HOMELAND – A TERCEIRA TEMPORADA COMPLETA (Homeland – The Complete Third Season)

Final totalmente inesperado e de deixar a gente com o coração apertado e com um nó na garganta o desta terceira temporada de HOMELAND (2013). Foi uma temporada complicada, que passava a impressão de que os roteiristas não sabiam que rumo tomar. Os primeiros episódios me enganaram direitinho, mas devia confiar mais em Saul (Mandy Patinkin), o simpático diretor do FBI, que sempre confiou em Carrie (Claire Danes), mas tinha suas reservas quanto a Brody (Damian Lewis).

A terceira temporada foi também a que mais ficou marcada pela ausência de Brody. Tão presente nas temporadas anteriores, o homem que passou de fuzileiro naval a terrorista e inimigo número um dos Estados Unidos, agora está sumido e por isso a temporada começa com o drama de Carrie, sem saber se o destino permitirá que ela se encontre novamente com o homem que ama.

Entre altos e baixos, a terceira temporada foi deixando de lado também a família de Brody, que só fazia sentido mesmo quando ele estava nos Estados Unidos. Longe da pátria e enfiado em um buraco qualquer do mundo, ele está quase esquecido. Mesmo assim uma subtrama envolvendo a filha ainda desperta emoção, tanto em um diálogo da garota com a mãe, quanto em sua última fala com o pai.

Eis uma série que teria terminado muito bem agora. Não consigo imaginar uma quarta temporada do jeito que as coisas ficaram. Por incrível que pareça, os vinte minutos finais de "The Star", o episódio final, me deixaram mais angustiado do que o momento mais perturbador. Isso porque se trata de uma situação em que o sentimento de indignação nos domina. E também saber que é preciso ter sabedoria para não fazer besteira. Mas esse tipo de sabedoria, vindo de Carrie, uma agente tão impulsiva e apaixonada, é algo muito cruel até de se imaginar.

Poderia usar este espaço para falar do empolgante episódio da entrada de Brody no Irã, que tanto se assemelha a alguns momentos de A HORA MAIS ESCURA, de Kathryn Bigelow, mas o momento é mais de calar.

O HOBBIT – A DESOLAÇÃO DE SMAUG (The Hobbit – The Desolation of Smaug)

Em certo momento de O HOBBIT – A DESOLAÇÃO DE SMAUG (2013), Gandalf (Ian McKellen) está atravessando uma montanha muito íngreme e isso faz lembrar a gravura misteriosa presente no encarte do quarto álbum do Led Zeppelin, banda que tantas vezes incluiu referências ao universo de J.R.R. Tolkien nas letras de suas canções. Peter Jackson pode ter pensado em fazer uma homenagem a essa figura do álbum. Ou é apenas coisa da cabeça deste que vos escreve.

Falando mais especificamente do filme, trata-se de uma obra ainda mais irregular do que a primeira parte, O HOBBIT – UMA JORNADA INESPERADA (2012), mas que, apesar de tudo, mostra o imenso talento de Jackson em construir sequências de tirar o fôlego, como a antológica luta envolvendo os anões, os orcs e dois elfos, entre eles Legolas (Orlando Bloom) e Tauriel, vivida pela linda Evangeline Lilly, mais lembrada por fazer a alegria de tantos espectadores de LOST anos atrás, no papel de Kate. Essa sequência, em particular, é como estar em uma montanha russa, de tão excitante que é. Ver em 3D numa sala apropriada e de qualidade ajuda bastante a tornar este e outros momentos especiais.

E se em UMA JORNADA INESPERADA houve um momento de prender a respiração e ficar com os olhos grudados na tela, que foi o encontro de Bilbo (Martin Freeman) com Gollum (Andy Serkis), em A DESOLAÇÃO DE SMAUG temos o tão esperado encontro de Bilbo com o dragão Smaug, aqui dublado por Benedict Cumberbatch (de ALÉM DA ESCURIDÃO – STAR TREK). Inclusive, para aqueles que teimam em ver cópias dubladas em português, eis um motivo mais do que justo para se ver o filme na versão legendada. Afinal, a voz poderosa de Cumberbatch e os efeitos de criação do dragão são combinações perfeitas. Passam de fato o temor que a criatura provoca.

