LUGAR NENHUM DA ÁFRICA (Nirgendwo in Afrika)



Acabei de chegar da sessão desse bonito drama alemão ganhador do Oscar de melhor filme estrangeiro em 2003. Trata-se de um filme difícil de não gostar. As duas horas e vinte minutos que passamos durante a projeção do filme são prazerosas.

LUGAR NENHUM DA ÁFRICA (2001) conta a história da família de judeus alemães que se viram obrigados a sair do clima de opressão que se instalava na Alemanha de Hitler. Na verdade, o casal e a filha tiveram sorte de terem saído do país na hora certa. Conseguiram escapar de serem enviados para os campos de concentração. Por outro lado, tiveram que se adaptar a um mundo totalmente diverso do seu. Tiveram que aprender uma língua diferente, viver num país miserável (Quênia), perder o status que tinham na Europa (o personagem principal, Walter, por exemplo, era juiz de direito na Alemanha).

O filme tem um estilo de narrativa clássico, sem pretensões de se criar uma obra-prima, mas é contado com uma habilidade e uma delicadeza que encantam. Muito bem trabalhado no filme o relacionamento da família com o cozinheiro, o afeto que ele cria com a garotinha. As duas atrizes que fazem a garotinha Regina são ótimas, encantadoras.

Pode parecer piegas, mas LUGAR NENHUM NA ÁFRICA nos mostra que devemos tratar bem as pessoas, sem ligar para status social; mostra que devemos respeitar as culturas estranhas à nossa, e agir com a espontaneidade da garotinha Regina, que tinha um profundo respeito pelas crenças africanas; mostra que por mais que odiemos um lugar, vai chegar a hora que nós vamos nos apegar a ele e amá-lo até mais do que o nosso lugar de origem.

O filme está sendo lançado em DVD e VHS esse mês, mas parece que a distribuidora está lançando apenas em fullscreen. Uma pena, já que a fotografia em scope do filme é belíssima.

A PAIXÃO DE CRISTO (The Passion of the Christ)



“Por isso é duvidoso ter-se despedido Cristo da vida com as palavras da escritura, as de Mateus e Marcos, Deus meu, Deus meu, por que me desamparaste, ou as de Lucas, Pai, nas tuas mãos entrego meu espírito, ou as de João, Tudo está cumprido, o que Cristo disse foi, palavra de honra, qualquer pessoa popular sabe que é esta a verdade, Adeus, mundo, cada vez a pior.”
(José Saramago – "O Ano da Morte de Ricardo Reis")

Hoje fui ver o filme que eu mais aguardava nesse ano. Fiquei interessado desde as primeiras notícias que li sobre as filmagens. Achei fascinante a idéia de se fazer um filme relatando as últimas horas de Jesus, utilizando-se das línguas originais, latim e aramaico. Mas depois vieram as notícias polêmicas: o anti-semitismo que o filme tem provocado, o excesso de violência nas cenas do flagelo de Jesus, o sofrimento físico pelo qual passou Jim Caviezel durante as filmagens (dizem que até um raio caiu perto de sua cabeça), os depoimentos de Mel Gibson dizendo que o filme foi dirigido pelo Espírito Santo, a notícia de que uma mulher morreu de ataque cardíaco enquanto assistia ao filme nos EUA, entre outras.

Boa parte disso aí é verdade. Há, sim, no filme, uma tendência a depositar a maior parte da culpa da morte de Jesus aos judeus. Mas até que Gibson suaviza um pouco, colocando Satanás, perto dos fariseus, os enfeitiçando e os dominando. Nos evangelhos, Satanás nem aparece nessas últimas horas de Jesus na Terra. Na Bíblia, a culpa é toda dos homens, ao mesmo tempo que é um plano divino com o objetivo de se cumprirem as profecias de Isaías e Jeremias.

No filme, os homens são pintados de maneira exagerada, principalmente os fariseus, liderados por Caifás, e os flageladores romanos, que insistiam em ficar rindo a cada chibatada que davam em Jesus. Mas o que pode incentivar ainda mais o ódio do povo aos judeus é o fato de que, no filme, Pilatos, o governador romano da Judéia, é mostrado quase como um homem bondoso.

Tirando esses problemas, até difíceis de se evitar, levando-se em consideração a necessidade de se mostrar a maldade humana de maneira explícita, o filme é um sucesso (e não falo apenas financeiramente). As seqüências mais emocionantes são as cenas do afeto de duas mulheres: Maria, mãe de Jesus, durante o trajeto para o Calvário, falando com o filho, e a cena em que outra mulher tenta dar água a Jesus, mas é impedida pelos guardas romanos.

Por falar nisso, muito bonita a seqüência que mostra Jesus dando uma demonstração de afeto à sua mãe, enquanto exercia o ofício da carpintaria, durante um dos flashbacks. Isso foi uma das liberdades que Mel Gibson tomou, já que na Bíblia não há demonstração de afeto de Jesus para com Maria. Outra liberdade tomada por Gibson foi colocar a cena do corvo bicando o olho do ladrão crucificado que zombava de Jesus. Mas essas liberdades funcionaram muito bem.

O espetáculo de violência e perversidade humana termina em clima de alívio, com a cena da chuva no Calvário, da destruição do templo de Jerusalém, e o desfecho no sepulcro. A PAIXÃO DE CRISTO não é um filme que eu veria novamente tão cedo. É muito intenso e doloroso pra se ver várias vezes, mas é bom tanto quanto cinema, quanto como demonstração de fé.

SOL VERMELHO (Soleil Rouge / Red Sun)



Esse filme de Terence Young (diretor do primeiro filme de James Bond) traz três ícones do cinema mundial: Charles Bronson (EUA), Toshiro Mifune (Japão) e Alain Delon (França). Pra completar, a mais sexy das bondgirls está presente no elenco, trazendo um pouco de beleza àquele ambiente árido do velho oeste.

Na trama, Bronson é um fora-da-lei que é traído pelo parceiro de crime (Alain Delon), após um assalto a trem. Também presente no trem está Toshiro Mifune, um samurai que acompanha o embaixador do Japão em visita aos EUA. Com o objetivo de vingar um amigo samurai assassinado pelo bando de Delon e pegar de volta a espada roubada, ele se junta a Charles Bronson a fim de encontrar o bandido. Cada um com um objetivo: Bronson quer o dinheiro do assalto; Mifune quer a morte de Delon e a espada milenar roubada. Caso ele não consiga pegá-lo em tempo hábil, ele praticará harakiri.

Interessante que o filme antecipa um pouco o que se viu recentemente em O ÚLTIMO SAMURAI. Há aqui também um samurai que sabe que é um ser em extinção por causa das mudanças que o Japão estava passando. O personagem de Toshiro Mifune é o que mais dá dignidade ao filme, que é contado de maneira bem leve, como uma aventura. Bronson também está bem, interpretando o mesmo tipo visto na maioria de seus filmes, com aquela expressão tranqüila e quase sempre sorrindo. Já Delon está bem canastrão como o vilão da história. O clichê dos dois sujeitos totalmente diferentes que se tornam amigos não chega a incomodar e funciona muito bem na história.

O filme é de 1971 e já a partir dos anos 60 era comum fazerem westerns protagonizados por foras-da-lei, ao contrário dos westerns da década de 40 e 50, mais centrados em homens da lei ou pessoas de caráter, ainda que a maioria seja tudo matador de índio. Por falar em índios, os comanches dão um toque todo especial ao clima selvagem da época.

A fita que eu peguei já estava bem velhinha e com a imagem meio borrada. Mas perfeitamente assistível.

EMANUELLE IN AMERICA



Depois de anos de curiosidade, pude finalmente conferir esse filme, tão comentado entre os cinéfilos antenados em cinema underground. Porém, EMANUELLE IN AMERICA (1977) me decepcionou bastante. Primeiro porque eu estava esperando um filme mais centrado na trama dos snuff movies, além de excitantes cenas de sexo. Mas não é bem isso que encontrei: a trama sobre os snuffs só acontece no final do filme, depois de muita enrolação, e as mulheres não são bem o exemplo de beleza estética, o que prejudica o fator paudurescente do título. Acho que o problema é que eu me acostumei com o padrão de beleza atual, em que as mulheres aparecem na mídia sem celulite, com corpos perfeitos. Nos anos 70, não havia toda essa obsessão pelo corpo como há hoje. Há poucas mulheres bonitas no filme, destaque para aquela que masturba o cavalo.

Aliás, a cena do cavalo é um dos pontos altos do filme. A mulher tira a roupa e vai lá acariciar o imenso cacete do bicho e ele fica lá relinchando. Hehehe.. As cenas de sexo explícito são normais, nada de extraordinário ou mesmo excitante. Laura Genser, a Emanuelle negra, não protagoniza nenhuma das tais cenas explícitas. Tudo fica a cargo das profissionais do gênero.

Na história, Emanuelle é uma repórter fotográfica que investiga o submundo do sexo entre milionários excêntricos. Até que certo dia, ela flagra uma fita contendo uma mulher sendo agredida e assassinada sadicamente em frente às câmeras. A seqüência do filme snuff é o ponto alto, acordando um pouco do torpor que permeia quase todo o filme.

O espírito libertário (ou libertino, depende de quem o vê) dos anos 70 nem sempre é fácil de ser assimilado pelas novas platéias (me considero uma dessas novas platéias). Como eu já havia falado aqui quando comentei sobre SWEET MOVIE, do Makajev, é preciso entrar no clima da época pra apreciar certos aspectos do filme. Mas apenas certos aspectos, já que o filme como um todo é bem picareta, no pior sentido do termo. Claro, trata-se de um produto exploitation, sensacionalista, feito mesmo pra chamar a atenção de quem vai atrás de ver mulher pelada e cenas violentas. Não me incomodo com esse tipo de filme. Até gosto. Mas quando o resultado é, pelo menos, satisfatório. Filme sobre snuff, prefiro MORTE AO VIVO, do Amenábar, e até mesmo 8 MM, do Schumacher (podem jogar pedras à vontade. Hehehe).

A cópia que eu consegui com o Herbert, apesar de ter uma imagem ótima, ripada do DVD, está com um problema de sincronia do áudio com a imagem a partir da metade. E a culpa nem é da dublagem em inglês não. Valeu ter conhecido o filme, mas chamar de "a obra-prima de Joe D'Amato" é o mesmo que dizer que o cara só fazia porcaria (o que pode até ser verdade). Ainda hoje tenho vontade de ver o pornô MARQUÊS DE SADE (1995), dirigido pelo D'Amato e protagonizado pelo Rocco Sifredi. Dizem que esse pornô é beem hardcore.

Bom mesmo é Tinto Brass...

O PAGAMENTO (Paycheck)



Tinha decidido que não ia pro cinema nesse fim de semana porque não estou podendo gastar, mas só agüentei até o sábado. Hoje não resisti à tentação. Saber que está passando um filme do John Woo, baseado em Philip K. Dick, num cinema aqui pertinho foi o suficiente para isso.

Bom, o filme não é melhor do que os melhores filmes baseados em Dick (VINGADOR DO FUTURO, BLADE RUNNER, MINORITY REPORT) mas é um bom filme. E pra quem anda dizendo que John Woo não é mais John Woo, digo que esse filme tem mais elementos de suas outras obras do que o anterior – CÓDIGOS DE GUERRA (2002). Woo até forçou a barra em colocar uma pomba numa cena só pra impor uma de suas marcas.

Outra característica de John Woo é brincar com situações inverossímeis a exemplo do que já tinha feito nos ótimos A OUTRA FACE (1997) e MISSÃO IMPOSSÍVEL 2 (2000). Na trama do filme, Ben Affleck é um cientista que aceita participar de uma experiência ultra-secreta e ter sua memória dos últimos três anos apagada. Em troca, ele receberia um cheque bem gordo, que o permitiria passar o resto da vida sem precisar trabalhar. O bicho pega quando, passados os três anos, ele descobre que ele mesmo tinha renunciado a todo o dinheiro e só tinha pra receber um envelope com alguns objetos estranhos a ele.

Interessante notar o quanto Philip K Dick ainda serve de boa matéria-prima para Hollywood fazer filmes de ficção científica bacanas. Pena que a tentativa de Woo de imprimir um ritmo acelerado ao filme não o impediu de se tornar um pouco chato em repetir a já desgastada fórmula do filme de ação. O maior problema do filme é cansar em vez de empolgar. Isso é fatal em filme de ação. Mesmo assim, uma cena como a da perseguição na rodovia é difícil de ser superada esse ano em se tratando de cinema de ação. E a cena no túnel do metrô também é boa pra caramba.

