para a fogueira do que ficar na prisão para o resto da vida traduzem uma espiritualidade poucas vezes vista no cinema (talvez só o próprio Dreyer tenha conseguido algo parecido com seu A PALAVRA, 1955). Difícil conter as lágrimas nos instantes finais, com aquelas tomadas da fogueira, dos pássaros, das pessoas que assistem ao crime (muitas delas em prantos), das crianças (uma delas mamando). Sem dúvida alguma, um dos maiores filmes de todos os tempos, visto junto a uma experiência sonora que faz questão de marcar seu lugar em nosso tempo presente.

Sobre Joana d’Arc, ela é possivelmente uma das figuras femininas mais importantes da História – só consigo me lembrar de outras duas tão celebradas: Maria, mãe de Jesus, e Cleópatra. E justamente por isso, sua história já foi contada em inúmeros filmes. Lá na aurora do cinema, em 1900, George Méliès já havia feito um filme sobre ela (disponível no YouTube). Na Hollywood dos anos 1910, Cecil B. De Mille fez o épico JOANA D’ARC, A DONZELA DE ORLÉANS, que consta no box Joana d’Arc no Cinema, lançado pela Versátil.

No mesmo box, há JOANA NA FOGUEIRA, de Roberto Rosselini, com Ingrid Bergman (que já havia interpretado Joana em Hollywood em 1948, em filme de Victor Fleming); SANTA JOANA D’ARC, de Gustav Ucicky; o já citado filme de Bresson; e os filmes de Jacques Rivette JOANA, A VIRGEM I – AS BATALHAS e JOANA, A VIRGEM II – AS PRISÕES. Além do mais, todos devem lembrar de JOANA D’ARC, de Luc Besson, e talvez até da minissérie para a televisão estrelada por Leelee Sobieski. Há ainda SANTA JOANA, de Otto Preminger, e o mais recente JOANA D’ARC, de Bruno Dumont. Enfim, há ainda muitos, mas talvez eu tenha listado os mais importantes ou mais famosos.

Na história incrível de Joana, ela é uma jovem que diz ter visões do Arcanjo Miguel, de Santa Catarina e de Santa Margarida. Ao 16 anos, ela resolve se alistar e tomar parte na guerra (dos cem anos), de modo a ajudar a França a enfrentar a Inglaterra e diminuir a miséria, a fome e as doenças que o conflito estava trazendo. Depois de conseguir liderar exércitos e vencer várias batalhas (outra coisa incrível é imaginar o Rei Carlos VII ter aceitado essa proposta de Joana), a jovem foi capturada pelos borguinhões durante a batalha de Compiègne e vendida para os ingleses. Não demorou para ela ser acusada como bruxa pela inquisição.

Na época do lançamento de A PAIXÃO DE JOANA D’ARC, a Igreja Católica havia há pouco tempo canonizado Joana (em 1920, pelo Papa Bento XV). O filme é a única obra de Dreyer que não é baseada em um escrito literário, mas nos registros do processo.

+ DOIS FILMES

CARTA DA SIBÉRIA (Lettre de Sibérie)

Antes de trabalhar em outros filmes-ensaio mais famosos, como A SEXTA FACE DO PENTÁGONO (1968) e SEM SOL (1983), Chris Marker já fazia na década de 1950 esse tipo de documentário muito ligado à espirituosidade do texto e com um olhar antropológico apaixonado. Em CARTA DA SIBÉRIA (1958), vemos o diretor olhando para os habitantes de uma das regiões mais frias do planeta, seus costumes, suas heranças políticas (vindas da União Soviética e da China), sua geografia, suas vestimentas, a relação com os animais (por vezes cruel, segundo o pensamento do narrador), a extração do ouro etc. O filme faz parte de uma série de trabalhos dedicados à União Soviética num momento em que o regime socialista ainda seguia forte, inclusive tendo seu cinema premiado em festivais internacionais. Acontece que Marker não entrega, pelo menos não neste filme, a União Soviética como uma espécie de salvadora daquele povo. Tanto que CARTA DA SIBÉRIA não agradou nem à direita nem à esquerda.

MANDABI

Uma oportunidade e tanto essa que o cinéfilo de Fortaleza está tendo de ver no cinema alguns, ainda que poucos, clássicos do cinema africano, infelizmente invisibilizado pela dominação europeia e hollywoodiana. Poder ver MANDABI (1968), de Ousmane Sembène, em cópia remasterizada é uma beleza, tanto para termos acesso a uma estética nova quanto pelo seu valor antropológico. O filme acompanha a jornada de um homem casado com duas mulheres e que mora numa área extremamente pobre de Dakar, Senegal. Ele recebe uma ordem de pagamento pelo correio endereçada a seu nome de um sobrinho que está trabalhando na França. Aquilo parece ser uma alegria para ele e para as esposas, mas é também o começo de várias situações que parecem saídas de O Processo, de Kafka. A diferença é que o personagem é alguém despido de documentação básica e também de instrução, o que torna sua jornada para conseguir o dinheiro no mínimo complicada. MANDABI também tem um valor histórico: foi o primeiro filme feito numa língua africana, no caso, o uólofe.