Outro aspecto louvável do filme é a maestria com que Jackson utiliza suas gruas e suas panorâmicas, seja nos planos gerais, o que torna a sala de cinema o lugar ideal para apreciá-lo, quanto em cenas interiores. As cenas em que Bilbo usa o anel para ficar invisível também são destaque. Não esqueçamos da fantástica sequência das aracnas, já conhecidas de quem viu O SENHOR DOS ANÉIS. Aqui elas aparecem em maior quantidade e só não despertam maior pavor porque O HOBBIT possui um pouco mais de leveza, por mais que Jackson queira torná-lo tão sério e épico quanto a trilogia O SENHOR DOS ANÉIS. Na comparação, porém, vai sempre perder, o que não quer dizer que não seja uma baita aventura. Inclusive, deixando no chinelo a grande maioria dos blockbusters de 2013.

Em A DESOLAÇÃO DE SMAUG, Jackson continua sua ambiciosa intenção de ligar os pontos com a primeira trilogia neste prelúdio, com citações a personagens conhecidos, como o anão Gimli ou o grande vilão Sauron. Quanto a Richard Armitage, que faz o anão galã Thorin, ele brilha menos neste segundo filme do que Bilbo, que se mostra mais confiante, até por estar de posse do anel e também corajoso nas cenas de batalhas, entre outros tantos momentos.

Falando em batalhas, importante perceber o quanto os orcs são tão dignos de pena quanto baratas e daí Jackson aproveita o seu gosto por violência herdado dos filmes de horror para incluir momentos em que as criaturas horrendas são decapitadas com requintes de crueldade pelos heróis. Até porque não há motivo mesmo para gostar deles, dado o preto no branco característico do filme.

Para encerrar, é sempre bom lembrar da contribuição do compositor Howard Shore, que não inventou muito nesta nova trilogia, mas suas variações dos temas de O SENHOR DOS ANÉIS funcionam brilhantemente para a trama. O tema do anel só não fica mais belo e misterioso do que o da trilogia original porque ele resolve não se repetir completamente. Além do mais, é raro um compositor de trilhas de filmes de ação hollywoodianos não contribuir para tornar o filme enfadonho. Shore, que tem sido um dos grandes parceiros de David Cronenberg desde THE BROOD - OS FILHOS DO MEDO, mostra-se um mestre na condução da música, a qual entra em harmonia com os tantos momentos de drama e aventura que A DESOLAÇÃO DE SMAUG requer.

UM ESTRANHO NO LAGO (L´Inconnu du Lac)

Talvez tenha sido exagero por parte da revista Cahiers du Cinéma eleger UM ESTRANHO NO LAGO (2013), de Alain Guiraudie, como o melhor título lançado na França em 2013. Porém, exagero ou não, trata-se de um filme que merece sim ser conferido, até mesmo por aqueles que têm certa resistência a filmes que mostram homens se beijando, para dizer o mínimo, já que UM ESTRANHO NO LAGO é daqueles filmes raros, que normalmente só são vistos em festivais underground ou disponibilizados para download na internet. Mas quis o destino que o filme alcançasse o nosso circuito comercial, ainda que restrito ao gueto do circuito de arte. Que, de qualquer maneira, é o seu lugar.

A trama se passa em um lago que serve de ponto de nudismo para homossexuais que procuram um parceiro sexual. O protagonista é Franck (Pierre Deladonchamps), um rapaz que volta a frequentar o tal lugar, depois de um tempo de ausência, e que presencia um assassinato perpetrado por um sujeito por quem ele já nutria atração, Michel (Christophe Paou). Assim, apesar de ele já saber que ele matara afogado o ex-namorado, Franck não resiste às suas abordagens, como se o perigo fosse um atrativo ainda maior para ele.

Dentro do cinema hollywoodiano que se produzia nos anos 1940 e 1950, a figura de Michel se assemelharia a uma femme fatale. Um tipo de mulher perigosa, que pode ser vista também em neo-noirs produzidos nas décadas de 1980, como CORPOS ARDENTES, e 1990, como INSTINTO SELVAGEM. Quer dizer, há a mulher que é insuportavelmente atraente e que vira do avesso a cabeça do protagonista, a ponto de ele perder o bom senso.

Mas há também em UM ESTRANHO NO LAGO um personagem que talvez seja a alma do filme, um homem de meia idade chamado Henri (Patrick D'Assumçao), que costuma ir ao lago apenas para olhar para o horizonte. Ele não é homossexual, mas aprecia o lugar. E cria um vínculo de amizade com Franck que chega a ser comovente no momento em que ele confessa amar o novo amigo, ainda que não seja um amor com intenção de transar.