De qualquer maneira, ainda é cedo pra julgar o filme, que pode agradar bastante a muita gente boa, e se revelar até um grande filme no futuro. É possível. Ah, uma coisa que me chamou a atenção foi o olhar apaixonado de Uma Thurman para o Ben Affleck. Ou ela é uma excelente atriz, ou a moça realmente ficou gamada nele durante as filmagens (ambos terminaram um relacionamento com seus parceiros recentemente). Mas deixa pra lá: foi só impressão minha.

A ESSÊNCIA DA PAIXÃO (House of Mirth)



"Não basta ser sincero,
ter caráter, ser honesto,
gotta work, like Kirk e o vulcano
oh, meu Deus, quanta luta, quanta luta..."

"Spoc" (Pato Fu)

Sim, meus amigos. Estou muito cansado e muito triste por ter que trabalhar tanto. Já não tenho mais gás pra agüentar essa rotina de trabalhar os três turnos e viver cada vez mais quebrado e endividado. Pelo horóscopo da Susan Miller, isso se deve ao grande fazedor de tarefas, o impiedoso Saturno, que tem forçado a humanidade a trabalhar mais, a dar duro. Saturno retomou o seu movimento direto com gás total. Mas tem nada não. Coisas boas surgirão para o futuro. Assim dizem. Assim espero.

Por estar nesse estado de quebradeira física e financeira, me identifiquei bastante com a personagem de Gillian Anderson nesse ótimo drama de Terence Davis, baseado em romance de Edith Wharton, a mesma autora do livro que deu origem ao filme A ÉPOCA DA INOCÊNCIA (1993), de Martin Scorsese. A ESSÊNCIA DA PAIXÃO (2000), apesar de não ter a força da mão de Scorsese, possui muito em comum com o filme americano e passa muito bem todo o sentimento da protagonista e o espírito da época.

O filme fala sobre as oportunidades que a gente perde na vida, sobre as imposições da sociedade, sobre amar alguém e ter que desistir da pessoa por causa de dinheiro, sobre conservar a todo custo a aparência de que as coisas estão bem, apesar de tanta dor por dentro. Gillian Anderson tem um desempenho excepcional como Lilly, a mulher que tem a fama de caçadora de maridos e por isso, apesar de sua beleza e inteligência, é temida por vários homens. Quem diria que a cerebral agente Scully de ARQUIVO X se daria tão bem em filmes dramáticos como esse e CORAÇÕES APAIXONADOS (1998). Ela está em melhor posição que o seu ex-parceiro David Duchovny, que nem tem escolhido bons papéis no cinema.

Eric Stolz é a paixão da vida de Gillian no filme. A cena do beijo entre os dois é um dos pontos altos do filme e é cheia daquela paixão reprimida, prestes a explodir. Outros atores em papéis de destaque no elenco: Dan Aykroyd e Laura Linney.

Pena ter terminado de ver o filme ontem, com o corpo muito cansado. Mas a experiência me fez sentir mais próximo da protagonista. Principalmente porque terminei de ver o filme a partir do momento da decadência da personagem, quando ela se sente exaurida, por causa do trabalho e das pressões que a vida lhe impõe.

Interessante notar que no universo das escritoras Edith Wharton e Jane Austen as mulheres são sempre mais psicologicamente interessantes do que os homens, que são mostrados de maneira superficial, ainda que fundamentais na vida delas. A mulher nessas obras é cheia de complexidades mentais e emocionais, tornando-a mais rica, mais espiritualmente evoluída. Mas nada mais natural: essas escritoras estavam falando do universo que elas conheciam muito bem: o seu próprio.

URUAÚ 2003



Na falta de assunto pro blog, mais uma foto da turma em momento de descontração na Lagoa do Uruaú, em novembro de 2003.

Na rede verde, Juliana.
Segurando na rede pra não cair, Rejane.
Sem medo de ser empurrado para as feras da lagoa, o intrépido Ailton.
Dividindo a rede, Val e Cacau.

LIGADO EM VOCÊ (Stuck on You)



Quem espera se mijar de rir como nos filmes QUEM VAI FICAR COM MARY? (1998) e DÉBI E LÓIDE (1994), pode se decepcionar com esse novo trabalho dos irmãos Farrelly. O filme garante apenas algumas poucas risadas. Aqui, os Farrelly dão mais profundidade aos personagens, processo que se iniciou em O AMOR É CEGO (2001). O filme é quase um drama bizarro sobre dois gêmeos siameses, que apesar das diferenças de personalidade, gostam-se como se fossem duas metades da mesma pessoa. Aqui, não há nada de escatologia, nem piadas politicamente incorretas.

Comparando com o filme anterior, as seqüências mais emotivas não funcionam tão bem. (Lembro que eu chorei na cena em que Jack Black descobre algo sobre as criancinhas que ele ia visitar com a namorada, durante o efeito da hipnose, em O AMOR É CEGO.) Os Farrelly não têm vergonha de serem vistos como piegas ou de serem chamados de traidores do "movimento escatológico".

As participações especiais no filme são legais: Cher, Merryl Streep e a nossa gatíssima Fernanda Lima, que aparece por apenas 15 segundos, mas pelo menos fala (diferente do Rodrigo Santoro em AS PANTERAS DETONANDO) e ainda tem o seu nome destacado no filme. Entre as parceiras dos gêmeos siameses está Eva Mendes, cada vez mais bonita e em trajes que valorizam o seu corpo.

Há quem diga que os Farrelly são os verdadeiros herdeiros de Jerry Lewis, como o Filipe falou em seu blog. As comparações são justas. Jerry Lewis também chegou a fazer um humor bem diferente do usual nos anos 60. Quem leva a sério o cinema desses dois irmãos, não deve deixar de conferir.

Meu top 5 dos Farrelly:

1. QUEM VAI FICAR COM MARY?
2. O AMOR É CEGO
3. DÉBI E LÓIDE
4. EU, EU MESMO E IRENE
5. LIGADO EM VOCÊ

O SANGUE DE DRÁCULA (Taste the Blood of Dracula)



Esse é o filme de Drácula mais católico que eu vi. Todo mundo sabe que esses filmes tradicionais de vampiro sempre se utilizam de crenças cristãs para se defender dos vampiros. Basta mostrar a cruz pro vampiro ficar todo troncho (excessão feita aos vampiros de Anne Rice, que parece que não ligam muito pra crucifixo). Mas O SANGUE DE DRÁCULA (1970), de Peter Sasdy, parece até que foi escrito por um padre. Drácula é vencido vendo várias figuras de cruz numa igreja e ao som duma oração do Pai Nosso. Não que eu ache isso um problema. De certa forma, isso torna a figura do vampiro ainda mais malévola. É como se ele fosse o próprio diabo sendo exorcizado. É claro que o filme não tem a força e a carga amaldiçoada de O EXORCISTA (1973), por exemplo, mas já prenuncia um pouco o que o filme de William Friedkin viria a mostrar.

Antes de tudo é um filme da Hammer. E nos anos 70, a produtora já começava a apelar um pouco para a sensualidade das mulheres e para a sangreira. Logo após as filmagens desse filme, Roy Ward Baker fez o ótimo e sangrento O CONDE DRÁCULA (1970), até agora o meu preferido do ciclo de Dráculas de Christopher Lee na Hammer.

Falando no diabo (me refiro ao Drácula), nesse filme ele aparece bem pouco, ainda que o filme gire em torno dele. Quando ele surge, age pouco e fala pouco. Ele prefere hipnotizar os jovens para que eles cometam atos de violência com seus pais. Mais uma vez nesse filme, o vampiro se aproxima da figura do demônio, manipulando mentalmente as pessoas.

O filme é continuação de DRÁCULA: O PERFIL DO DEMÔNIO (1968) e começa exatamente onde este termina. (Digo isso por ter lido a respeito, mas não cheguei a ver esse filme de 68.) Há um bom enredo envolvendo três famílias na Inglaterra vitoriana, com pais que se envolvem por acidente num ritual de magia negra e cujos filhos têm relacionamentos em comum (há um namoro proibido que lembra Romeu e Julieta). O resultado ficou muito bom.

Já que o SBT tem contrato com a Warner, bem que a emissora podia exibir mais desses filmes. A qualidade da imagem estava muito boa e a dublagem era nova. Vamos torcer pra que venha mais Hammer por aí.

POR UM TRIZ (Out of Time)



Uma das melhores surpresas de 2004, esse thriller de Carl Franklin, estrelado por Denzel Washington, é de dar gosto. POR UM TRIZ é herdeiro dos filmes noir dos anos 40 e 50, com sua trama recheada de mulheres fatais, protagonistas que entram numa fria, apólices de seguro e cadáveres suspeitos. Ao mesmo tempo, o filme tem elementos hitchcockianos e um tipo de tensão que remete a títulos mais modernos como SEM SAÍDA (1987) e a série 24 HORAS.

Na trama, Denzel Washington é delegado de uma cidadezinha do litoral da Flórida, que está em processo de divórcio com a mulher (Eva Mendes, gatíssima), tem um caso com uma mulher casada e recentemente apreendeu milhares de dólares do tráfico de drogas. Logo no início do filme, sabemos que a informação sobre o dinheiro que está no cofre da delegacia é elemento fundamental para a história.

O barato de POR UM TRIZ é que quando a gente pensa que um filme vai pra um lado, um incidente inesperado muda totalmente o rumo dos acontecimentos, deixando o filme em alta tensão. A seqüência do fax é um dos pontos altos do filme, assim como as cenas de briga corpo a corpo.

O filme anda recebendo críticas medianas por aqui. A não ser pelas quatro estrelas dadas pelo Inácio Araújo, a maioria dos críticos não têm gostado tanto do filme. Considero esse filme mais do que um mero entretenimento. E Denzel Washington é sempre ótimo em suas caracterizações.

No domingo, vi outro filme com a beldade Eva Mendes no elenco: LIGADO EM VOCÊ, dos Farrelly, que deixo pra comentar depois.

CONTO DE OUTONO (Conte d'automne)



Esse último filme da série “Contos das Quatro Estações”, de Eric Rohmer, é considerado por muitos o melhor do ciclo. Pra mim, o principal diferencial desse filme para os outros é que aqui Rohmer usa bem menos cortes e bem mais planos-seqüência. As cenas são mais longas e lentas e, por isso, acredito que é mais fácil desagradar platéias desavisadas. Foi o caso, por exemplo, de uma mulher que saiu no final da sessão “p” da vida, dizendo pra amiga dela que o filme era muito ruim. É também o caso de vários usuários do IMDB. Definitivamente não é filme para grandes platéias.

Em CONTO DE OUTONO (1998), temos Magali, uma mulher de meia-idade que é viúva e que se sente solitária e gostaria de encontrar um marido ou namorado. A sua amiga, Isabelle, sem que ela saiba, trata de procurar um pra ela, através de anúncios em classificados. Ao mesmo tempo, a namorada de seu filho também quer que ela namore um de seus professores, com quem já teve um caso. O que se vê a seguir são situações tão divertidas quanto constrangedoras.

O naturalismo está ainda mais presente nesse filme, com seqüências longas sobre safras de uvas e vinhos. A trilha sonora do filme é inexistente, a não ser pelo som do farfalhar das folhas, do canto dos pássaros e da canção que toca no final. O que tira talvez um pouco o realismo seja a facilidade com que os homens são manipulados pelas três mulheres do filme, que são manipuladoras e calculistas, além de, também, bem imprevisíveis. Se bem que vai ver as mulheres são assim mesmo, e o fator da imprevisibilidade é uma característica dos personagens de Rohmer.

Diferente de CONTO DE INVERNO (1992), as conversas filosóficas não estão presentes, apesar da presença de um professor de filosofia entre os personagens. Apesar de ter gostado muito do filme, esse não é o meu preferido dos três que vi até agora do ciclo das estações. Talvez por ser de mais difícil identificação, já que ainda não cheguei na meia-idade. Mas um dia eu chego lá. Eu acho.

FESTIVAL WILLIAM WYLER



Acabando com o meu estoque de assuntos para essa semana (acho difícil conseguir ver filmes até sábado, por causa do excesso de trabalhos e preocupações), comento a seguir quatro filmes de William Wyler, o "estilista sem estilo", que assinou obras extraordinárias como O MORRO DOS VENTOS UIVANTES (1939) e O COLECIONADOR (1965). Por causa de uma discussão num post anterior, fiquei com vontade de ver o que eu tinha de Wyler nas minhas fitas. Todos os filmes foram gravados de exibições na Rede Globo, exceto PÉRFIDA, que foi visto em fita original da Editora Altaya.