O PESO DO TALENTO (The Unbearable Weight of Massive Talent)

Nicolas Cage é um ator singular. É cultuado pelos mesmos motivos que é rejeitado por uma classe de cinéfilos mais exigentes. Afinal, nos últimos anos – nas últimas décadas, eu diria –, ele tem acumulado muito trabalho. Com cerca de três a quatro filmes por ano, muitos desses filmes são sequer lembrados pela mídia, muitos deles indo parar direto no mercado de VOD. De vez em quando, aparece um ou outro que tem sido objeto de elogio da crítica, como MANDY – SEDE DE VINGANÇA (2018), PIG (2021) e A COR QUE CAIU DO ESPAÇO (2019). Os dois primeiros eu ainda não vi e preciso colocar na minha lista de filmes para ver no futuro (próximo?).

Quanto aos filmes bem ruins, basta lembrar de coisas como REFÉNS (2011), O PACTO (2011), O RESGATE (2012), FÚRIA (2014) e O APOCALIPSE (2014), que, aliás, é um dos meus guilty pleasures com o ator, junto talvez com FÚRIA SOBRE RODAS (2011). Evitei citar filmes da década de 2000, pois há vários muito bons.

Quanto a O PESO DO TALENTO (2022), do quase estreante Tom Gormican, vejo como uma obra que tem uma premissa muito melhor do que o resultado. É coerente com a grande maioria dos filmes contracenados por Cage, em sua maioria escolhidos de qualquer jeito, sem muito rigor, ao sabor do que lhe é ofertado. Mesmo assim, o início do filme parece uma espécie de grito de liberdade de Cage, seja pelo fato de ele dizer que adora trabalhar muito, seja pela busca por projetos mais ambiciosos, como na cena em que ele conversa com o cineasta David Gordon Green – que já o dirigiu em JOE (2013).

O próprio momento em que os personagem de Cage e Pedro Pascal resolvem construir eles mesmos o filme a princípio roteirizado pelo fã (Pascal) é representativo dessa sensação de qualquer falta de rigor, embora eu não veja isso como um problema em si, uma vez que a direção saiba lidar muito bem com o improviso. 

Na trama, Cage interpreta a si mesmo – na verdade, uma persona que se confunde com ele. Frustrado por não obter um papel que julga importante, ele aceita comparecer à festa de aniversário de um homem bilionário que é seu fã, e que oferece um milhão de dólares apenas por sua presença. O que ele não sabe é que o tal homem pertence a uma família envolvida em sequestro e tráfico de drogas. 

Há alguns momentos divertidos, mas creio que são poucos, levando em consideração que o tom cômico predomina do início ao fim. Inclusive, imagino que não deve ser muito divertido para quem não entende as referências. Para quem entende, e tem um pouco de cinefilia no sangue, é legal ver o entusiasmo do personagem por O GABINETE DO DR. CALIGARI e a citação a PADDINGTON 2, como tanto um elemento de louvor ao filme, como uma piada que funciona bem.

O PESO DO TALENTO funciona um pouco como um filme sobre a construção de uma amizade entre dois homens de diferentes mundos. Mas nem tanto, já que o aspecto dramático – e isso inclui também as cenas de ação – fica prejudicado por um tom de comédia pouco eficiente. Como se o diretor não conseguisse ou não quisesse deixar entrar situações que poderiam render um belo espaço para outro tipo de emoção, explorando melhor a relação do personagem com sua família, por exemplo. Uma pena.

+ DOIS FILMES

INCOMPATÍVEL

Uma comédia romântica com aquele gostinho de produção feita há alguns anos, inclusive com as mesmas situações desconfortáveis e constrangedoras que são confundidas com declarações de amor, que se transformaram em fórmulas do gênero. Mas INCOMPATÍVEL (2022) tem o seu atrativo, e muito disso vem do carisma (e do sorriso) de Nathalia Dill, que infelizmente faz muito mais televisão do que cinema. E há também que se dar crédito ao protagonista, Gabriel Louchard, criador da série HOMENS? e que aqui está muito bem, principalmente a partir do momento em que seu personagem entra em contato com a youtuber vivida por Dill, a responsável pelo fim de seu casamento. Embora o filme trate de situações bem atuais, como a utilização de redes sociais como substituição da cachaça (ou como acréscimo a ela), o diretor Johnny Araújo, de bons filmes como DEPOIS DE TUDO (2015) e LEGALIZE JÁ – AMIZADE NUNCA MORRE (2017), que funcionaram como veículos para louvar o rock e o comportamento dos anos 1980 e 90, parece estar um pouco fora de seu ambiente natural nesta comédia mais contemporânea.

RIO DE VOZES

Documentário que aborda a vida de algumas pessoas que moram em cidades às margens do Rio São Francisco, na Bahia e em Pernambuco, RIO DE VOZES (2019), de Andrea Santana e Jean-Pierre Duret, é um filme que trata tanto do estado preocupante do rio do ponto de vista ecológico, quanto de algumas pessoas encontradas durante as filmagens e que foram escolhidas para ficarem no corte final, principalmente gente ligada à pesca. Esse tipo de documentário é muito dependente do acaso, mas tem a sorte de encontrar alguns personagens bem interessantes e acho até que termina com a dupla de melhores personagens aparecendo no momento mais poético: uma estudante e seu avô octogenário que trabalha na roça cantando uma antiga canção. É um filme contemplativo, na medida que também nos chama para olhar a beleza do rio, especialmente quando banhado pela luz do sol.