E por falar em transar, o filme é bastante ousado nas cenas que acontecem no bosque, o local onde vários homens cheios de desejo vão à caça ou já levam um parceiro para ficar mais à vontade entre os arbustos. As cenas de felação e ejaculação chegam a impressionar, já que não é algo que se veja com frequência nos filmes exibidos no cinema.

Assim, como se trata de um filme bem diferente, UM ESTRANHO NO LAGO é recomendado àqueles que querem sair da mesmice do cinema comercial e até mesmo de alguns cacoetes de certos filmes ditos de arte e se aventurar em um suspense um tanto diferente.

UM ESTRANHO NO LAGO ganhou o prêmio de direção na mostra paralela Un Certain Regard, em Cannes-2013, além da Queer Palm, dedicada a filmes com temática gay.

LINHA DE FRENTE (Homefront)

Saber que o roteiro de LINHA DE FRENTE (2013) é de Sylvester Stallone ajuda um pouco a entender a sua simplicidade, mas, ao mesmo tempo, a sua coerência com o trabalho do ator/autor. Assim como boa parte dos personagens que compõem a vasta galeria de tipos de Stallone, sendo o Rambo do primeiro filme, RAMBO – PROGRAMADO PARA MATAR (1982), o mais representativo, o protagonista de LINHA DE FRENTE aparece numa cidadezinha querendo paz e tranquilidade. Mas não é isso o que ele consegue. Daí ele ter que agir também com violência.

Como a idade já está começando a pesar para Stallone para determinados papéis, ele fez por bem entregar o papel para seu amigo, Jason Statham, da nova geração, um dos mais queridos action heros da atualidade. Statham, além de ter carisma, também faz cenas de ação como poucos no cinema hollywoodiano. É um ator que veio da Inglaterra, mas que se estabeleceu muito bem ao sistema americano e aos filmes de ação.

Em LINHA DE FRENTE ele é Phil Broker, um ex-agente da Divisão de Narcóticos que abandona o emprego em prol de uma vida mais tranquila e dedicada à filha de nove anos. Devido ao falecimento recente da mãe da garota, ele acredita que o melhor lugar para os dois é longe da criminalidade das grandes metrópoles. E também um lugar para curar os corações que ainda sofrem com a ausência da esposa e mãe.

Acontece que as cidadezinhas americanas são tão ou mais perigosas que as grandes. Pelo menos é o que nos leva a crer tanto filme feito nos Estados Unidos que aborda o lado podre dessas pequenas cidades. No caso de LINHA DE FRENTE, o primeiro incidente a abalar as estruturas da vida de Phil acontece na escola de sua filha, quando a garotinha espanca um colega que tenta lhe praticar bullying. Ela dá uma lição no moleque, exibindo os conhecimentos de defesa corporal que o pai lhe ensinou e isso acaba criando um efeito dominó, que envolve a mãe (Kate Bosworth, bastante magra e pálida nesse papel) e o pai da menina, o tio, que é o grande chefe do tráfico local (vivido por James Franco), sua namorada (Winona Ryder), entre outros. A situação não fica fácil para Phil, que tenta esconder da filha os perigos que estão passando.

O filme é correto e entretém muito bem, mas falta-lhe um pouco mais de veneno, de algo que nos deixe com o sangue intoxicado como os grandes thrillers são capazes de fazer. Afinal, o roteiro tem tudo para isso. Provavelmente o pouco impacto do filme se deva à pouca inspiração de Gary Fleder na direção. Embora ele tenha no currículo thrillers interessantes como BEIJOS QUE MATAM (1997) e O JÚRI (2003), o fato de ter trabalhado muito na televisão faz dele mais um operário do que um cineasta que poderia transpor com sucesso para as telas mais um exemplar do arquétipo stalloniano de herói.

COMO NÃO PERDER ESSA MULHER (Don Jon)

Joseph Gordon-Levitt tem uma interessante filmografia como ator. Atualmente costuma ser mais lembrado por seus trabalhos em A ORIGEM, de Christopher Nolan, e em (500) DIAS COM ELA, de Marc Webb. Este último tem um diálogo mais próximo com o primeiro longa-metragem de Gordon-Levitt como diretor, COMO NÃO PERDER ESSA MULHER (2013). Isso porque ambos os filmes tratam de relacionamentos e ambos trazem duas beldades do cinema contemporâneo: o filme de Webb traz Zooey Deschanel; o seu filme traz Scarlett Johansson, atriz que se tornou objeto de desejo de tantos espectadores ao redor do mundo pela beleza e sensualidade.