JEZEBEL

Sabe que a Bette Davis até que era bem bonita nos anos 30? Depois é que de tanto interpretar megeras (fez até filmes de horror psicológico) foi se enfeiando, até chegar ao cúmulo do ridículo em O QUE TERIA ACONTECIDO A BABY JANE? (1960), de Robert Aldrich. JEZEBEL (1938) é uma espécie de preview de E O VENTO LEVOU, feito um ano depois. Ambos os filmes se passam no sul dos EUA, durante a Guerra Civil e mostram anti-heroínas de forte temperamento e com vontade de derrubar tabus na sociedade. É claro que JEZEBEL é um filme menor, em comparação com o filme de Fleming, mas é um belo trabalho. A cena mais famosa é a tal cena do baile, em que Bette Davis vai vestida de vermelho, quando na época todas as mulheres de respeito da sociedade deveriam vestir branco. O objeto de desejo de Davis aqui é Henry Fonda, que fica engraçado com as roupas da época. Em vez de o filme focalizar na guerra em si, há o problema da febre amarela, epidemia que assolou os EUA no final do século XIX.

PÉRFIDA (The Little Foxes)

Aqui, Bette Davis já está com as feições de uma completa jararaca, ainda que cheia de elegância. PÉRFIDA (1941) é um filme que se passa no ano de 1900. Quem viu SEABISCUIT sabe que assim que o século XX começou os EUA receberam um boom de lucros e negócios bem sucedidos. É nesse período que antecede à Grande Depressão que se passa a história. PÉRFIDA, por ser adaptado de uma peça de teatro, no começo é meio aborrecido, mas depois quando a trama vai ficando intrincada e a gente começa a simpatizar com os personagens - especialmente o do marido doente de Davis -, o filme vai ficando mais e mais interessante. Inclusive, o final eu achei perfeito. Tinha que terminar daquele jeito mesmo, com a expressão de medo e solidão de Davis, tendo que conviver com seus fantasmas e aprender que dinheiro sujo não traz felicidade.

A PRINCESA E O PLEBEU (Roman Holiday)

Esse é o filme que me fez ficar apaixonado pela Audrey Hepburn. Que coisa linda que era aquela mulher. Não tem pra ninguém em papel de princesa. Talvez só a Grace Kelly pudesse se equiparar (ela até foi princesa de verdade), mas ela tinha mais sex appeal que a Audrey, que tinha um tipo mais inocente e angelical. Não por acaso, Spielberg chamou-a para fazer um papel angelical na sua despedida das telas em ALÉM DA ETERNIDADE (1989), antes de ser vencida pelo câncer. A PRINCESA E O PLEBEU (1953) é um filme quase impossível de desagradar a quem quer que seja. Até mesmo àquelas pessoas que não tem interesse em filmes antigos e em preto e branco. É assistir sem medo e curtir os bons momentos da história da princesa inglesa que se sente presa às obrigações e dá uma escapulida pra conhecer a cidade de Roma. Ela vai parar na casa do repórter Gregory Peck , que nem desconfiava que ela era a princesa. De derramar lágrimas a seqüência final. O filme foi rodado nos estúdios da Cinecittá. Agora eu fiquei com vontade de ver BONEQUINHA DE LUXO (1961). Vou alugar o DVD assim que puder.

SUBLIME TENTAÇÃO (Friendly Persuasion)

Esse Wyler de 1956 é uma espécie de "western familiar", isto é, apesar de a história se passar nos EUA do Norte durante a Guerra Civil e lá pelo final ter uma seqüência de tiros, o filme é um drama sobre uma família de quakers e sua rotina de ir pra igreja e se relacionar com a comunidade. Eu achei um filme bem bonito, com personagens fáceis de se gostar. No elenco está Gary Cooper como o patriarca da família que é meio que mandado pela mulher, Dorothy Maguire, que consegue ser irritante e adorável ao mesmo tempo. Uma curiosidade para os fãs de PSICOSE (1960) é encontrar Anthony Perkins no papel do filho de Cooper. Bem diferente, e ainda sem aquela cara de freak, que ele nunca mais conseguiu largar depois de encarnar o Norman Bates. SUBLIME TENTAÇÃO é um desses filmes que elevam o espírito, fazendo a gente rir de satisfação.

A VINGANÇA DE FRANKENSTEIN (The Revenge of Frankenstein)



Sempre que passa um filme da Hammer na TV, eu faço questão de assistir. Na última sexta-feira, a Globo exibiu A VINGANÇA DE FRANKENSTEIN (1958), de Terence Fisher. Trata-se da continuação de A MALDIÇÃO DE FRANKENSTEIN (1957), do mesmo diretor, e supera o primeiro, por conseguir impor mais originalidade, livrando-se da intenção de adaptar o livro de Mary Shelley.

Se no primeiro filme, tínhamos a presença dos dois gigantes da produtora inglesa, Christopher Lee e Peter Cushing, neste filme temos apenas Cushing, continuando com o papel de Dr. Frankenstein. Na história, ele aparece com uma nova identidade, depois de ter sido perseguido por causa de sua desastrosa criação. Um sujeito descobre a sua verdadeira identidade e quer ser seu discípulo e aprender a ciência de reviver corpos mortos.

Bem divertida a cena em que o dr. Frank faz um transplante de cérebro de um corpo defeituoso para um corpo perfeito. Além do mais, esse filme não tem aquela história inverossímil de juntar pedaços de cadáveres. Ora, bolas, pra que diabos fazer um bicho feio e todo remendado? Por que não ressucitar um cadáver completo? Pois é. Esse detalhe da obra de Mary Shelley sempre me incomodou. E é por isso que os melhores filmes de Frankenstein pra mim são os que tentam fugir da obra literária. Como foram os casos do ótimo FRANKENSTEIN: O MONSTRO DAS TREVAS (1990), de Roger Corman, e deste filme de Fisher.

Peter Cushing, nesse filme, impõe dignidade ao papel do médico maluco. Depois desse filme, Cushing ainda voltou na pele de Dr. Frankenstein em THE EVIL OF FRANKENSTEIN (1964), FRANKENSTEIN CREATED WOMAN (1967), FRANKENSTEIN MUST BE DESTROYED (1969) e em FRANKENSTEIN AND THE MONSTER FROM HELL (1974). Gostaria de ver esses filmes um dia.

Quem curte essas produções da Hammer deve ficar de olho porque na próxima sexta, dia 05/03, o SBT estará exibindo pra todo o Brasil, exceto São Paulo, o filme O SANGUE DE DRÁCULA (1969), mais um filme da série protagonizada por Christopher Lee. De acordo com o amigo Thomaz Albornoz, especialista em horror europeu, o filme é um dos melhores do ciclo. É torcer pra que o SBT passe mesmo essa pérola.

OSCAR 2004



Como era de se esperar o SENHOR DOS ANÉIS: O RETORNO DO REI papou quase todos os prêmios e CIDADE DE DEUS não ganhou nada. Agora o filme de Jackson é recordista em número de Oscar, empatado com TITANIC e BEN-HUR. Eu não reclamo. Gostei pra caramba da trilogia do anel e na parte técnica não tinha mesmo pra ninguém.

Quanto à festa desse ano, não foi das melhores. Apesar do ótimo apresentador Billy Crystal estar de volta, faltaram espetáculos especiais, que existiam em outras edições.

A brincadeira com os filmes, que Crystal fez na abertura, e as paródias em cima dos filmes indicados ficou bem legal, mas aquilo já está sendo feito no MTV Movie Awards também.

A homenagem a Blake Edwards foi bem engraçada. Ele está bem velhinho, mas a mulher dele, Julie Andrews, está em forma e bonita ainda. Eu gargalhei com a cena da cadeira de rodas e o Jim Carrey gritando "Oh, my God!".

A homenagem póstuma a Kathryn Hepburn também foi emocionante. É foda ver a mulher jovem e bonita nos primeiros filmes e depois vê-la envelhecendo cada vez mais. Mas é a vida. E ela é uma grande atriz.

Quanto às premiações, o destaque mesmo foi o prêmio de melhor ator para Sean Penn (SOBRE MENINOS E LOBOS), que foi recebido pelos colegas de pé. Quanta moral.

Teve também a premiação de Charlize Theron. O Adrien Brody ainda ganhou outro beijo na boca (bastard..hehehe). Dessa vez foi por iniciativa da moça.

Por falar em mulher bonita, destaco a Juliane Moore, que estava radiante. A Naomi Watts também estava mais bela que de costume. E aquela roupa da Angelina Jolie estava bem sexy - dava até pra ver detalhes dos mamilos dela. Hehehe.

A surpresa foi o prêmio de fotografia para MESTRE DOS MARES. Qualquer fotografia de outro filme parecia melhor. Se bem que talvez o critério não seja bem a beleza estética das imagens, mas também o enquadramento da câmera etc. E nisso o filme é bom mesmo.

A desvantagem de AS INVASÕES BÁRBARAS ter ganhado o prêmio de filme estrangeiro é que o lançamento dos outros indicados nos cinemas fica mais difícil. Mas eu adoro o filme do Denys Arcand.

Por outro lado, fica mais fácil de o documentário premiado do Errol Morris (THE FOG OF WAR) chegar no circuito comercial.

As canções apresentadas foram quase todas fracas ou chatas. Só gostei da canção do filme A MIGHTY WIND, que acabou nem ganhando.

Legal ver a Sofia Coppola entrando com o pai e cenas dos dois trabalhando, nos telões ao lado. Bacana. Ela é muito tímida, hein. Não conseguia nem expressar um sorriso em público.

Já o Bill Murray, gostei quando o Billy Crystal falou pra ele: "Bill, don´t go..We love you" e ele com um sorriso de satisfação, conformado por ter perdido pro Penn.

Se a festa em si não foi das melhores, pelo menos foi mais curta e eu não precisei dormir depois das três da madrugada, como em outras edições.

A premiação completa:
* MELHOR FILME

"O Senhor dos Anéis -- O Retorno do Rei"

* MELHOR DIRETOR

Peter Jackson -- "O Senhor dos Anéis -- O Retorno do Rei"

* MELHOR ATOR

Sean Penn -- "Sobre Meninos e Lobos"

* MELHOR ATOR COADJUVANTE

Tim Robbins -- "Sobre Menino e Lobos"

* MELHOR ATRIZ

Charlize Theron -- "Monster"

* MELHOR ATRIZ COADJUVANTE

Renée Zellweger -- "Cold Mountain"

* MELHOR FILME DE ANIMAÇÃO

"Procurando Nemo"

* MELHOR ROTEIRO ADAPTADO

"O Senhor dos Anéis -- O Retorno do Rei"

* MELHOR ROTEIRO ORIGINAL

"Encontros e Desencontros"

* MELHOR DIREÇÃO DE ARTE

"O Senhor dos Anéis -- O Retorno do Rei"

* MELHOR FOTOGRAFIA

"O Mestre dos Mares -- O Lado Mais Distante do Mundo"

* MELHOR FIGURINO

"O Senhor dos Anéis -- O Retorno do Rei"

* MELHOR DOCUMENTÁRIO

"The Fog of War"

* MELHOR CURTA DOCUMENTÁRIO

"Chernobyl Heart"

* MELHOR EDIÇÃO

"O Senhor dos Anéis -- O Retorno do Rei"

* MELHOR FILME ESTRANGEIRO

"As Invasões Bárbaras" -- Canadá

* MELHOR MAQUIAGEM

"O Senhor dos Anéis -- O Retorno do Rei"

* MELHOR TRILHA SONORA

"O Senhor dos Anéis -- O Retorno do Rei"

* MELHOR CANÇÃO

"Into the West" -- "O Senhor dos Anéis -- O Retorno do Rei"

(Fran Walsh, Howard Shore, Annie Lennox)

* MELHOR CURTA-METRAGEM ANIMADO

"Harvie Krumpet" * MELHOR CURTA-METRAGEM

"Two Soldiers"

* MELHOR EDIÇÃO DE SOM

"Mestre dos Mares -- O Lado Mais Distante do Mundo"

* MELHOR SOM

"O Senhor dos Anéis -- O Retorno do Rei"

* MELHORES EFEITOS ESPECIAIS

"O Senhor dos Anéis -- O Retorno do Rei"

CRONOS



Acabei de assistir CRONOS (1993), o primeiro filme de Guillermo Del Toro. E, ao contrário dos seus filmes feitos em Hollywood, esse trabalho independente realizado no México é excelente e um dos filmes sobre vampirismo mais originais e envolventes que eu tive o prazer de ver.