AS ARANHAS - PARTE 2: O BARCO DE DIAMANTES (Die Spinnen, 2. Teil - Das Brillantenschiff)

A sequência de AS ARANHAS - PARTE 1: O LAGO DOURADO (1919) é decepcionante. Não que eu estivesse exatamente ansioso para ver o filme depois do interessante gancho que encerra o primeiro capítulo da série, já que, confesso, tenho um pouco de indisposição para o cinema mudo, mas a chance de ver uma história de vingança poderia me animar. Gosto de histórias de vingança. E era o mínimo que AS ARANHAS - PARTE 2: O BARCO DE DIAMANTES (1920) podia trazer. Quem imaginaria que Fritz Lang (também autor do roteiro) deixaria de lado o sentimento de luto do personagem para criar uma nova aventura baseada principalmente na rivalidade entre o playboy aventureiro Kay Hoog e sua arqui-inimiga Lio Sha, líder do grupo criminoso As Aranhas?

Pois é o que acontece. Assim, o que acompanhamos é essa aventura que traz um novo interesse para ambos, um lendário e precioso diamante conhecido como "cabeça de Buda". Sei que é possível estabelecer uma comparação desse filme com a série Indiana Jones, inclusive por Steven Spielberg também ser fã de aventuras à moda antiga como essa, mas é uma pena que, como cinema de entretenimento estilo montanha-russa, O BARCO DE DIAMANTES seja tão fraco. Acredito que nem é por ter envelhecido mal. Acredito que já na época o filme não teve muito sucesso popular; daí o cancelamento das posteriores duas sequências que estavam agendadas.

Ainda bem. Já basta Lang ter perdido a oportunidade de ter dirigido O GABINETE DO DR. CALIGARI, o grande clássico do expressionismo alemão, que foi parar nas mãos de Robert Wiene. E talvez tenha sido melhor assim, já que Wiene fez um trabalho brilhante e até hoje este clássico é algo que impressiona enormemente. Aliás, isso é uma prova de que meu problema não é exatamente com filme mudos, mas com filmes mudos que envelheceram mal ou que não são realmente bons.

Assim, foi difícil para mim chegar ao fim dos 104 minutos de O BARCO DOS DIAMANTES, por mais que em alguns momentos seja interessante ver algumas coisas de natureza mais fantástica, como um mestre dos disfarces (o John Quatro Dedos), o hipnotizador, o yogui que visualiza tudo, a tentativa do herói de entrar em um navio dentro de uma caixa, as mensagens secretas que levam a uma ilha do tesouro e, principalmente, a fascinante cidade subterrânea que fica debaixo do bairro de Chinatown.

E, por mais que fosse mesmo a intenção do filme de ser superficial, não deixa de ser ruim não ter o mínimo de profundidade para que estabeleçamos algum elo com os personagens. Assim, o próprio herói, ao praticamente não lembrar o assassinato de sua namorada no filme anterior, acaba parecendo tão frio e tão interesseiro quanto sua inimiga e os membros do grupo Aranhas. E se fosse isso mesmo, ter um herói próximo de um vilão, até que seria interessante, mas tudo faz parte do jogo de superficialidade desse "filme de sensação" que naufragou. Agora, vamos ver como me sairei com o próximo Lang. Dedos cruzados.

+ TRÊS FILMES

MISTÉRIO NA COSTA CHANEL (Ma Loute)

Continuação espiritual de O PEQUENO QUINQUIN (2014), este novo filme é mais carregado na comédia, mas achei uma beleza. Pode até não ser melhor que o anterior, mas é mais engraçado. Especialmente porque os atores parecem estar se divertindo muito com seus papéis. E eu fiquei encantado com Raph!!! Que coisa linda essa moça! Direção: Bruno Dumont. Ano: 2016.

DEPOIS DAQUELA MONTANHA (The Mountain between Us)

Gosto de muita coisa do filme, embora nem sempre o casal pareça ter uma química dessas bem forte. Ainda assim, é um drama envolvente, tem uma cena de queda de avião ótima e a Kate Winslet é sempre uma maravilha de ver e de ouvir. A sessão de pré-estreia quase não rolou, com problemas técnicos que depois foram resolvidos. Mas teve gente que não teve paciência e foi embora. Direção: Hany Abu-Assad. Ano: 2017.

TERRA SELVAGEM (Wind River)

Há neste filme uma das melhores cenas do ano (de 2017), e gosto muito da personagem da Elizabeth Olsen, por mais que ela não seja tão aprofundada, e, claro, da ambientação, que lembra muito a de A QUALQUER CUSTO (2016). Mas não foi um filme que fez eu me esquecer dos meus problemas. Quem sabe em outras circunstâncias. Direção: Taylor Sheridan. Ano: 2017.

AS ARANHAS - PARTE 1: O LAGO DOURADO (Die Spinnen, 1. Teil – Der Goldene See)

Por enquanto ainda é um ensaio para uma peregrinação futura. Sou um cinéfilo de muitos anos de filmes, mas há coisas de que me envergonho, que é ter tantas lacunas na filmografia de certos cineastas importantes. Não vou citar um monte de nomes aqui, mas Fritz Lang é um deles. Devo ter visto apenas cinco filmes de sua vasta filmografia. E o motivo de eu ter adiado tantas vezes o passeio por sua obra é o fato de ele ter muitos filmes na fase muda, sendo que vários desses trabalhos têm uma duração enorme. Então, talvez eu reveze com filmes falados, ou até mesmo deixe alguns dos mudos para bem depois, especialmente aqueles que estiverem em qualidade de imagem ruim.