E nesse sentido Gordon-Levitt foi muito esperto em explorar todo o fetiche que uma mulher sensual como Scarlett desperta. Ou pelo menos explorar a imagem que a mídia e os espectadores criaram dela. Neste filme ela é a mulher que mexe com a vida de um rapaz independente (o próprio Gordon-Levitt) que se recusa a ter um relacionamento estável e sempre prefere encontros casuais e transas de uma noite e a pornografia. Para ele, nenhuma mulher, por melhor que seja, consegue atingir o prazer que a pornografia aliada à masturbação são capazes. Por isso, ainda que ele tenha aceitado e querido tanto a personagem de Scarlett, Barbara, ele não consegue deixar de lado o seu vício.

COMO NÃO PERDER ESSA MULHER não chega a explorar o vício em pornografia tanto quanto SHAME, de Steve McQueen – são registros diferentes, um é drama, outro é comédia –, mas o assunto é tratado de maneira interessante. Até porque também está atrelado à culpa católica: o personagem vai toda semana à igreja se confessar para receber a devida penitência pelas masturbações e transas fora do casamento. Mas a culpa para ele não é tão grande assim, já que ele pode rezar enquanto se exercita na academia de musculação e o padre oferece sempre remissão dos pecados, o que o deixa com a consciência limpa.

Essa questão da culpa, ainda que importante para a construção do personagem, que é de uma família ítalo-americana de Nova Jersey, acaba se tornando menos importante que a exploração do relacionamento dos dois, do modo como ela consegue mandar nele e proibir que ele veja pornografia, algo que para ela é extremamente abominável. Nesse primeiro momento do relacionamento dos dois, destaque para a cena em que ela não deixa que ele entre no apartamento dela para a primeira relação sexual e, mesmo assim, com todo a voltagem sexual daquele momento, ela consegue algo impressionante. É, certamente, a cena mais sensual do filme.

Mas, COMO NÃO PERDER ESSA MULHER cresce mesmo quando começa a entrar cada vez mais na vida do protagonista a personagem de Julianne Moore, uma mulher mais velha do que ele, mas cuja experiência de vida faz com que ela saiba muito sobre ele sem precisar de muito esforço. E é nessa hora que o filme dá uma bela guinada e se transforma em um convite à reflexão sobre a vida, os amores, o sexo e a experiência versus a juventude.

SEINFELD – 9ª TEMPORADA (Seinfeld – Season 9)

A turma de SEINFELD, que desde a oitava temporada estava sem uma de suas cabeças principais e mais inteligentes, Larry David, resolveu parar na nona temporada (1997-1998). No curto mas muito legal extra que consta no box da temporada de despedida de Jerry, George, Elaine e Kramer, os quatro mais Larry David, que voltou apenas para fazer o roteiro do episódio final ("The Finale"), conversam, passados 10 anos, sobre o que de bom viveram durante a série, sobre as participações especiais e sobre se aquele era mesmo o momento certo de parar, já que era uma das séries mais populares e cultuadas naquele momento.

Na minha opinião, SEINFELD parou na hora certa. Segundo Jerry, eles não tinham mais como melhorar. Talvez até fosse possível, mas sentiu-se a queda da série depois da saída de David. Claro que há episódios memoráveis nesta temporada. E o meu favorito é, sem dúvida, "The Merv Griffin Show". O interessante é que eu não conheço o show que é homenageado, mas não tem como não se mijar de rir com as presepadas de Kramer, que aqui atinge o seu momento mais brilhante na história da série ao encontrar o cenário de um programa de TV e chamar os amigos para participarem. E ainda tem a subtrama de uma namorada de George que pede para que ele cuide de um esquilo que ele atropelou. Sensacional.

Se todos os episódios fossem tão bons seria um espetáculo, mas ainda assim há outros de grande peso, como "The Serenity". Aliás, sempre que o pai de George, interpretado pelo genial Jerry Stiller, aparece pode se preparar que vem coisa boa. Esse cara é tão engraçado que basta ouvi-lo dizer qualquer bobagem que ele rouba logo a cena. Ah, e como esquecer do episódio de trás pra frente, "The Betrayal", envolvendo o casamento de uma amiga de Elaine? Genial mesmo. E o bacana é que nos extras tem a opção de ver o episódio com a ordem cronológica dos acontecimentos. Deixa AMNÉSIA, de Christopher Nolan, no chinelo.