E olha que eu nunca fui muito fã do diretor. Até então só tinha gostado de A ESPINHA DO DIABO (2001), drama histórico com elementos sobrenaturais dos mais interessantes. Mas tenho que dar o braço a torcer. Mesmo em filmes como MUTAÇÃO (1997) e BLADE II (2002), ele coloca uma marca sua, que é, principalmente, a figura do escaravelho. Parece que há uma obsessão do autor por esse inseto.

Em CRONOS, há um besouro dentro de um mecanismo em forma de escaravelho que ao contato com a pele injeta um fluido de sangue no corpo da pessoa e ela pode ter sua vida prolongada. Esse mecanismo foi criado por um antigo alquimista, de acordo com a introdução mostrada logo no início do filme. Passam-se anos e um vendedor de antigüidades encontra o tal objeto de metal e experimenta do seu poder.

Gostei bastante do andamento do filme, das atuações, dos efeitos especiais e maquiagens (apenas usados quando necessários) e dos momentos finais. Especialmente do final. Geralmente a maioria dos filmes de terror me desapontam no final, quando tudo vira uma salada de clichês tediosa. Aqui não. O filme consegue ser até poético apesar de toda a tragédia aterradora. Outra coisa interessante é que o filme não recorre à religiosidade cristã como na maioria dos filmes de vampiro. Mais um ponto a favor – deixando claro que eu não estou reclamando dos filmes de vampiro da Hammer ou de outros clássicos. Só acho que um pouco de criatividade e originalidade é sempre bem vindo.

Lendo as resenhas no site da Amazon, soube que o filme, quando estreou no México, passou em apenas 10 salas de cinema e apenas na Cidade do México. E rapidamente saiu de cartaz. Depois, o filme passou no Festival de Cannes e ganhou o prêmio da semana da crítica. Mas, apesar dessa falta de respeito com o filme, CRONOS hoje é considerado o primeiro grande filme de horror mexicano. Tomara que HELLBOY seja pelo menos tão brilhante quanto o filme de estréia do diretor.

Filme visto em divx, cortesia do amigo Herbert.

CONTO DE VERÃO (Conte D’Eté)



Hoje foi dia de conferir mais um filme dos “Contos das Quatro Estações” de Eric Rohmer. Tenho achado extremamente prazeirosas essas manhãs de sábado na companhia desses filmes maravilhosos. Pra vocês terem uma idéia, nesse ano, que ainda considero fraco em relação a cinema, as melhores coisas que eu vi foram justamente os filmes do Rohmer. E espero que continuem a exibir vários outros filmes dele aqui na cidade. Surpreendentemente, a sala de cinema estava cheia hoje, apesar da chuva que varreu a cidade pela manhã. O que mostra que há um público fiel a esse tipo de filme. (Se bem que a maioria das pessoas eram de mais idade. Havia poucos adolescentes.)

Em CONTO DE VERÃO (1996), Rohmer dá um tempo nos diálogos filosóficos vistos em CONTO DE INVERNO (1992) e coloca jovens comuns, não-intelectuais, no seu jogo do acaso. O acaso parece ser uma característica forte nesses Contos. Na história do filme, Gaspard é um jovem que vai passar o verão numa praia na Bretanha, esperando por Léna, uma moça por quem está apaixonado. Ela demora a aparecer e ele conhece uma garota chamada Margot. Eles tornam-se amigos e passeiam todos os dias na praia. Numa festa, Gaspard conhece Solène, uma sensual morena por quem ele fica interessado. A coisa complica quando Léna aparece e ele começa a achar que gosta de Margot. Gaspard fica na dúvida sobre com qual das três moças ficará. (Se fosse eu, ficaria na dúvida só entre Margot e Solène.) O filme vai ficando engraçado à medida que as confusões da vida amorosa do rapaz vão se tornando mais complicadas.

É um filme sobre a dúvida e o acaso, sobre personagens que agem diferentemente do que falam, sobre a dificuldade de se fazer escolhas. Interessante ver esse tipo de personagens no cinema. Normalmente, os filmes mostram pessoas determinadas, decididas, o que não é uma realidade na vida real. Por isso que a impressão que temos ao ver esse filme é que a câmera está capturando uma situação real, quase um reality show.

Assim como em CONTO DE INVERNO havia uma protagonista se esforçando para escolher entre os pretendentes, aqui temos um jovem diante duma situação parecida. Comparando os dois filmes, acho que ainda gosto mais de CONTO DE INVERNO, por causa do amor idealizado, do romantismo e do clima de fábula. Mas em se tratando de imagens, o CONTO DE VERÃO é bem melhor.

Mais um belo exemplar da simplicidade complexa desse grande diretor já octogenário.

MILLENNIUM ACTRESS (Sennen Joyu)



O segundo longa-metragem de Satoshi Kon é impressionante. Depois do ótimo PERFECT BLUE (1997), ele surpreende com um filme de gênero diferente: MILLENNIUM ACTRESS (2001). Sai o suspense inspirado em DePalma e Argento e entra uma história sobre o amor que insiste em continuar apesar de todos os sofrimentos e obstáculos. Não que não haja pontos em comum entre os dois filmes, mas aqui há uma leveza de espírito que contrasta com a paranóia pesada de PERFECT BLUE.

Na história do filme, Chiyoko é uma famosa atriz japonesa que está aposentada das telas aos seus 70 anos de idade. Ela abandonara o cinema trinta anos atrás. Genya é o homem que pretende dirigir um documentário sobre a vida da estrela. Ele chega acompanhado de seu cameraman Kyoji para uma entrevista com Chiyoko. Ela se surpreende quando ele lhe traz uma antiga chave, um objeto muito importante pra ela. Essa chave é a porta para uma viagem na história de Chiyoko, do cinema e até do próprio Japão.

A exemplo do que fez Bergman em MORANGOS SILVESTRES (1957), Kon utilizou o recurso dos espectadores dentro da ação no próprio flashback (no caso os espectadores são Genya e Kyoji).

O filme é tão envolvente que, mesmo nos momentos em que mal sabemos se o que está na tela é real ou faz parte de um dos filmes da atriz, ainda assim nos sentimos absorvidos de tal maneira que é como se fôssemos de verdade projetados para aquele mundo, para aquelas diferentes épocas. Entramos em contato com o Japão feudal, com a revolução Meji e a industrialização, com a 2ª Guerra Mundial e o progresso no pós-guerra. Tudo paralelamente à história de amor de Chiyoko e sua busca incessante pelo homem misterioso por quem se apaixonara.

O mais impressionante de tudo é que praticamente esquecemos que estamos vendo um desenho animado. Os “movimentos de câmera” são impressionantes. Há uma cena em particular que me emocionou pela beleza do conjunto animação + música: a cena em que Chiyoko corre desesperada para a estação a fim de ainda encontrar o homem por quem se apaixonara. É como se tivesse de fato uma câmera na frente dela, enquanto a neve cai na cidade. Aquilo é lindo, hein. Outra sacada genial acontece quando vemos as cenas pela perspectiva do cameraman, quando vemos a imagem tremer sutilmente.

Tremer também é outra palavra chave no filme. A protagonista nasceu durante um terremoto e os tremores de terra acontecem com freqüência durante o filme. Indiretamente, isso acaba servindo pra mostrar a força do povo japonês, que mesmo com tantos terremotos e guerras (incluindo duas bombas atômicas) foi capaz de se levantar e se tornar uma potência mundial.

Agora é esperar que apareça em minhas mãos o mais recente filme de Satoshi Kon: o premiado TOKYO GODFATHERS. Hoje soube na lista Cinefelia que ele está com um novo filme que estreou há pouco tempo na tv a cabo japonesa. Chama-se PARANOIA AGENT. Na trilha sonora, o mesmo músico de MILLENIUM ACTRESS. Te cuida, Miyazaki!

Filme visto em divx, cortesia do amigo e especialista em animes Marcelo Reis.

ERASERHEAD



Finalmente, depois de anos de expectativa e graças à camaradagem dos amigos (no caso, o Herbert) e às facilidades que a internet proporciona, consegui uma cópia muito boa de ERASERHEAD (1977), o filme de estréia de David Lynch. E o que eu tenho a dizer? Que Lynch começou arrebentando e já emplacou uma obra-prima logo no comecinho da carreira. Ele pertence ao grupo dos que chegaram abalando de que fazem parte Tarantino, Truffaut, Godard, Leone e Romero.

Com pouquíssimos diálogos, andamento lento, belíssima fotografia em preto e branco e as esquisitices típicas do cinema de Lynch, ERASERHEAD dá início a uma série de símbolos que apareceriam em várias outras obras do diretor.

Algumas das características presentes em várias obras de Lynch e que estão presentes no primeiro longa-metragem:

- O zoom adentrando a escuridão surge em ERASERHEAD, revelando ou penetrando um mundo misterioso, assim como acontece nas cenas da orelha escondida na grama em VELUDO AZUL (1986) e da caixa azul em CIDADE DOS SONHOS (2001).

- A loira e a morena. Em VELUDO AZUL, Jeffrey se divide entre o amor inocente da loira Sandy e a explosão de sensualidade da morena Dorothy. Na série TWIN PEAKS (1990), Sheryl Lee personifica tanto a misteriosa Laura Palmer (loira) quanto a sua prima Madeline(morena). Em A ESTRADA PERDIDA (1997), Patricia Arquete é uma loira que morre e retorna no corpo de uma morena na mente do protagonista. Em CIDADE DOS SONHOS e DARKENED ROOM (2002), também vemos as figuras de uma loira e uma morena fazendo contraste. Tudo isso, já estava presente em ERASERHEAD: o protagonista tem um filho com uma loira e sente-se atraído pela prostituta morena que mora no apartamento vizinho.

- A planta no quarto já era uma idéia presente e explorada mais profundamente no curta THE GRANDMOTHER (1970).

- O próprio título do filme (eraserhead, cabeça de apagador) já é um símbolo na filmografia de Lynch. Numa cena espetacular de ERASERHEAD, a cabeça de Henry é reciclada e transformada num apagador de lápis. Apagar é verbo chave. Apagar da memória lembranças traumáticas. Como Bill Pullman, que depois de matar a esposa em A ESTRADA PERDIDA, muda de personalidade para fugir do inferno da realidade. Da mesma forma, Naomi Watts, depois de matar a mulher amada, decide inventar uma nova vida pra si em CIDADE DOS SONHOS.

- As cortinas escuras (geralmente vermelhas) como num teatro. Como na abertura de cada episódio de RABBITS (2002). Como no Clube Silenzio de CIDADE DOS SONHOS ou no Red Room de TWIN PEAKS e TWIN PEAKS: OS ÚLTIMOS DIAS DE LAURA PALMER (1992).

- A figura de uma mulher cantando também se inicia em ERASERHEAD. No caso desse primeiro filme, Lynch preferiu colocar uma mulher com deformações no rosto, em vez das mulheres bonitas ou de voz angelical presentes nos filmes posteriores, como Isabella Rosselini (VELUDO AZUL), Julee Cruise (TWIN PEAKS: OS ÚLTIMOS DIAS DE LAURA PALMER) e Rebekah Del Rio (CIDADE DOS SONHOS e RABBITS).

Na trama de ERASERHEAD, Henry Spencer (interpretado por Jack Nance, ator assassinado em 1996) é obrigado a se casar com Mary X, que segundo a família da moça, acabou de ter um filho seu. O problema é que o filho deles tem uma aparência monstruosa e Henry vê a sua vida se tornar um pesadelo, forçando-o a procurar um paraíso dentro de seu inconsciente, de seus sonhos.

O filme levou cinco anos pra ficar pronto. No meio das filmagens, acabou o dinheiro e Lynch teve que suspender a produção durante um tempo. Lynch tem um histórico de dificuldades de conseguir financiamento para seus filmes que continua até os dias de hoje.

Sobre a interpretação dos simbolismos presentes no filme, o cineasta não falava nada nem para o elenco. Segundo ele, seus filmes são comparados ao teste de Roscharch e a interpretação de qualquer espectador é válida. Até mesmo os efeitos especiais usados na criatura são guardados em segredo. Lynch não quer que seu trabalho seja analisado apenas como um efeito técnico, mas como algo tão misterioso quanto a temática do filme.

Bom, agora já posso dizer que vi todos os curtas e longas do Lynch. Mas pra ficar completo precisaria ver os episódios da série ON THE AIR (1992) e da segunda temporada de TWIN PEAKS, bem como o musical surrealista feito para a tv INDUSTRIAL SYMPHONY No. 1: THE DREAM OF THE BROKEN HEARTED (1990). Espero um dia conseguir vê-los.