Não é o caso deste AS ARANHAS - PARTE 1: O LAGO DOURADO (1919), cuja cópia está linda, feita a partir de negativos encontrados na Bélgica. O filme é a primeira parte de um seriado que deveria ser feito em quatro episódios. O primeiro fez tanto sucesso que Lang, que iria dirigir O GABINETE DO DR. CALIGARI, teve que se dedicar logo à continuação, que seria lançada no ano seguinte. Não foram feitos as outras duas sequências previstas inicialmente.

O LAGO DOURADO tem o espírito das matinês, com um herói vivendo uma aventura em um lugar exótico e uma vilã cheia de maldade, algo notado desde sua apresentação. No caso, o herói aqui é Kay Hoog (Carl de Vogt) que encontra um manuscrito dentro de uma garrafa que acaba por levá-lo até a Cordilheira dos Andes, onde haveria supostamente um tesouro inestimável da civilização inca. Sabendo de seus planos, sua arqui-inimiga, Lio Sha (Ressel Orla), que gerencia uma organização secreta e criminosa chamada As Aranhas, sequestra os planos e descobre o lugar. Lá eles se encontrarão, tendo que encarar uma tribo que planeja fazer um sacrifício humano para trazer de volta sua gloriosa civilização.

Engraçado que eu estava há tanto tempo afastado dos filmes mudos que demorei a me acostumar de novo, por mais que tenha visto todos os trabalhos silenciosos de Hitchcock, de Dreyer, a maioria de Chaplin, de Hawks, além de um ou outro Ford ou Walsh. Ainda assim, é muito pouco. Então, o que percebi é que teria que ter o dobro de atenção para a trama, já que o modo como são apresentados os personagens, através das cartelas, é um tanto complicado para quem vê o filme "em fascículos" ou tem a memória ruim. Nesse caso, seria interessante fazer algumas anotações.

Acredito que o fato de ver uma obra de pouco mais de uma hora de duração e ter ficado um pouco impaciente tenha a ver com os tempos complicados em que estamos vivendo. Portanto, me perdoem. Estou me esforçando. E ter o cinema como aliado para trazer ânimo e entusiasmo para não apenas ressuscitar o blog, como também me enriquecer de cultura e de grande arte tem sido uma bênção.

Ah, só um pouco sobre a descrição que Peter Bogdanovich faz de Fritz Lang em seu livro Afinal, Quem Faz os Filmes. Pelo visto, Lang não era uma figura fácil e bem pouco simpática. Alguns atores que trabalharam com ele depois se recusariam a trabalhar novamente, como Spencer Tracy e Henry Fonda, e Jean Renoir ficou bastante insatisfeito com os dois remakes de obras suas feitas por Lang - ALMAS PERVERSAS (1945) e DESEJO HUMANO (1954) -, principalmente pelo fato do cineasta alemão ter danificado os negativos de seus filmes originais para a realização das refilmagens hollywoodianas. Ao final do texto de apresentação, Bogdanovich afirma que sua "personalidade e perspectiva sombrias refletiam dolorosamente a escuridão do nosso século".

+ TRÊS FILMES

O HOMEM QUE MATOU DOM QUIXOTE (The Man Who Killed Don Quixote)

Para ser sincero, o único filme do Gilliam que eu gostei de verdade foi o que ele fez para o Monty Python. Nem sei se ia gostar de PESCADOR DE ILUSÕES (1991) na revisão (na época lembro de ter simpatizado). Mas eu simpatizo com a persistência dele em querer fazer o tal filme com o Dom Quixote. Este aqui provavelmente não é como ele concebeu inicialmente (não vi o doc PERDIDO EM LA MANCHA, 2002), mas tem a vantagem de ter o Adam Driver, puta ator, e o Jonathan Pryce também. Pena que o filme tem um problema de ritmo incômodo, parecendo muito mais longo do que é. A personagem feminina mais interessante, Angelica, é vivida pela portuguesa Joana Ribeiro. Direção: Terry Gilliam. Ano: 2018.

1945

Um filme que em momento nenhum me conquistou. E assim fica complicado. Nem visualmente (achei uma fotografia preto e branco genérica até), nem em sua trama que procura armar um suspense em torno da chegada de dois judeus na Hungria durante o fim da Segunda Guerra. A personagem mais interessante, a noiva, não é explorada. Direção: Ferenc Török. Ano: 2017.

VIDAS À DERIVA (Adrift)

Tenho impressão de ter visto muitos filmes sobre pessoas à deriva em alto mar. Mas talvez não tenham sido tantos assim. Não vou conseguir enumerar muitos. Este aqui oferece um novo olhar. Bem montado com idas e vindas no tempo e com graus de tristeza e desesperança que caem bem para a história. Shailene está ótima. Direção: Baltasar Kormákur. Ano: 2018.

NOSFERATU (Nosferatu, eine Symphonie des Grauens)

NOSFERATU (1922) é daqueles filmes obrigatórios. Especialmente para alguém que se autointitula "cinéfilo". Mas eu sei que tenho muitas lacunas e não procuro escondê-las. Tinha visto um trecho do filme uma ou duas vezes na televisão, sem falar que é o tipo de obra que, mesmo não vendo, é como se tivesse visto, captado da memória do inconsciente coletivo, se é que existe tal coisa. Essa impressão naturalmente se deve também às tantas citações do filme em documentários ou em livros. Assim, a aparição de Max Schreck no papel do vampiro de visual animalesco, parecendo um rato e antecipando as unhas de Zé do Caixão, deixa de ser uma novidade.