Fora isso, há o episódio em que George está em uma biblioteca, vai ao banheiro de lá com um dos livros do acervo e os funcionários do estabelecimento não querem mais aceitar o livro. Ah, e há outro que me fez gargalhar bastante: "The Reverse Peephole", que é sobre mais uma presepada de Kramer: ele inventa de colocar o olho mágico de seu apartamento ao contrário. Mas não é exatamente por causa disso que eu gostei do episódio, mas do lance da carteira grande de George. Identifiquei-me diretamente com ele, pois a minha também é cheia de papeladas e cartões. :)

Outros memoráveis: "The Strike", em que Jerry namora uma mulher duas-caras; "The Cartoon", em que George namora uma mulher parecida com o Jerry. Enfim, se não são todos nota 10 como no auge, nas temporadas 4, 5 e 6, a turma conseguiu resistir bem. E quanto ao "The Finale", esperava gostar mais. É divertido e é bom poder ter Larry David novamente, além de ser especial de uma hora e com participação de vários personagens que passaram pela série, mas ainda assim não é dos mais engraçados. Larry David faria melhor em CURB YOUR ENTHUSIASM, que eu preciso tratar de pegar as seis primeiras temporadas para apreciar.

AZUL É A COR MAIS QUENTE (La Vie d'Adèle)

Para uma filmagem que durou 800 horas, até que três horas de duração para AZUL É A COR MAIS QUENTE (2013) não é tanto assim. No entanto, o tempo do filme é um dos aspectos que mais chamam a atenção, mas que é importante para denotar o recorte de tempo na vida de Adèle, seu período de descobertas afetivas e sexuais, vivendo junto ou chorando sozinha.

Três anos atrás, o cineasta franco-tunisiano Abdellatif Kechiche havia lançado um título de longa duração e também controverso chamado VÊNUS NEGRA (2010). A polêmica ocorreu porque o filme trata de uma mulher africana que, por ter áreas do seu corpo maiores do que o que é geralmente convencionado na Europa, é apresentada como uma aberração de circo.

Em AZUL É A COR MAIS QUENTE, a controvérsia está nas cenas de sexo bem tórridas do casal de moças interpretado por Adèle Exarchopoulos e Léa Seydoux. Isso se deu pelo fato de que as garotas reclamaram do longo tempo das tomadas e acusaram o diretor de estar abusando delas. Para se ter ideia, uma das cenas de sexo durou 10 dias de filmagem. Ainda que elas tenham usado vaginas prostéticas nas cenas de sexo oral, não deixa de ser mesmo um longo tempo de exposição.

Mas valeu o sacrifício. O resultado é de uma beleza rara. Em determinado momento as duas formam como que "uma só carne", para usar o termo bíblico. Porém, como em quase todo o filme a preferência do diretor é por planos bem próximos, os rostos em êxtase nas cenas de sexo, principalmente o rosto lindo de Adèle, são flagrados de maneira aproximada e por isso mesmo mais íntima do espírito das personagens. Mesmo em cenas como a do jantar com os pais de Emma (Léa), Kechiche opta pela câmera passeando pelos rostos das pessoas na mesa em vez do tradicional campo/contracampo ou da câmera parada em locais estratégicos.

E, tendo em vista a extrema naturalidade de Adèle no trato com coisas simples, como o ato de comer, ou não esconder a bagunça do cabelo ou como fica o seu rosto quando chora, passa a impressão de que aquela personagem é muito próxima da atriz e não uma completa construção, como a personagem de Léa, que aqui precisou parecer um tanto máscula, a fim de fazer o papel, digamos, de ativa da relação.

Essa naturalidade e humildade de Adèle, explicitada na cena em que ela serve macarronada para um grupo de amigos intelectuais de Emma, faz da personagem não só uma das mais adoráveis do cinema nos últimos anos, mas também uma das que mais despertam nossa empatia. No entanto, esse nível de empatia só chega a tal ponto na antológica cena do encontro no café, provavelmente o momento mais sublime do filme, que melhora à medida que pensamos mais nele.

AZUL É A COR MAIS QUENTE levou a Palma de Ouro em Cannes, que foi tanto para o diretor quanto para as duas jovens atrizes, fato inédito na história do festival.

THE SEASONING HOUSE

Até que o cinema mainstream tem explorado pouco o tema do tráfico de mulheres para fins de prostituição. Um dos casos mais famosos vem do cinema underground, o sueco THRILLER – A CRUEL PICTURE, de Bo Arne Vibenius, que só ganhou fama mesmo por causa de Quentin Tarantino que o homenageou em KILL BILL. (Ah, tem o PARA SEMPRE LILYA, de Lukas Moodysson, também. Havia me esquecido deste.)