PEIXE GRANDE (Big Fish)



Eita mas que diazinho dos infernos. Voltei a trabalhar. Acabaram-se as férias e como tentei ignorar minha conta-corrente para evitar me estressar nas férias, quando chego, vejo que pra botar a casa em ordem é preciso mais dinheiro do que eu supunha. Isso me deixou tenso pra caramba. Ainda bem que eu não viajei. Se tivesse feito isso estaria mais fudido ainda. Uma massagem nas costas bem que podia ajudar a aliviar. Mas deixa pra lá.

Está faltando eu comentar PEIXE GRANDE, de Tim Burton, que vi na segunda-feira. Vamos lá, então.

É o seguinte: sempre que muitos falam que certos filmes são bastante emotivos e capazes de levar o espectador às lágrimas eu fico logo animado pra vê-lo. Pois bem, depois dos comentários nos blogs da Fer Guimarães e do Rodrigo, lá fui eu conferir o novo Burton esperando uma sessão de choros e lenços. Não foi bem isso que aconteceu. De certa forma, eu até fiquei decepcionado com esse novo trabalho dele.

PEIXE GRANDE é um filme cujo ritmo irregular estraga o ótimo começo. Mesmo assim, destaco ótimos momentos. O melhor momento pra mim é a cena em que Ewan McGregor encontra a mulher da vida dele (a ótima Alison Lohman). Ele fala que quando a gente encontra a nossa cara-metade, o tempo para. «Curiosamente, eu me lembrei de imediato de uma grande paixão que eu tive quando eu tinha dezoito anos. Eu me lembro que eu tenho até hoje uma fotografia daquele momento na minha memória. O sorriso, a jovialidade e a beleza daquela menina ficaram eternizados no meu HD cerebral. Como se o tempo tivesse mesmo parado.» Burton acertou em cheio nessa seqüência ao tornar literal a expressão "o tempo parou". De uma beleza que chega a ser poética.

O filme é repleto de cenas memoráveis, graças às histórias inventadas (ou não) pelo pai do personagem de Billy Crudup. Eu gostei muito da seqüência da bruxa e do olho mágico; da cidade secreta; do gigante; e principalmente da cena do circo. A parte em que Ewan McGregor resolve trabalhar de graça num circo em troca de informações sobre sua amada durante muito tempo remete à história bíblica de Jacó e Raquel.

Até aí, beleza. O problema é que a parte do relacionamento entre pai e filho e a conseqüente morte do pai não despertaram em mim nenhum sentimento forte. É bonito. E só.

Meu Tim Burton favorito ainda é ED WOOD (1994), seguido pelA LENDA DO CAVALEIRO SEM CABEÇA (1999). O próximo filme dele promete. Afinal, vai ter parceria com o Johnny Depp de novo...

BETO BRANT, OZON E RINGU 0



Comento rapidamente três fitas alugadas durante o carnaval. Que, aliás, tem sido produtivo em se tratando de cinema. Vejam só! 1) Na última semana consegui comprar o livraço AFINAL, QUEM FAZ OS FILMES, de Peter Bogdanovich, graças à dica do Zezão. O livro custa 89 pilas na Submarino e eu comprei pela pechincha de 20 reais. 2) Adquiri também através de escambo digital com o Herbert filmes excelentes que há tempos queria ver, em divx, além de toda a série BAND OF BROTHERS. 3) Também ganhei outro anime imperdível do Marcelo. 4) Ontem a Valeria me emprestou o box da primeira temporada de FRIENDS, depois de uma tarde regada a “jogo, mulher e bebida” com a turma. 5) O Renato gravou pra mim uma fita com três filmaços de Truffaut, Mann e Brass. 6) E, pra completar, hoje comprei na King em promoção o DVD de SOCIEDADE DOS POETAS MORTOS, um dos filmes da minha vida. Pena que as minhas férias acabam junto com o carnaval e terei bem menos tempo de curtir essas delícias. Mas voltando aos filmes da locadora...

AÇÃO ENTRE AMIGOS

Ótimo filme de Beto Brant, que funcionou como exercício de estilo antes de ele se preparar pra dirigir O INVASOR (2002), o melhor filme brasileiro dos últimos cinco anos. Nesse filme de 1998, Brant faz um drama sobre quatro amigos que estão na casa dos 50 anos e que sofreram nas mãos dos terroristas da ditadura militar na época da repressão. A ação gira em torno da descoberta de que o sujeito que os torturava está vivo – o que lembra um pouco A MORTE E A DONZELA, do Polanski. O filme é curtinho, funciona muito bem com o jogo de flashbacks e termina de maneira inteligente. Beto Brant é o cara. Que projeto ele estará arquitetando agora? Pena que no Brasil o artista nunca sabe se conseguirá viabilizar o seu próximo trabalho.

SOB A AREIA (Sous le Sable)

Diferente dos outros filmes de Ozon que vi, sempre com toques de humor, esse é seríssimo. O humor é deixado de lado na história de uma mulher (Charlote Rampling, de SWIMMING POOL) que fica desesperada quando seu marido desaparece no dia em que eles vão à praia. Achei que fosse um filme parecido com A LIBERDADE É AZUL, do Kieslowski, ou com O TURISTA ACIDENTAL, do Kasdan, dois filmes que mostram pessoas tentando levar a vida após uma dolorosa perda. Mas, diferente desses dois filmes, Ozon preferiu mostrar a mulher tendo sua sanidade mental no limite: ela finge que o seu marido não desapareceu e conversa com ele todo dia. Não é o meu filme preferido do diretor, mas comprova que o cara é dos grandes no cinema francês atual.

RING 0: O CHAMADO – BIRTHDAY (Ringu 0: Bâsudei)

O terceiro filme japonês da série Ringu. Esse filme - que não é dirigido pelo Hideo Nakata dos anteriores - é um prequel da aterrorizante história de Sadako. É com esse filme que ficamos sabendo quem era a garotinha que ficava presa no poço no primeiro filme. RINGU 0 tem alguns momentos realmente arrepiantes, especialmente se você o assiste à noite. Difícil não sentir um calafrio na cena em que Sadako se movimenta assustadoramente para pegar uma vítima (os efeitos especiais funcionaram perfeitamente), ou sempre que sentimos a presença dos mortos. Nos EUA, O CHAMADO vai ter uma continuação. Será que farão um remake desse prequel também? Infelizmente no dia que fui alugar, RING 2 não estava disponível. Fica pra próxima. O horror japonês está em alta e até Walter Salles já se rendeu ao talento nipônico. Além de ter adorado RINGU 0, ele agora fazendo um remake de DARK WATER, de Nakata, com um elenco internacional encabeçado pela maravilhosa Jennifer Connelly.

DOGVILLE



DOGVILLE, o filme-polêmica do momento, é filme irmão de DANÇANDO NO ESCURO (2000), do mesmo Lars Von Trier. Acho que por isso não gostei – por se parecer com seu antecessor. Se no filme ganhador da Palma de Ouro, o sofrimento e a submissão da protagonista Björk chegava ao nível do insuportável, aqui a coisa se torna menos mau por termos uma excelente atriz como Nicole Kidman encabeçando o elenco e dando mais credibilidade à trama.

DOGVILLE é um filme às vezes bonito plasticamente. Gostei bastante da cena da Nicole no meio das maçãs e das cenas de cima, mostrando o mapa de Dogville. Também não dá muito pra reclamar da inovação, que tem sido uma marca do cinema desse diretor. Se por um lado seus filmes podem ser chatos ou politicamente estúpidos, por outro, não dá pra negar que o homem está sempre fazendo coisas originais no que se refere à forma. É só lembrar da narrativa em segunda pessoa e os mixes de fotografia em preto e branco e colorida de EUROPA (1991); das canções dos anos 70 entrecortando a trágica história da personagem de Emily Watson em ONDAS DO DESTINO (1996); da utilização inteligente e marketeira dos preceitos do Dogma 95 em OS IDIOTAS (1999); e do melodrama musical utilizando-se de uma cantora pop em DANÇANDO NO ESCURO. Em DOGVILLE, Von Trier resolve fazer um teatro filmado sem paredes. Apenas com alguns móveis e linhas brancas no chão para delimitar as casas e as ruas da cidade.

Mas se na forma, Von Trier está bem, o mesmo não se pode dizer com certeza do conteúdo. O que dizer de um filme que exalta a morte dos americanos? Não foi isso que o diretor tentou dizer no final de DOGVILLE? Aí é que está. O filme deixa muitas dúvidas. Afinal de contas, o que o diretor quis dizer? Seria Grace uma espécie de deus com o poder de destruir a todos com seu poder? Ou uma espécie de Jesus Cristo enviada ao mundo para sofrer e conhecer a natureza ruim do ser humano? E se a bronca não é apenas com os americanos mas com toda a raça humana, porque esse sentimento anti-americano? Afinal, não somos todos maus e arrogantes?

Aliás, aquela seqüência final de Grace com o chefe dos gângsters, conversando sobre quem é mais arrogante é de dar nos nervos de tão chata que é. Naquela hora me deu uma vontade de ir embora. Ir embora, inclusive, era uma das palavras que eu mais ouvi do público durante a sessão. Tinha uma moça sentada atrás de mim que falou que ia embora quando o filme ainda estava em uma hora e meia. (Mas se eu não me engano, ela resistiu às três horas de duração do filme.)

Porém, o que me fez desgostar desse filme foi principalmente a falta de um sentimento de prazer da minha parte. Dizem que o filme homenageia o espetacular BARRY LYNDON (1975), do Kubrick, mas no filme do mestre eu senti um prazer tremendo. Em DOGVILLE, há um clima de mau estar generalizado durante a projeção. É como se o filme tivesse sido feito sem amor. É um filme do mau, como dizem.

Acima eu falei que achei DOGVILLE bastante parecido com DANÇANDO NO ESCURO, mas vendo uma crítica de Kleber Mendonça Filho, vi que ele fala que este é um filme que inicia uma trilogia: a “U, S e A”, com histórias passadas nos EUA. Isso significa que vem mais merda no ventilador por aí.

LINHA DO TEMPO (Timeline)



Ontem fui me juntar ao grupo de gatos pingados que foram para o cinema em plena sexta-feira de Carnaval. Pouca gente, ainda mais porque o preço promocional lá dos cinemas do North Shopping vai ser só a partir de segunda.

Estranhamente o filme LINHA DO TEMPO não teve (nem está tendo) uma divulgação que filmes desse tipo geralmente tem. Um amigo meu que leu o livro de Michael Crichton, o Herbert, adorou o livro, mas achou o filme fraco. Logo, eu já estava esperando um filme meia-boca mesmo.

LINHA DO TEMPO é um bom passatempo que ainda tem a vantagem de nos dar uma visão, ainda que um pouco pobre, da Guerra dos Cem Anos. O início do filme lembra os inícios de bons episódios de ARQUIVO X: um homem é encontrado no meio da estrada ferido e que não resiste e morre. O detalhe é que todo o corpo dele está desconjuntado – as veias, os ossos, os músculos. Como se ele tivesse sido colado desajeitadamente, como se fosse um boneco de papel.

O astro do filme, Paul Walker (de VELOZES E FURIOSOS), não tem muito carisma e força. Acho que não vai resistir durante muito tempo em Hollywood se continuar sem graça desse jeito.

O filme começa muito bem. A cena de preparação para a viagem no tempo é bem divertida. Talvez porque a idéia de viagem no tempo seja muito fascinante pra gente. O problema é quando o filme vira uma aventura medieval e fica cansativo. LINHA DO TEMPO é melhor que o mais recente MÁQUINA DO TEMPO, mas isso não chega a ser um grande elogio.

Só fiquei com dúvida se a personagem de Lady Claire existiu mesmo. Alguém que sabe um pouquinho dessa parte da História pode me dizer?

O ÚLTIMO BEIJO (L’Ultimo Bacio)



Incrível como um simples filme pode mexer tanto com nossas emoções. Não sei porque diabos eu não quis ver esse filme no cinema. Talvez porque o trailer não era tão atraente e que dava a impressão de uma comédia boba. Aí ele chegou em vídeo e só depois de muito tempo eu alugo. Antes tarde do que nunca.

Ao ver O ÚLTIMO BEIJO, de Gabrielle Muccino, me deu vontade de fazer disso aqui um confessionário. De lembrar de 2001, quando eu acabei um namoro de um ano e meio, depois de ter conhecido uma garota de 18 anos no carnaval. O ruim foi que uma vez terminado o namoro, eu não quis ficar com a menina. Preferi ficar sozinho, longe de tantas emoções que estavam acabando comigo. Preferi as emoções seguras e catárticas dos filmes.