Também temos que ter em mente que quando NOSFERATU foi feito, todos os clichês que conhecemos de filmes de vampiro não existiam ainda. E a própria figura do Conde Orlok, que não é chamado de Drácula por causa de problemas com direitos autorais com a família de Bram Stoker, seria mudada radicalmente a partir de DRÁCULA, de Tod Browning, no começo da era do cinema falado, quando o príncipe das trevas ganharia um ar de conquistador.

O fato de ser dirigido por F.W. Murnau dá um ar de ainda maior respeitabilidade à obra, já que se trata de um dos maiores e mais criativos cineastas de todos os tempos. Por mais que NOSFERATU não seja tão inventivo e tão cheio de manobras quanto A ÚLTIMA GARGALHADA (1924) e principalmente AURORA (1927), trata-se de uma obra singular.

O que conta é mais o visual e a forma como é contada a história do que a história em si, que é velha conhecida de todos hoje em dia. Na trama, o jovem Hutter é enviado ao castelo do Conde Orlok, na Transilvânia, a fim de lhe vender uma casa localizada justamente em frente à sua. A caminhada até o castelo é complicada e cheia de obstáculos (sem falar no medo dos habitantes do vilarejo), mas o pior estaria lá no tal castelo. Orlok aceita comprar a casa e fica especialmente interessado na esposa de Hutter, Ellen.

NOSFERATU é um dos filmes que melhor representam o Expressionismo Alemão, junto com O GABINETE DO DR. CALIGARI, de Robert Wiene. Muito provavelmente a situação político-social na Alemanha nazista acabou sendo propícia para que filmes do gênero horror combinassem mais com o movimento e com o momento em si, ainda que no caso dessas obras isso possa ter ocorrido inconscientemente. No fim das contas, Murnau só queria mesmo filmar uma boa história de horror, possivelmente o seu gênero favorito, já que faria anos depois FAUSTO (1926) e em AURORA o horror também está presente, só que de maneira mais realista, o que acaba sendo mais pungente.

NOSFERATU ganharia um remake bem interessante, dirigido por Werner Herzog em 1979, mas isso é assunto para outra postagem.

TOP 20 2012 E O BALANÇO DO ANO

1. O SOM AO REDOR, de Kleber Mendonça Filho
2. A MÚSICA SEGUNDO TOM JOBIM, de Nelson Pereira dos Santos e Dora Jobim
3. O GAROTO DA BICICLETA, de Jean-Pierre e Luc Dardenne
4. EU RECEBERIA AS PIORES NOTÍCIAS DOS SEUS LINDOS LÁBIOS, de Beto Brant e Renato

5. O PORTO, de Aki Kaurismäki
6. PROMETHEUS, de Ridley Scott
7. A GUERRA ESTÁ DECLARADA, de Valérie Donzelli
8. COSMÓPOLIS, de David Cronenberg

9. DEUS DA CARNIFICINA, de Roman Polanski
10. 007 – OPERAÇÃO SKYFALL, de Sam Mendes
11. SHAME, de Steve McQueen
12. TIO BOONMEE, QUE PODE RECORDAR SUAS VIDAS PASSADAS, de Apichatpong Weerasethakul

13. O IMPOSSÍVEL, de Juan Antonio Bajon
14. À BEIRA DO CAMINHO, de Breno Silveira
15. A INVENÇÃO DE HUGO CABRET, de Martin Scorsese
16. MÃE E FILHA, de Petrus Cariry

17. OS DESCENDENTES, de Alexander Payne
18. O QUE SE MOVE, de Caetano Gotardo
19. JOGOS VORAZES, de Gary Ross
20. A ARTE DE AMAR, de Emmanuel Mouret

Menções honrosas (ou filmes que quase entraram no top 20): A DELICADEZA DO AMOR, de David e Stéphanie Foenkinos; ARGO, de Ben Affleck; TÃO FORTE E TÃO PERTO, de Stephen Daldry; AS AVENTURAS DE PI, de Ang Lee; BELEZA ADORMECIDA, de Julia Leigh; AS AVENTURAS DE TINTIM, de Steven Spielberg; CONSPIRAÇÃO AMERICANA, de Robert Redford; L’APOLLONIDE – OS AMORES DA CASA DE TOLERÂNCIA, de Bertrand Bonello; SUPER NADA, de Rubens Rewald e Rossana Foglia; e O LEGADO BOURNE, de Tony Gilroy.

Poderia citar mais. Poderia fazer um top 40 só com filmes ótimos. 2012 foi um ano bem especial para o cinema. Em comparação com o ano passado foi muito melhor em quantidade de lançamentos de qualidade. E olha que ainda temos um sério problema de distribuição em nosso circuito e eu ainda tenho o agravante de morar em uma cidade que não traz todos os filmes que eu gostaria que trouxesse. Na verdade, a maioria não vem mesmo para os cinemas locais. A proliferação de salas ocupadas com filmes dublados e em 3D complica a chegada de certos filmes em cidades como esta, que ainda teve o problema de ter uma interrupção de exibição nas salas do Dragão do Mar no segundo semestre. Esperemos que retornem com grandes filmes. Importante observar que dos 20 filmes escolhidos, cinco passaram no Dragão do Mar, embora O PORTO, eu tenha visto em São Paulo.