THE SEASONING HOUSE (2012), de Paul Hyett, tem temática semelhante: a protagonista é uma garota surda-muda que vê seus pais serem assassinados por soldados sérvios durante a Guerra da Bósnia e é levada junto com outras garotas para um prostíbulo onde elas são drogadas para se tornarem viciadas e se comportarem mais calmamente diante dos clientes, alguns deles bastante violentos.

A protagonista fica com o trabalho de injetar as seringas, "ouvir" as súplicas de cada moça presa na cama e arquitetar, a partir do conhecimento que adquire do lugar e da confiança que conquista do chefe do bordel, a sua tão sonhada vingança. O filme possui cenas de violência gráfica bem fortes, mas nada que vá deixar o espectador tão impressionado, se ele já tem uma boa experiência em filmes sangrentos.

Uma das qualidades de THE SEASONING HOUSE, além da ótima performance de Rosie Day, a garota, é o bom andamento narrativo, que nos deixa com os olhos grudados na tela do início ao fim. O filme é uma produção britânica e falado em inglês, mas faz com que pensemos que foi produzido na Península Balcânica.

TIÊ NA CAIXA CULTURAL – FORTALEZA, 01 DE DEZEMBRO DE 2013

O meu primeiro encontro com Tiê foi em 2010, no show de abertura do Planeta Terra, quando ela esteve junto com outros novos músicos da então chamada "nova MPB". Não liguei muito para os demais, mas fiquei encantado com aquela moça de voz linda e canções sentimentais. Tratei, então, de conhecer o seu primeiro álbum, Sweet Jardim (2009), e depois tive a chance de vê-la mais uma vez ao vivo, também em São Paulo, num minishow na Virada Cultural de 2011, já divulgando o lançamento de seu segundo disco, A Coruja e o Coração (2011).

Mas só agora, com a vinda dela para Fortaleza, fazendo quatro shows de quinta a domingo, na Caixa Cultural, que eu tive a oportunidade de ver um espetáculo de mais de uma hora só dela. E foi uma delícia. O ambiente do teatro da Caixa Cultural é muito agradável, sentei-me logo na primeira fileira e o som é cristalino de tão bom, e tem peso quando necessita – alguns arranjos ganharam bem-vindas versões mais pesadas, graças ao guitarrista da banda, que posteriormente faria parte de uma divertida brincadeira com o público.

Show muito modesto e sem muitos estrelismos por parte da cantora, embora o público, incluindo eu, estivesse muito feliz por estar ali tão pertinho dela. Uma das moças que estava na primeira fileira, inclusive, esteve nos quatro shows da cantora. Tiê falou isso durante o show, comentando que tinha até que pensar em novas piadas todos os dias só por causa dela. Bonita devoção.

Tiê entra com um belo vestido preto com uns gatinhos brancos desenhados e canta uma faixa do primeiro disco, "Passarinho", que nem é das minhas preferidas, mas eu tinha certeza que o melhor estaria por vir. Acho que o problema de algumas das canções dela é o excesso de fofura, o que faz com que seja "música de menina", como é o caso de "Piscar o Olho" e "A Bailarina e o Astronauta”. Mas são exceções em meio a canções enternecedoras e lindamente melancólicas e algumas também bastante animadinhas.

A segunda canção que ela cantou foi "Na Varanda da Liz”, que ganhou peso com mais guitarras. Funcionou bem para a música. Senti-me bastante feliz em estar entre aqueles que puderam ouvi-la cantando "Assinado Eu", que ela disse ter evitado cantar nos shows anteriores, talvez por ser uma canção um tanto cruel. Ela usou o termo "karma" para falar do peso da canção em sua vida. Ainda assim é das minhas favoritas. É também das favoritas de muitos fãs, que sempre a pede nos shows.

No mais, teve "Dois", a linda "Te Mereço" (só no pianinho, como deve ser), "Perto e Distante" (com arranjo mais bonito e pesado), "Mapa Mundi", a animada "Pra Alegrar o Meu Dia" (que poderia ser bem mais animada se fosse num local menos intimista); "Hide & Seek", que foi emendada com "Seven Nation Army", dos White Stripes. Nesse momento ela soltou os cabelos e pulou feito uma cantora de rock.

Uma das mais esperadas da noite, a reinvenção de “Você Não Vale Nada”, de Dorgival Dantas, em ritmo de canção espanhola, não podia faltar. Acho, inclusive, que o baixo e a guitarra até atrapalharam, já que o arranjo dela já é perfeito só com o violão. As outras duas, “Chá Verde” e “Só Quero Dançar com Você” completaram esse show tão agradável que dá até para entender a garota que comprou ingressos para as quatro noites. Senti falta das canções escritas em inglês e francês, mas tudo bem. Até a próxima, doce Tiê!