O personagem principal do filme é Carlo (Stefano Acorse), um sujeito que tem uma mulher linda, a Giulia (Giovanna Mezzogiorno), que espera um filho seu. Acontece que ele está apavorado com a idéia de casar e ter um filho. Não se acha preparado pra isso. Aí quando ele conhece uma atraente garota de 18 anos, ele se sente tentado a agarrar a menina. Ela era um tesão e estava dando um bolão pra ele. O ruim é que a mulher dele descobre. E Carlo não é um cafajeste. Ele não sabe mentir direito e põe em risco seu relacionamento com Giulia.

Não precisa nem dizer que eu me identifiquei pra caramba com o personagem de Carlo. Além desse drama principal, o filme ainda tem outros personagens interessantes, como os três amigos de Carlo: há o sujeito que fica toda noite com uma mulher diferente, o que vive de dor de cotovelo por uma mulher que não lhe quer mais e o que decide deixar a esposa com um filho pequeno porque não há mais sentimentos fortes entre eles. Há também a personagem de Stefania Sandrelli, mãe de Giulia, que quer deixar o marido porque ele não demonstra que a ama.

É um mosaico muito bem dirigido e com personagens apaixonantes. Não à toa eu me lembrei da obra-prima DOMICÍLIO CONJUGAL, de Truffaut. Em ambos os filmes chorei rios de lágrimas. E, nesse, ainda me apaixonei pela Giovanna Mezzogiorno. Taí um excelente filme italiano pra quem acha que o cinema de lá está quase morto.

TRINCA DE SUSPENSES



Comento rapidamente três filmes de suspense vistos em vhs.

HORAS DE DESESPERO (Desperate Hours)

Refilmagem do thriller homônimo de William Wyler. Engraçado como hoje em dia o Wyler não é bem visto pelos críticos em geral. Tá certo que o cara não tinha um estilo, por assim dizer, mas ele assinou tanta coisa boa. Qualquer dia eu faço um festival dele aqui. Não lembro se eu cheguei a ver o filme original, mas esse remake que o diretor Michael Cimino fez em 1990 é muito bom. A trama é simples: um ladrão (Mickey Rourke) e seus dois parceiros invadem a casa de uma família rica para assaltar e os usam como reféns. As cenas externas funcionam tão bem quanto as internas e há um belo trabalho de interpretação. Também no elenco: Anthony Hopkins, Mimi Rogers, Kelly Lynch e Elias Koteas. Cimino foi o cara que quebrou um estúdio com o filme O PORTAL DO PARAÍSO. Hoje ele sente dificuldade em fazer filmes em Hollywood, o que é compreensível.

UM CLARÃO NAS TREVAS (Wait Until Dark)

A bela Audrey Hepburn é uma cega que tem sem saber em sua casa uma boneca cheia de pacotinhos de heroína nesse filme de 1967 de Terence Young. Três sujeitos tentam de todo jeito enganá-la e pegar de volta a tal boneca. O filme se passa quase que totalmente dentro da casa, o que fica na cara que é a adaptação de uma peça teatral. Achei um pouco arrastado na primeira hora, mas depois o filme desperta o interesse à medida que a protagonista fica sabendo que está sendo enganada. Além do mais, Alan Arkin como o vilão sádico está ótimo. Gravado do canal Mundo. Saiu em DVD recentemente pela Warner.

SEDUÇÃO FATAL (Eye of the Beholder)

Estranho filme de 2000 em que Ewan McGregor é um detetive especial que tem a tarefa de vigiar pessoas suspeitas. Até que ele se apaixona por uma delas (Ashley Judd). Na verdade, a moça nem era suspeita. Era uma assassina mesmo. Ele passa a protege-la como um anjo. A estranheza do filme aumenta porque o personagem de McGregor está de vez em quando do lado do fantasma de uma garotinha (sua filha). Além do mais, a tecnologia que ele usa para a espionagem é futurista. É um filme interessante, mas que não chega a ser bom. Gostei das referências astrológicas que o filme de vez em quando menciona. Gravado da FOX.

O SORRISO DE MONA LISA (Mona Lisa Smile)



"Cinema é como sexo: até ruim é bom." Mas às vezes a gente fica com tanta vontade de deixar a salinha escura antes de o filme acabar que essa frase deixa de ser confiável. Aliás, essa é uma variação da frase "Sexo é como pizza..." do filme TRÊS FORMAS DE AMAR. Hoje tinham poucas boas opções nos cinemas e como eu não queria ficar em casa (ontem só faltei pirar), resolvi encarar esse.

Difícil acreditar que o mesmo diretor de QUATRO CASAMENTOS E UM FUNERAL tenha assinado um filme tão ruim. E o filme tem a Julia Roberts que, por mais que muita gente torça o nariz pela moça, ela ainda é a maior estrela de Hollywood na atualidade. Acredito que ela não estava prevendo tal fracasso. Incomoda ver todos os elementos do bom melodrama serem usados nessa xaropada que só provoca tédio.

Na história, que se passa nos anos 50 pré-rock n’ roll, Julia Roberts é uma professora novata que sente dificuldade em trabalhar de maneira livre numa escola tradicional para moças. O que mais a incomoda é o fato de que as meninas são todas nascidas para o casamento, jogando, pro ralo toda a boa educação que elas têm na escola.

Eu geralmente gosto desses filmes “de professor”. Mais recentemente pude ver o ótimo ESCOLA DE ROCK. Tiveram outros legais como MENTES PERIGOSAS, com a Michelle Pffeifer; ou MR. HOLLAND, com o Richard Dreyfuss (Xi, esse eu chorei pra caramba). Teve também NUNCA TE AMEI, de Mike Figgis. E o melhor de todos: o maravilhoso SOCIEDADE DOS POETAS MORTOS.

Quanto aO SORRISO DE MONA LISA, é pura perda de tempo e dinheiro. Bom, salvam-se as performances de Julia Stiles e Maggie Gyllenhaal. Kirsten Dunst não é boa atriz e está perdendo a beleza que tinha nos tempos de AS VIRGENS SUICIDAS.

CURTAS: LYNCH, CRONENBERG, VALENTE E MIYAZAKI



Alguns curtas comentados rapidamente. Todos eles foram vistos no PC.

DARKENED ROOM

Esse curta de David Lynch tem muito em comum com RABBITS e com CIDADE DOS SONHOS, ainda que seja inferior a esses trabalhos. De RABBITS temos o quarto escuro com uma moça loira chorando de desespero por algo que não sabemos o que é. Apesar de não termos conhecimento do que ela está passando, sentimos uma certa empatia, como se no fundo entendêssemos o que é aquele seu desespero. Algo de muito ruim aconteceu e ela está sozinha e com medo. Uma outra moça (morena e ainda mais bonita) entra pela porta e fala acerca de sonho e realidade e sobre simbolismos de significado oculto. Essa é a parte que lembra bastante CIDADE DOS SONHOS. Lynch cada vez me deixa mais ansioso pelo seu próximo trabalho em longa-metragem.

DUMBLAND

Série de curtas em animação em 8 episódios, onde Lynch volta às origens (Lynch começou fazendo animação com o curta SIX FIGURES GETTING SICK). A animação de DUMBLAND foi realizada em flash e os traços estão bem toscos. O personagem principal é um sujeito bem grosseiro, uma espécie de Seu Lunga de subúrbio americano. O que eu me surpreendi nessa série de curtas foi a extrema violência, o humor negro e, principalmente, a escatologia (o surrealismo já era de se esperar). Destaque para o episódio 5, em que o grosseiro protagonista vai tentar tirar um espeto da boca de um homem. Esse episódio é especialmente violento e perturbador. O som também contribui para o clima enervante. É bom evitar ver esses curtas quando se estiver estressado.

CAMERA

Esse curta de 6 minutos de David Cronenberg (foto) é um trabalho intimista sobre a natureza do cinema, o envelhecimento e a memória. Nele, um homem idoso comenta para o espectador o fato de que as crianças da casa encontraram e botaram para funcionar uma velha câmera. O curta foi eleito um dos dez melhores filmes de 2002 por Daniel Caetano, da Contracampo. É um trabalho interessante para estudantes de cinema.

UM SOL ALARANJADO

Esse filme de estréia de Eduardo Valente, também redator da Contracampo, ganhou até prêmio no Festival de Cannes. E a felicidade foi maior ainda para o diretor ao receber o prêmio das mãos de ninguém menos que Martin Scorsese. Não dá pra contar muito da história com o risco de estragar a surpresa, mas é um filme praticamente sem diálogos, com grande poder nas imagens e que mostra um relacionamento entre filha e pai. No final, a belíssima canção do Los Hermanos, “Quem Sabe”.

ON YOUR MARK

Videoclipe de 1995 que o mestre Hayao Miyazaki fez para a banda pop japonesa Chage & Aska . Quem acha aqueles clipes em animação do Daft Punk sensacionais precisa ver a maravilha que é esse trabalho do maior diretor de animação do mundo. Dos temas recorrentes na obra de Miyazaki temos aqui a magia de voar, como um impulso que nosso espírito tem de transcender os limites do mundo físico. Já nos emocionamos com seqüências de vôo em vários filmes do diretor como LAPUTA: CASTELO NOS CÉUS, NAUSICAÄ DO VALE DOS VENTOS, PORCO ROSSO e no mais recente A VIAGEM DE CHIHIRO. A história desse filme, toda contada através de imagens e auxiliada pelo poder da canção "On your mark", é sobre dois sujeitos que encontram um anjo ferido(se anjo tiver sexo, então esse é feminino) e começam a ser perseguidos pelo exército. Emocionante.

Agradeço aos amigos Pablo e Marcelo que, de uma forma ou de outra, me cederam essas obras.

HORROR



Esse é um filme que é difícil até fazer sinopse. Primeiro porque não tem bem uma história. Não é um filme "de história" por assim dizer. É mais uma sucessão de imagens de horror dentro de uma trama incompreensível. Se é que existe mesmo uma trama. Nesse sentido, lembra A CASA DO ALÉM (1981), de Lucio Fulci, que também é um filme que despreza um plot, em detrimento de suas imagens e atmosfera.

Mas diferente dos filmes de Fulci, esse HORROR (2002), de Dante Tomaselli, não tem preferência por seqüências gore. Os efeitos utilizados são simples e se você não entrar no clima do filme, pode ficar até indiferente às cenas de horror. Pelo menos, foi o que aconteceu comigo. Apesar de o filme só ter uma hora e quinze minutos de duração, pra mim parecia durar mais que isso. O que me incomodou foi justamente essa tentativa de pegar o espectador apenas pela atmosfera e acabar não levando a lugar nenhum.

No filme acontece a repetição de certas coisas, como a porta que se fecha sozinha, a aparição do bode misterioso e as três vezes em que a protagonista põe a mão debaixo da cama para pegar uma chave. Aliás, essa cena da cama foi a única que me assustou de fato. Ela lembra a inesquecível cena da garota mergulhando num poço para pegar uma chave em A MANSÃO DO INFERNO (1980), do Argento. Mas só lembra – passa longe da genialidade do filme do maestro.

Esse é o segundo longa de Tomaselli, jovem diretor americano, que começou com DESECRATION e cujo próximo projeto é SATAN’S PLAYGROUND. Esse diretor já tem muitos fãs dentro do cenário underground de filmes de terror. Numa entrevista que li dele, o entrevistador (da einsiders.com) o elogiava tanto que chegou a dizer que o filme é a mais visionária obra do gênero desde SUSPIRIA (1977), do Argento. Puro exagero. Ou então eu deixei passar muita coisa.

Filme visto em divx.

CLINT EASTWOOD EM DOIS FILMES



Assisti gravados da tv esses dois filmes de fases diferentes da carreira do Eastwood ator e diretor.

IMPACTO FULMINANTE (Sudden Impact)

Esse filme de 1983 ainda não tem aquela sofisticação da obra de Eastwood que se iniciou a partir de CORAÇÃO DE CAÇADOR (1990), mas é um ótimo filme de investigação criminal, que de certa forma antecipa o que veremos no badalado SOBRE MENINOS E LOBOS (2003). Esse é o único filme da série “Dirty Harry” que foi dirigido pelo próprio Clint. Fica atrás do primeirão, PERSEGUIDOR IMPLACÁVAL (1971), do mestre Siegel, mas mantém a cara dos primeiros filmes. É sempre bom ver o velho Harry Calahan chutando traseiros dos bandidos e resolvendo muita coisa na porrada mesmo. Na trama, Calahan investiga uma série de assassinatos cujo modus operandi é sempre um tiro na genitália e outro na cabeça da vítima. O filme não é um whodunit, como o filme mais recente do homem: esse já entrega a assassina e suas razões logo no início do filme. É mais do mesmo da série, mas quem quer coisa diferente num filme de Dirty Harry? Gravado da Globo.