Agora, difícil eu falar de 2012 e não mencionar a triste perda do nosso querido Carlão Reichenbach, o homem responsável não só por um cinema brasileiro de invenção e inteligente, mas também por ter sido responsável por eu estar aqui, escrevendo neste blog, pois foi graças a ele que eu conheci tantas pessoas especiais. Qualquer homenagem que eu faça a este homem é pequena. Então, 2013, apesar de prometer muitas coisas boas, vai ser o primeiro ano sem Carlos Reichenbach. Quer dizer, ainda o veremos em uma produção, atuando como ator: AVANTI POPOLO, de Michael Wahrmann, filme premiado no Festival de Roma.

Tirando este incidente desagradável, 2012 foi um ano muito bom para o cinema brasileiro. Pode-se notar pela quantidade de produções nacionais que integram o meu top 20: seis filmes! E seriam sete, se tivesse visto TRABALHAR CANSA no cinema, já que este top 20 é de apenas filmes vistos no cinema. Os filmes que vejo em casa brigam com os clássicos para entrar num top 20 à parte: o top 20 da telinha, mais abaixo.

Como não estou dando satisfação a regras de outros, mas apenas a minha mesmo, entram também filmes vistos em festivais. Assim, não consegui evitar em premiar o sensacional O SOM AO REDOR, de Kleber Mendonça Filho, visto no Festival de Gramado, e que está sendo louvado pela crítica internacional como um dos melhores filmes de 2012. Merecido. Há outro filme de Gramado também em minha lista: o belíssimo O QUE SE MOVE, de Caetano Gotardo.

Dentre os que estrearam no circuito, A MÚSICA SEGUNDO TOM JOBIM foi uma festa para os sentimentos. E olha que não me considero fã do maestro, mas saí do cinema em estado de graça. Recomendei o filme a tantas pessoas, mas a maioria não deu muita bola. Quem viu sabe do que eu estou falando. Outro que esteve entre os meus favoritos desde antes de sua estreia foi EU RECEBERIA AS PIORES NOTÍCIAS DOS SEUS LINDOS LÁBIOS, mais um trabalho de Beto Brant e Renato Ciasca. Brant, sozinho ou com o amigo, é o meu cineasta brasileiro favorito atualmente. E cada filme seu é recebido com entusiasmo por mim.

Os outros dois filmes brasileiros da lista não poderiam ser mais diferentes: À BEIRA DO CAMINHO, de Breno Silveira, é um melodrama acessível, bonito, com canções do Rei; MÃE E FILHA, de Petrus Cariry, é um filme difícil, sofisticado, cheio de possíveis significações. E um trabalho feito por um cearense, orgulho de nosso estado.

A lista também está rica em filmes mais alternativos, como o belíssimo O GAROTO DA BICICLETA, dos irmãos Dardenne; ou o estranhamente terno O PORTO, do cineasta finlandês Aki Kaurismäki; ou o desafiador COSMÓPOLIS, de David Cronenberg; ou o ganhador da Palma de Ouro TIO BOONMEE, QUE PODE RECORDAR SUAS VIDAS PASSADAS, do tailandês Apichatpong Weerasethakul, que estreou no circuito brasileiro no ano passado, mas que só veio aos cinemas de Fortaleza neste ano. Aliás, deve ter uns dois ou três na lista nessas condições.

O ano foi tão bom que até os blockbusters foram animadores. Obras de arte lindas de se ver em sua grandiosidade épica. Filmes como PROMETHEUS, de Ridley Scott; JOGOS VORAZES, de Gary Ross; ou 007 – OPERAÇÃO SKYFALL, de Sam Mendes, são exemplos de como o cinema de arte se mistura em qualidade com o cinemão. Aliás, quem diria que um dia um filme de James Bond apareceria numa lista de melhores do ano feita por mim? Eu, que nunca fui fã da franquia.

Foi também um ano muito bom para o cinema francês, com tantos filmes bonitos que até doeu ter que cortar alguns da lista. Entraram o melodrama A GUERRA ESTÁ DECLARADA, de Valérie Donzelli; e a comédia A ARTE DE AMAR, de Emmanuel Mouret. Nas menções honrosas, é possível ver outros belíssimos exemplares.

Dos filmes indicados ao Oscar 2012, pelo menos dois representantes aparecem: A INVENÇÃO DE HUGO CABRET, de Martin Scorsese, e OS DESCENDENTES, de Alexander Payne. Curiosamente, a gente espera tanto pelos filmes do Oscar e quando chega a lista do final do ano, são poucos os que merecem o devido crédito.

Além destes, um cineasta veterano como Roman Polanski trouxe uma adaptação de uma peça teatral para o cinema e fez muita gente se deliciar entre quatro paredes com o seu DEUS DA CARNIFICINA; e um cineasta mais novo como Steve McQueen e seu SHAME confirma a vitalidade do cinema da atualidade. Pra completar, ainda encerramos o ano com um trabalho excepcional de Juan Antonio Bajon, O IMPOSSÍVEL, que mexeu com a lista até então defintiva de melhores do ano de muita gente.

Há vários filmes bem badalados pela crítica nacional e internacional que infelizmente não chegaram por aqui ainda e que possivelmente integrarão a lista dos melhores de 2013. Acho que não preciso citar os títulos aqui.