TAMBÉM FOMOS FELIZES (Bakushû)

Muito bom quando a gente, tendo visto apenas três filmes da obra de um cineasta, já se sente um pouco íntimo de seu trabalho, de sua poética. Foi o caso de cineastas como Woody Allen, François Truffaut, Walter Hugo Khouri, Alfred Hitchcock, Eric Rohmer, entre outros, e está sendo o caso de Yasujiro Ozu.

Ver TAMBÉM FOMOS FELIZES (1951) logo após ter visto PAI E FILHA (1949), então, dada a similaridade da premissa e a presença da mesma protagonista (Setsuko Hara) interpretando uma variação da mesma personagem, também chamada Noriko, torna essa intimidade mais presente. Os dois filmes formam, junto com ERA UMA VEZ EM TÓQUIO (1953), a chamada trilogia de Noriko.

TAMBÉM FOMOS FELIZES, se não consegue ser tão emocionante quanto PAI E FILHA, é visto com semelhante prazer. Obra de diretor em pleno domínio da técnica e com uma sensibilidade no trato com assuntos familiares única, TAMBÉM FOMOS FELIZES também lida com a preocupação da família com o destino matrimonial de Noriko. Ela já tem 28 anos e ainda está solteira. Interessante que aqui há um grupo de amigas de Noriko que são formadas por duas casadas e uma solteira. Elas ficam discutindo saudavelmente sobre quem é mais feliz.

Mas nada como ficar encantado com o sorriso de Setsuko Hara. Diferente de PAI E FILHA, em que, durante a metade do filme, ela aparece triste e angustiada diante da possibilidade de se separar do pai, a Noriko de TAMBÉM FOMOS FELIZES aparece sorridente praticamente em todo o filme. Inclusive, quando, mesmo sem estar tão entusiasmada, escuta e até aceita as ofertas que aparecem de pretendentes, esses que quase não contracenam com ela.

TAMBÉM FOMOS FELIZES também destaca a família Mamiya. Diante das discussões sobre casamento que acabam lembrando os romances de Jane Austen, há pouco espaço para as crianças, mas elas funcionam como elemento de ternura por parte de Noriko, sempre simpática, mas que não se deixa enganar com a malandragem dos pirralhos. Interessante notar o modo como as crianças de Ozu são, de certa forma, insolentes e agressivas com os mais velhos. Isso aparece com força em EU NASCI, MAS (1932), até por ser um filme focado nos pequenos, mas aqui também é possível ver um pouco disso.

Da mesma forma, o filme também chega a desconstruir a imagem que normalmente se tem de a mulher japonesa ser extremamente submissa ao homem, embora isso seja questionado durante as conversas das amigas de Noriko. Mas a sensação de liberdade que Noriko tem em estar em uma estação de trem, conversar com um conhecido e perguntar, com muita simpatia, sobre o capítulo do livro que o sujeito está lendo, tudo isso, junto com as tomadas da câmera acoplada na lateral do trem e das belas paisagens, é elemento importante para formação desse estado de alegria de viver da personagem.

Não sabemos o destino dela enquanto casada. Se continuará ou não sendo feliz. Imaginamos que sim, já que a instituição familiar é tratada com tanto carinho por Ozu. Além do mais, Noriko passa uma segurança e um otimismo com relação ao futuro que não se vêm em PAI E FILHA. É, certamente, um filme bem mais feliz do que o anterior. Não à toa o título brasileiro tenha usado tal adjetivo para nomeá-lo.

JACKASS APRESENTA: VOVÔ SEM VERGONHA (Jackass Presents: Bad Grandpa)

Impressionante a transformação de Johnny Knoxville neste senhor de 86 anos. Por baixo de tanta maquiagem, o principal performer do programa JACKASS (2000-2002) e dos longas-metragens para cinema e vídeo posteriormente produzidos ganha o corpo de Irving Zisman, um senhor idoso que fica feliz da vida quando o médico lhe dá a notícia de que sua esposa faleceu. Finalmente ele se sente livre depois de tantos anos sob o julgo daquela velha chata, segundo suas palavras. O que pode atrapalhar um pouco essa liberdade que ele quer ter é o neto (Jackson Nicoll), que ele precisa entregar ao pai irresponsável porque a mãe do garoto foi para a cadeia.