CRIME VERDADEIRO (True Crime)

Em 1999, Eastwood já era diretor consagrado e de sensibilidade, ganhador de Oscar por OS IMPERDOÁVEIS (1992) e que já tinha feito muita gente chorar com UM MUNDO PERFEITO (1993), AS PONTES DE MADISON (1995). E o pior é que assim como em UM MUNDO PERFEITO, o meu favorito do diretor, CRIME VERDADEIRO é um filme que faz você chorar mesmo. Na história, Clint é um jornalista encrenqueiro que vai fazer uma reportagem sobre um homem que vai morrer de injeção letal por assassinato. Acontece que pelo seu faro, o homem é inocente. E restam poucas horas para que ele possa encontrar evidências que o inocentem. O filme é sempre carregado de nervosismo, já que Clint está com a própria vida bem bagunçada e prestes a perder a mulher e o emprego. Emocionante as cenas do condenado à morte e sua esposa e filha. Eu sempre choro nesses filmes de condenação, tipo OS ÚLTIMOS PASSOS DE UM HOMEM e À ESPERA DE UM MILAGRE. Agora tem mais um pra aumentar as fileiras. Gravado da TNT.

Por falar em nervosismo, hoje estreou a 3a temporada de 24 HORAS na Fox. O nível da série continua o mesmo. Resta saber se no desenvolvimento dos outros 22 episódios, a série vai conseguir superar a sua excelente 2a temporada em ação e emoção.

SWIMMING POOL – À BEIRA DA PISCINA (Swimming Pool)



Antes de eu sair de férias tinha deixado no HD do computador da empresa uma cópia em divx desse filme de François Ozon, mas resolvi não vê-lo na telinha do PC. Ainda bem. Que prazer que é ver esse filme na telona do cinema.

SWIMMING POOL (2003) é mais uma bola dentro de Ozon, que pode não agradar a todos, mas faz filmes sempre inteligentes e de uma maneira peculiar. O primeiro filme que vi dele foi GOTAS D’ÁGUA EM PEDRAS ESCALDANTES (2000). Nesse ótimo filme, relacionamentos homossexuais são tratados com muito humor, o que até lembra um pouco o cinema de Almodóvar. Mas para a alegria da comunidade hetero, o filme tinha a maravilhosa e gostosa Ludivine Sagnier nua ou de lingerie. Ela apareceu também em 8 MULHERES (2002), mas estava vestida o tempo todo; logo, não foi tão emocionante.

Em SWIMMING POOL ela está com os seus lindos seios de fora quase o tempo todo. E que beleza que é aquilo. Chego a imaginar se existem seios mais belos que aqueles. Se Salomão estivesse vivo nos dias de hoje poderia dedicar o trecho do livro de Cânticos para ela. (“Os teus dois seios são como duas crias, gêmeas de uma gazela, que se apascentam entre os lírios.” Cântico 4.5). Mas chega de falar dos peitos dessa mulher. E eu nem falei de outras partes do corpo dela ainda.

A história do filme também é bem envolvente. A inglesa Charlote Rampling é uma escritora de romances policiais que vai passar um tempo numa casa de campo de seu editor na França a fim de parir a sua mais nova obra. A tranqüilidade do lugar é interrompida com a chegada de Julie (Ludivine), a filha do editor. As duas mulheres vão entrar em conflito e o filme vai ganhando novos contornos até se tornar um filme de suspense.

O final deixa a gente coçando a cabeça, tentando entender o que de fato aconteceu, mas isso é um ponto positivo para o filme, que continua na cabeça do espectador por um bom tempo. Quando eu saí do cinema, fui tomar um chope com o Zezão para refrescar as idéias e procurar entender a trama. Ele tem uma teoria interessante e eu acho que é a correta. Mas não vou deixar spoilers aqui.

Como é quase certeza eu não ir viajar no carnaval, devo pegar pelo menos mais um filme do Ozon na locadora. Ainda falta eu ver SOB A AREIA (2000) e SITCOM (1998).

CONTO DE INVERNO (Conte d’hiver)



Hoje pela manhã fui novamente para a sessão de arte prestigiar a mostra dos filmes de Eric Rohmer, que prosseguem até o mês de março. Nessa semana começou a exibição do ciclo de filmes das estações do ano. O primeiro filme escolhido para dar o start foi CONTO DE INVERNO (1992), o segundo filme desse ciclo.

Lá no cinema, estava o Governador Lúcio Alcântara, que falou alguma coisa sobre um melhor acesso para os estudantes com o organizador Pedro Martins Freire. Não sei direito o que foi que eles falaram, mas se for para baratear o preço do ingresso, eu dou o maior apoio.

Vendo os primeiros dez minutos de CONTO DE INVERNO você não imagina que vai gostar tanto do filme, já que o filme é muito centrado nos diálogos. Na história, Felicie conhece Charles numas férias de verão, os dois se apaixonam, mas na hora de passar o endereço, ela acidentalmente troca o nome da cidade e eles não têm como se comunicar. Passados cinco anos, ela está com uma filha desse encontro e vive desiludida por não encontrar amor de verdade nos atuais pretendentes (Maxence, o cabeleireiro e Loic, o intelectual). Para ela, o importante é estar com alguém quando se ama de fato, completamente, loucamente.

No início fiquei meio distante da trama, mas com o tempo a gente simpatiza com os personagens, principalmente com a Felicie e o Loic. Os diálogos são muito bons, especialmente quando dissertam sobre vidas passadas, almas gêmeas, moralidade e fé.

Depois do carnaval vai ser exibido o CONTO DE VERÃO (1996). Se for tão bom quanto esse, vou virar fã desse tal de Rohmer.

Só fiquei desanimado hoje porque descobri que o meu dvd player não está funcionando. Porra, ontem mesmo ele tava legal... E como eu dependo do aparelho para ouvir meus discos, estou desolado. Gripado, liso, triste e sem ter como ouvir músicas a não ser pela caixinha de som do computador, o que é bem frustrante. Tomara que não seja nada grave e eu não precise comprar um novo aparelho.

TAXI DRIVER

"The whole conviction of my life now rests upon the belief that loneliness, far from being a rare and curious phenomenon, is the central and inevitable fact of human existence."

Thomas Wolfe
"God's Lonely Man"

Essa é a frase que abre o documentário de Laurent Bouzereau presente como o principal extra do DVD de TAXI DRIVER – Edição de Colecionador. Engraçado que a primeira vez que vi esse filme eu não tinha notado que era um filme sobre a solidão. Talvez por ser difícil identificar-se com o personagem perturbado de Robert DeNiro. Eu mesmo há uns cinco anos me comportava como se tivesse ódio da humanidade. Tudo por causa da solidão, da insatisfação, da sensação de abandono. Ainda bem que eu nunca quis pegar uma arma e sair atirando nos meus desafetos. Hoje em dia eu banco o bom rapaz e não tenho mais raiva de ninguém.

Voltando pro filme, rever em DVD, com som original e digital e em widescreen, é outra coisa. Se bem que eu achei a fotografia um pouco escura, mas acho que o filme foi feito assim mesmo. A intenção era mesmo fazer um filme cru, sem muitos enfeites nos diálogos, tentar aproximar o filme da vida. Tanto que DeNiro pra se preparar para o papel, dirigiu uns táxis. Inclusive, um passageiro que pegou o taxi reconheceu o ator e diz a lenda que o cara falou: “você ganhou o Oscar por O PODEROSO CHEFÃO II e está agora trabalhando de taxista?” Quem também aprendeu com alguém das ruas foi Jodie Foster, que teve o auxílio de uma verdadeira prostituta. Inclusive, a prostituta é aquela que aparece do lado da Jodie no filme.

O personagem de DeNiro era meio estranho em relação a sexo: ia para cinemas pornô, mas assistia o filme comendo pipoca como se fosse um filme de aventura. E ainda fez a besteira de levar uma garota pra esse tipo de lugar. Ele tinha algo de inocente.

O contraponto da sujeira nas ruas é a personagem de Cybill Shepherd. Meu Deus, aquela mulher nos anos 70 era gatíssima. Acho que no ano do filme, 1976, ela estava no auge da beleza. Ela já tinha estreado em A ÚLTIMA SESSÃO DE CINEMA (1973), do Bogdanovich, e parece que o Scorsese gostou dela. Esse pessoal é tudo da mesma geração mesmo: Scorsese, DePalma, Spielberg, Lucas, Coppola, Bogdanovich. São todos da mesma panelinha.

Inclusive, foi DePalma quem apresentou Paul Schrader a Scorsese. E o Schrader já tinha o roteiro de TAXI DRIVER pronto há algum tempo. Depois dá pra saber o que aconteceu.

No documentário MAKING TAXI DRIVER, de 70 minutos, há a presença de muita gente boa: além do diretor e do roteirista, tem a Cybill, o DeNiro, o Keitel, a Jodie Foster, o Albert Brooks.... Nossa, quanta gente boa num filme só. E ainda tem mais: o cara que fez a trilha sonora é ninguém menos que Bernard Hermann, que estava muito doente quando trabalhou nesse filme e acabou morrendo logo. Mesmo assim, foi indicado ao Oscar pela trilha sonora, concorrendo com ele mesmo, pelo OBSESSION do DePalma.

Além desse documentário, há também o script original do Schrader, storyboard e uma galeria de fotos com um comentário em áudio do Laurent Bouzereau. Ele entrega um monte de coisas, como de onde surgiram os nomes dos personagens, histórias sobre Scorsese, Truffaut e Schrader etc. Sobre os nomes, por exemplo, soube que Travis vem de “travel” (viagem) e Betsy era o nome de uma antiga namorada de Schrader. E por aí vai. Quem quiser saber mais que alugue o DVD e afine os ouvidos, porque os extras não vêm com legenda. Uma pena, principalmente quando é o Schrader que está falando. Aquele cara parece que tá com uma batata quente na boca. E eu que já não tenho um listening skill lá muito bom, penei pra entender. Mas valeu. Valeu também os dez reais que paguei por esse disquinho. Uma pechincha.

Só pra completar: TAXI DRIVER nem é o meu preferido do Scorsese. Na frente, ficam TOURO INDOMÁVEL, OS BONS COMPANHEIROS, A ÚLTIMA TENTAÇÃO DE CRISTO e GANGUES DE NOVA YORK.

COLD MOUNTAIN



Hoje era pra eu ter ido ver SWIMMING POOL, mas por causa de um compromisso anterior, acabei me atrasando e resolvendo de última hora ver logo COLD MOUNTAIN. A má notícia foi a gripe que me pegou de novo. Argh.

Quanto ao filme de Anthony Minghella, é até melhor do que eu esperava. Está melhor que os filmes anteriores (O PACIENTE INGLÊS e O TALENTOSO RIPLEY), o que não quer dizer muito, mas Minghella continua fazendo filme burocrático e pouco satisfatório. A Miramax vive insistindo em enganar o público dizendo que ele é um grande cineasta. Esse ano, eles não conseguiram enganar nem a Academia. O filme nem foi indicado aos Oscar de filme e direção e nem a Nicole Kidman foi indicada dessa vez. Melhor sorte tiveram Jude Law e Renée Zellweger (essa tá cada vez mais feinha), conquistando suas indicações.

Aliás, a melhor coisa do filme é mesmo o elenco. Além do belo casal e da Renée, podemos conferir participações especiais de Jack White (dos White Stripes), Donald Sutherland, Kathy Baker, Philip Seymour Hoffman e a belezura da Natalie Portman. É dela o melhor momento do filme. Eu cheguei a torcer para o Jude Law esquecer a Nicole e ficar logo com a mãe do Luke Skywalker.

As primeiras cenas de guerra são boas, o retrato dos EUA do Sul também é bem feito. E no final o filme adquire até uma cara de western. O problema é que é um filme que quer emocionar mas não consegue. A história do cara que abandona a guerra para se encontrar com sua amada é até legal, mas que final mais sem graça aquele, hein.

Dá saudade de ...E O VENTO LEVOU, esse sim o melodrama definitivo sobre a Guerra Civil americana. Esse clássico é batata. É assistir e chorar. Coisa que o Minghella não consegue fazer com a sua arte barata.