Os piores

Depois da glória dos melhores, um pouco da tristeza dos piores. Eis os cinco títulos escolhidos, sem o nome de seus diretores para não gerar constrangimento:

1. O PACTO
2. ATÉ QUE SORTE NOS SEPARE
3. BATTLESHIP – A BATALHA DOS MARES
4. TOTALMENTE INOCENTES
5. O DITADOR

As séries 

Dentre as séries novas, só vi uma, e já posso colocá-la como destaque, que é GIRLS, trabalho excepcional de Lena Dunham. As demais séries que foram muito bem no ano passado, como GAME OF THRONES, THE KILLING e HOMELAND, apresentaram leve queda de qualidade, mas não tão grave a ponto de abandoná-las. THE WALKING DEAD, por outro lado, continua tão boa na terceira como foi na segunda temporada. Outras séries que continuo vendo com prazer: THE BIG BANG THEORY, DEXTER e AMERICAN HORROR STORY. Mas a série que eu mais vi neste ano foi HOUSE, que se despediu das telinhas depois de oito temporadas.

Top 5 "Musas do Ano"

Nathalia Dill (PARAÍSOS ARTIFICIAIS)

Kate Beckinsale (O VINGADOR DO FUTURO)

Camila Pitanga (EU RECEBERIA AS PIORES NOTÍCIAS DOS SEUS LINDOS LÁBIOS)

Jennifer Lawrence (JOGOS VORAZES)

Emma Roberts (A ARTE DA CONQUISTA)

Ao contrário do ano passado, que ficou faltando brasileira na lista, na fartura de 2012, escolhi duas lindas brasileiras que não só embelezaram os filmes, mas que os tornaram especiais. Além delas, Jennifer Lawrence comparece pela segunda vez; Kate Beckinsale é linda até quando é malvada; e Emma Roberts lembra aquele amor da adolescência que nos deixava sonhando acordados.

Melhores vistos na telinha 

Por mais que a lista lá de cima seja ótima, não se compara a esta aqui, cheia de clássicos e obras-primas de décadas passadas e trabalhos recentes excepcionais. Em ordem alfabética:

A CAIXA DE PANDORA, de Georg Wilhelm Pabst
A MULHER QUE INVENTOU O AMOR, de Jean Garrett
CINZAS QUE QUEIMAM, de Nicholas Ray
CONTOS DA LUA VAGA, de Kenji Mizoguchi
DELÍRIO DE LOUCURA, de Nicholas Ray
FREUD – ALÉM DA ALMA, de John Huston
MADAME BOVARY, de Claude Chabrol
MARGARET, de Kenneth Lonergan
MARTHA MARCY MAY MARLENE, de Sean Darkin
MARTY, de Delbert Mann
MEMÓRIAS DO CÁRCERE, de Nelson Pereira dos Santos
O ANJO DA NOITE, de Walter Hugo Khouri
O ESTRANHO CASO DE ANGÉLICA, de Manoel de Oliveira
O GABINETE DO DR. CALIGARI, de Robert Wiene
O RESGATE DO BANDOLEIRO, de Budd Boetticher
PROCURANDO ELLY, de Asghar Farhadi
REI DOS REIS, de Nicholas Ray
SEDUÇÃO DO PECADO, de Raoul Walsh
TRABALHAR CANSA, de Marco Dutra e Juliana Rojas
VALE ABRAÃO, de Manoel de Oliveira

Revisões 

A VOLTA DOS MORTOS-VIVOS, de Dan O’Bannon
ALMA CORSÁRIA, de Carlos Reichenbach
AMOR À QUEIMA-ROUPA, de Tony Scott
AS CARIOCAS, de Fernando de Barros, Walter Hugo Khouri e Roberto Santos
CINEMA DE LÁGRIMAS, de Nelson Pereira dos Santos
CLAMOR DO SEXO, de Elia Kazan
FUGA PARA ODESSA, de James Gray
JOHNNY GUITAR, de Nicholas Ray
JUVENTUDE TRANSVIADA, de Nicholas Ray
MASTERS OF HORROR - THE BLACK CAT, de Stuart Gordon
O BANDIDO DA LUZ VERMELHA, de Rogério Sganzerla
O CIRCO, de Charles Chaplin
OS IMPERDOÁVEIS, de Clint Eastwood
SCARFACE, de Brian De Palma
SINGULARIDADES DE UMA RAPARIGA LOURA, de Manoel de Oliveira
SPIDER - DESAFIE SUA MENTE, de David Cronenberg
TODA NUDEZ SERÁ CASTIGADA, de Arnaldo Jabor

Feliz ano novo! 

E encerro este tradicional post para deixar os votos de um 2013 cheio de bênçãos: muita paz, amor e saúde, que são ingredientes básicos pra gente seguir acreditando na vida. E também outras coisas que vários de nós almejamos e que gostaríamos de ver materializadas, como sucesso profissional e acadêmico, inspiração na hora de escrever, sabedoria, realização financeira e parcerias de sucesso no campo afetivo. É pedir muito? Acho que não. :)

TOP 20 ANOS 20

1. AURORA, de F.W. Murnau
2. O CIRCO, de Charles Chaplin
3. A CAIXA DE PANDORA, Georg Wilhelm Pabst
4. O GABINETE DO DR. CALIGARI, de Robert Wiene

5. CHANTAGEM E CONFISSÃO, de Alfred Hitchcock
6. SEDUÇÃO DO PECADO, de Raoul Walsh
7. O GAROTO, de Charles Chaplin
8. A ÚLTIMA GARGALHADA, de F.W. Murnau

9. O MONSTRO DO CIRCO, de Tod Browning
10. A PAIXÃO DE JOANA D’ARC / O MARTÍRIO DE JOANA D'ARC, de Carl T. Dreyer
11. A GENERAL, de Buster Keaton e Clyde Bruckman
12. O CAVALO DE FERRO, de John Ford

13. O LOCATÁRIO / O INQUILINO SINISTRO / O PENSIONISTA, de Alfred Hitchcock
14. HÄXAN – A FEITIÇARIA ATRAVÉS DOS TEMPOS, de Benjamin Christensen
15. EM BUSCA DO OURO, de Charles Chaplin
 16. O ILHÉU, de Alfred Hitchcock

17. A QUARTA ALIANÇA DA SRA. MARGARIDA, de Carl T. Dreyer
18. THE PLEASURE GARDEN, de Alfred Hitchcock
19. O ENCOURAÇADO POTEMKIN, de Sergei Eisenstein
20. METRÓPOLIS, de Fritz Lang

Se fosse uma outra década, eu poderia me dar ao luxo de colocar um filme por diretor, escolher entre uma centena ou entre centenas de opções. Mas infelizmente, sou ainda um leigo no que se refere aos anos silenciosos do cinema. Só recentemente, por exemplo, tive o prazer de conferir algumas dessas pérolas. Outras, acabei vendo por causa do diretor, casos de Hitchcock e Dreyer. Este último comparece com o dramático A PAIXÃO DE JOANA D’ARC e com um filme pouco conhecido, A QUARTA ALIANÇA DA SRA. MARGARIDA.

Charles Chaplin é que é um caso excepcional: ao mesmo tempo popular e cultuado, respeitado por todas as classes e fácil, muito fácil de ser gostado. Tanto que na relação, constam três filmes do diretor, O CIRCO, O GAROTO e EM BUSCA DO OURO. Os dois primeiros estão entre os meus favoritos dele, junto com outros dois filmes que ele realizaria nas décadas de 1930 e 1950, respectivamente. São filmes que mostram a genialidade do diretor e que contém cenas que já habitam o inconsciente coletivo do mundo ocidental.

Do mundo mais ou menos oriental, sempre tive muita resistência a ver os filmes do Sergei Eisenstein e acabei não gostando tanto assim de O ENCOURAÇADO POTEMKIN, mas é difícil não perceber a importância desse filme, especialmente ao ver a tão famosa sequência das escadarias de Odessa. Outro que só tinha ouvido falar mas que gostei demais foi A CAIXA DE PANDORA, de Pabst. Mas esse eu acho que fui ver com uma melhor predisposição, querendo apreciar a beleza de Louise Brooks, que ajuda a compor essa tragédia extraordinária. Nesses dias, também tive a oportunidade de ver o marco maior do expressionismo alemão, O GABINETE DO DR. CALIGARI, que conta com sequências lindamente arrepiantes. 

Falando em horror, como não ficar incomodado e ao mesmo tempo impressionado com O MONSTRO DO CIRCO, de Tod Browning? Era, sem dúvida, um cineasta sem igual. E o enredo de O MONSTRO DO CIRCO é algo de doentio. Também tangenciando esse terreno do horror está a produção híbrida HÄXAN – A FEITIÇARIA ATRAVÉS DOS TEMPOS, uma espécie de documentário sobre as monstruosidades que se fazia na Idade Média por causa da ignorância e da superstição.

De Alfred Hitchcock, o mestre do suspense, aparece o único filme falado dos vinte. O primeiro filme falado produzido na Inglaterra: CHANTAGEM E CONFISSÃO. Completam o quarteto, os ótimos O ILHÉU, O INQUILINO SINISTRO e a estreia do mestre na direção já com o pé direito: THE PLEASURE GARDEN. Outro cineasta que aparece mais de uma vez, mas que provavelmente apareceria mais se eu tivesse visto mais filmes dele é F.W. Murnau, que comparece com os geniais AURORA (ocupando a primeiríssima posição) e A ÚLTIMA GARGALHADA, obra-prima feita sem uso de nenhum intertítulo.

Dois queridos pioneiros de Hollywood, John Ford e Raoul Walsh, comparecem com duas obras bem distintas, mas ambiciosas à sua maneira. Do cineasta aventureiro, o intenso drama SEDUÇÃO DO PECADO; e do "Homero americano", o épico O CAVALO DE FERRO, sobre a construção das primeiras ferrovias nos Estados Unidos.  De Buster Keaton, outro cineasta americano importantíssimo e gênio das comédias, A GENERAL é um de seus mais lembrados filmes, embora ele tenha feito curtas-metragens ainda melhores.

Fechando o círculo dos vinte, a ficção científica METRÓPOLIS, de Fritz Lang, que acabou na última posição porque na verdade eu não gostei muito da experiência de vê-lo na primeira e única vez, numa cópia horrível da Continental. Quem sabe numa cópia melhor e vendo na ordem cronológica dos filmes de Lang ele ganha mais importância para mim. Aliás, sou carente de Lang de quase todas as épocas.

E é isso. Sem dúvida, há ausências, muitas ausências: Griffith, Stroheim, Abel Gance, Vertov, Vidor, Sjöström, Flaherty, Sternberg, Lubitsch, De Mille, Paul Leni, entre outros. Dívidas que pretendo pagar um dia.

Post feito por ocasião de formação do ranking da década, promovida pela Liga dos Blogues Cinematográficos. O resultado final, depois da contagem dos votos, sairá em breve.