A ENCANTADORA DE BALEIAS (Whale Rider)



Engraçado. Quando eu estava voltando da sessão desse filme, estava lendo no ônibus o livro O INVENTOR DA SOLIDÃO, de Paul Auster, e há no livro uma citação ao Livro de Jonas (da Bíblia), que o autor menciona como uma das mais poderosas estórias sobre medo e solidão. Aí, eu lendo sobre esse livro do Jonas, que ficou dias na barriga de uma baleia, lembrei que vi num filme recentemente outra menção a esse mítico profeta. Mas em que filme era? Terá sido num dos dois Khouris que eu vi recentemente? Ou terá sido num sonho ou era apenas impressão minha? O fato é que nesse momento em que eu me sinto acovardado diante da vida, me deu uma vontade de reler esse livro. Acho que vou fazer isso nesses dias. É curtinho. Paul Auster me despertou essa vontade.

Ao contrário de Jonas, que se acovardou e fugiu com medo de ser um mensageiro de Deus, em A ENCANTADORA DE BALEIAS, de Niki Caro, vemos Paikea (Keisha Castle-Hughes) uma garotinha com espírito de liderança, que perdoa o avô pelos maus tratos, que o ama e o entende mais do que a grande maioria dos adultos do vilarejo. A menina é descendente de uma linhagem nobre de um subgrupo dos maoris. Ela seria imediatamente posta como futura líder, se não tivesse nascido mulher. A partir dessa situação, o filme mostra uma sutil revolução feminina, que não afronta os mais velhos e suas tradições mas que, ao mesmo tempo, se impõe para mostrar o seu valor.

Eu confesso que fiquei bastante emocionado com esse filme. Não estava esperando tanto assim. O filme é um sensível drama que se diferencia daqueles made in Hollywood, que a gente está acostumado a ver.

A garotinha de 13 anos, Keisha Castle-Hughes, foi indicada ao Oscar pelo papel, o primeiro e por enquanto único de sua carreira. E entrou para a história da premiação como a mais jovem atriz a concorrer na categoria de atriz principal. Difícil não se derreter na cena em que ela faz um discurso na escola e confessa o seu profundo respeito e amor pelo avô.

Outro tópico de discussão que o filme propõe é a respeito da sobrevivência de certas tradições. Eu não me considero uma pessoa tradicional, por assim dizer. Não ligo pra Bumba-meu-boi, não gosto de música tradicional brasileira, não respeito os feriados etc. Por isso, enquanto assistia ao filme, ficava imaginando se aquela tradição não teria nascido da mentira e da ignorância, como várias outras. Mas quem sou eu pra julgar uma coisa tão antiga e que é capaz de manter vivo um povo que está praticamente em extinção?

Esse é apenas o segundo filme que eu vejo dos candidatos a melhor atriz no Oscar. E até prefiro Keisha a Naomi Watts, indicada por 21 GRAMAS. Ainda falta estrear na cidade os filmes ALGUÉM TEM QUE CEDER, TERRA DE SONHOS e MONSTER, para que eu possa apreciar a performance de Diane Keaton, Samantha Morton e da favorita Charlize Theron.

P.S.: Lembrei!!! O filme que faz menção a Jonas é MESTRE DOS MARES, naquela seqüência em que um dos jovens da embarcação sente-se culpado pela má sorte do navio.

A ÚLTIMA GARGALHADA (Der letzte Mann)



Trilha sonora utilizada:
Radiohead - HAIL TO THE THIEF

Nesses dias, botei na cabeça que queria ver um filme mudo com uma trilha sonora moderna para ver que barato dava. E não é que funcionou? A idéia era ignorar a trilha constante no DVD, e experimentar ver o filme aproveitando-me também de momentos emocionantes da música. Escolhi o Radiohead pós-OK COMPUTER exatamente por já se parecer por si só com uma trilha pra cinema. (Ou vocês não acharam “Everything in its right place” em VANILLA SKY um dos pontos altos do filme?). O Radiohead dos novos tempos não tem a preocupação de fazer melodias assobiáveis e fáceis, o que tiraria a atenção do filme. Acho que fiz uma boa escolha pra trilha, apesar de preferir KID A.

Sobre trilhas sonoras diferentes usadas em filmes mudos, nos anos 80, METROPOLIS (1926), de Fritz Lang, foi reexibido nos cinemas com uma trilha modernosa. Não é filme mudo, mas há a lenda de que DARK SIDE OF THE MOON, do Pink Floyd, é um disco que funciona muito bem se posto como trilha sonora do filme O MÁGICO DE OZ. Dizem que acontece uma surpreendente sincronia entre as duas obras.

Bom, é claro que não houve uma excelente sincronia entre esse disco do Radiohead e a obra-prima de Murnau, mas quero comentar aqui algumas coisas interessantes. Algumas faixas funcionaram bem e causaram uma “quase sincronia”, especialmente “Sit down, stand up”, uma canção angustiante que combinou com a rotina do personagem principal, o porteiro, no início do filme. “We suck young blood” coincidiu com a sensacional seqüência do sonho do protagonista. Além do mais, auxiliado pela música, eu sentia certas palpitações no coração quando ângulos de câmera “milagrosos” me pegavam de surpresa várias vezes durante o filme. O que mais me impressiona é que esse filme foi feito em 1924!!!

Essencial pra quem leva cinema a sério, A ÚLTIMA GARGALHADA, de F. W. Murnau, é uma dessas obras que continuam impressionando apesar do passar dos anos. Também é um filme que comprova o poder das imagens, quando sabiamente utilizadas. O filme não tem as legendas que serviam de muletas para vários filmes mudos. No filme inteiro há apenas uma legenda semi-explicativa na reviravolta final, depois de uma hora de filme. Fora isso, parte da trama é “explicada” por palavras somente através de uma carta e de um jornal. Diferente de D.W. Grifith, por exemplo, que precisava de muitas palavras para ser entendido.

Na trama, um porteiro de um hotel luxuoso, por estar muito velho, é destituído de sua função e passa a trabalhar como atendente de toalete, uma posição que para ele era humilhante.

Mas como já dizia Hitchcock: menos importante é a história; mais importante é a maneira como ela é contada. E nisso Murnau era gênio. Ele é talvez o mais importante dos cineastas inventores do Impressionismo Alemão. Seus outros filmes mais famosos são NOSFERATU (1922), FAUSTO (1926) e AURORA (1927).

Vendo os comentários no IMDB, soube que esse filme teve um remake em 1955, sendo que, no lugar do porteiro, a protagonista era a linda Romy Schneider. Fica como curiosidade. Há muito o que analisar nessa obra, como o simbolismo da humilhação e do uniforme presentes no filme, mas não ouso tentar.

ANTHONY MANN, POLANSKI E VON TRIER



Comento a seguir três filmes de três cineastas consagrados. Vamos começar pelo melhor filme da trinca.

E O SANGUE SEMEOU A TERRA (Bend of the River)

Obra-prima de Anthony Mann, esse western de 1952 já está entre os meus favoritos desse tão nobre gênero. Esse é o melhor filme que eu vi esse ano, contando filmes vistos no cinema e na telinha. Na trama, James Stewart é um homem encarregado de guiar um grupo de pessoas à procura de um lugar para se estabelecer. Stewart tem um passado de fora-da-lei, mas anda querendo mudar de vida. O rumo das coisas muda quando, no meio do caminho, Stewart salva Arthur Kennedy de ser enforcado. Os dois ficam relativamente amigos, ganham respeito mútuo por serem ambos famosos pela bandidismo. No elenco, ainda vemos Rock Hudson num papel meio apagado.

Uma das coisas agradáveis de ver filmes como esse, além do primor na narrativa, é poder testemunhar o surgimento de uma sociedade. Assim, podemos ver que aqueles que nos precederam sofreram muito para que hoje a gente possa ter esse conforto. O filme é o segundo western que o diretor fez com James Stewart. O primeiro foi WINCHESTER 73, que eu infelizmente ainda não vi. Ver um filme desses deixa a gente com vontade de pegar um monte de westerns de Mann, Ford, Wellman e Sturges para se esbaldar. Gravado da BAND.

A DANÇA DOS VAMPIROS (The Fearless Vampire Killers)

Depois da expectativa de mais dez anos, finalmente pude ver A DANÇA DOS VAMPIROS (1967), hoje um clássico de Roman Polanski. O filme é uma comédia de humor negro sobre dois caçadores de vampiros desastrados (um deles é o próprio Polanski) que vão “prestar serviços” num vilarejo ameaçado pelos dentuços. O destaque do filme, além da direção com poucos diálogos e imagens exuberantes, é a presença da lindíssima Sharon Tate, a esposa de Polanski que foi assassinada pelo bando de Charles Mason. Aliás, essa história, junto com toda a biografia do Polanski daria filmes quase tão grandes quanto os melhores da filmografia do homem. No DVD tem, de extras, centenas de fotos do filme, dos bastidores e principalmente de Sharon. Inclusive, há uma foto dela grávida (e linda) pouco tempo antes do massacre. Apesar de ser muito bom, A DANÇA DOS VAMPIROS não é nem um dos meus preferidos da filmografia do diretor.

EUROPA (Europa / Zentropa)

Enquanto DOGVILLE não chega aqui em Fortaleza, resolvi conferir em VHS esse filme de 1991 de Lars Von Trier. A ironia da coisa é que com tanta gente chamando o homem de manipulador, EUROPA já começa com uma narração em 2ª pessoa de Max Von Sidow, hipnotizando o protagonista do filme. Dessa forma, tanto o espectador quanto o personagem principal são jogados numa trama doida como se tivessem saltado de um pára-quedas. A estranheza aumenta com a trama, que se passa na Alemanha pouco depois do término da 2a Guerra Mundial. Há um grupo de nazistas autodenominado “lobisomens” que tem como objetivo matar os alemães que estão fazendo o jogo dos americanos. O filme tem uma atmosfera bem estranha e uma fotografia em preto e branco mas com partes em cores (às vezes no mesmo fotograma). O filme não fez a minha cabeça, fiquei confuso, mas de uma coisa é certa: esse Von Trier pode ser um filho da puta, mas que é sempre original, isso ele é.

SEABISCUIT - ALMA DE HERÓI (Seabiscuit)



Hoje fui conferir o filme que faltava eu ver dos indicados na categoria “Melhor Filme” do Oscar desse ano: SEABISCUIT, dirigido por Gary Ross, de A VIDA EM PRETO E BRANCO (1998).

No fim das contas, achei o mais fraco dos cinco indicados. Estava até satisfeito com a qualidade dos filmes até agora: todos ótimos. Eis a exceção. SEABISCUIT é apenas um bom filme que tem a qualidade de trabalhar relativamente bem os clichês do sub-gênero “melodrama esportivo”. Acontece que são muitos clichês. E americano tem essa mania de querer ser vencedor, de contar histórias de gente que consegue ultrapassar barreiras e obstáculos para conseguir seus objetivos.

Pra começar, eu não me interesso por esporte, muito menos por corrida de cavalos. E daí que o cavalo vai ganhar?? Nem em futebol eu me animo tanto. Em copa do mundo, por exemplo, fico contagiado com o clima e tal, mas depois que o time ganha, dá aquela sensação de vazio, fico me perguntando pra que isso tudo, o que foi que eu ganhei torcendo. E a resposta é: nada. Não sou lá muito competitivo mesmo.

Na história do filme, três pessoas, nos EUA da Grande Depressão, se conhecem e formam um time que vai se tornar campeão nas pistas de corrida de cavalos. Jeff Bridges (sempre muito bom) é um homem de negócios que conhece Chris Cooper, um velho caubói que sabe amansar cavalos selvagens. Esse, por sua vez, conhece o jovem briguento Tobey Maguire, que vai se tornar o jóquei do cavalo manco e enfezado Seabiscuit. A trama do filme é bem delineada e tem umas elipses de tempo inteligentes. Mas se o filme não se estendesse tanto ficaria melhor. Achei que mais de duas horas foi tempo demais para ele.

Sendo assim, aí vai o meu ranking de favoritos na categoria Melhor Filme para o Oscar do próximo dia 29.

1. SOBRE MENINOS E LOBOS (Clint Eastwood)
2. O SENHOR DOS ANÉIS: O RETORNO DO REI (Peter Jackson)
3. MESTRE DOS MARES: O LADO DISTANTE DO MUNDO (Peter Weir)
4. ENCONTROS E DESENCONTROS (Sofia Coppola)
5. SEABISCUIT - ALMA DE HERÓI (Gary Ross)

Mandem bombas à vontade!!