Mas esse fiapo de história é apenas uma desculpa para que VOVÔ SEM VERGONHA (2013) mostre as tradicionais pegadinhas do programa. Com a cumplicidade de alguns atores, Knoxville deixa muita gente boquiaberta com as presepadas de seu personagem. O trailer já antecipa algumas cenas, como a do garotinho vestida de menina para um desfile de mini misses, ou a cena de Irving roubando pão no supermercado, ou fazendo uma confusão em pleno velório da esposa.

A preocupação de muitos é se essas já são as melhores piadas ou se há algumas ainda na manga. A boa notícia é que há, sim, cenas ainda mais engraçadas, como a visita de Irving a um clube para mulheres ou as várias cantadas que ele passa nas mulheres na rua. São momentos como esses que transmitem veracidade ao personagem, que parece mesmo um velho enxerido.

No entanto, VOVÔ SEM VERGONHA é bem irregular e algumas piadas não funcionam. Isso faz com que seja um filme assistível e divertido, mas nada imperdível. Uma das melhores coisas do filme é o garotinho que faz o neto, que dá um show e também tem os seus momentos de fazer pegadinhas, como quando pede a estranhos na rua para serem seus pais e deixando muita gente sem jeito. É ele o diferencial de um filme que tem por base as esquetes de pegadinhas levadas às últimas consequências características do programa. Se bem que aqui não pegam tão pesado em comparação com os filmes e os episódios de JACKASS.

DOCE AMIANTO

Curiosamente, neste ano de 2013, a quantidade de filmes com temática gay, ou que tangenciam tal temática, aumentou consideravelmente. Além do já tradicional "novo trabalho de Almodóvar", no caso, OS AMANTES PASSAGEIROS, vimos chegar às telas o prestigiado DEIXE A LUZ ACESA, o pouco visto ESSE AMOR QUE NOS CONSOME, o premiado TATUAGEM e agora entra em cartaz DOCE AMIANTO (2013). Até o final do ano, ainda teremos os franceses UM ESTRANHO NO LAGO e AZUL É A COR MAIS QUENTE. Sinal de que boa parte desses filmes não estão restritos a festivais de diversidade sexual.

Mas o mais interessante dessa produção é que há um interesse, antes de tudo, em fazer cinema, acima do interesse em buscar um lugar ao sol dentro de um circuito que reflete uma sociedade ainda preconceituosa. O caso de DOCE AMIANTO, de Guto Parente e Uirá dos Reis, é representativo dessa vontade de fazer cinema. Os personagens, inclusive, embora se vejam como homens travestidos e cheios de purpurina e coisas do tipo, em nenhum momento têm sua sexualidade questionada. Amianto é uma princesa e Blanche é sua fada madrinha. Uma fada madrinha que, inclusive, é dita como uma pessoa morta. O fato de ela ter uma volumosa barba não faz muita diferença para a narrativa, embora seja elemento de estranheza fundamental.

É o caso de filme que tem um senso de humor todo próprio por apresentar as personagens dessa maneira, mas, paradoxalmente, como em vários trabalhos de Pedro Almodóvar, é também um filme que pede a seriedade e o respeito do espectador, já que se trata de um drama sobre uma princesa que foi rejeitada por seu grande amor e, depressiva, encontra consolo em Blanche, que a ajuda a passar por aquele momento difícil.

No entanto, essa pequena sinopse não representa exatamente o filme, já que há uma intenção muito mais de exibir cenários e cores diferentes do que de contar uma história. Ainda assim, um dos momentos mais fascinantes de DOCE AMIANTO, no que se refere à narrativa, é justamente a história dentro da história: Blanche conta sobre um homem que acorda verde e cheio de pintas vermelhas. Esse conto é tão interessante que até chega a eclipsar a narrativa principal, mas serve para reforçar o fato de que aquele conto de fadas está longe de apresentar um final feliz ou a ingenuidade típica do gênero.

Como cinema, a influência mais nítida é a de David Lynch, seja no uso das cores (o azul quando está presente torna o filme mais sombrio e triste), seja no uso dos fade ins e da estranheza. É um passo corajoso dos jovens realizadores do coletivo Alumbramento, sediado em Fortaleza, que aqui constroem também uma música interessante e que dialoga com a narrativa. O que pode incomodar ou pelo menos atrapalhar um pouco a apreciação dos momentos mais poéticos (o filme começa com uma citação de Walt Whitman), especialmente os declamados por Amianto, é o uso constante do falsete por parte da protagonista. Porém, é importante lembrar que se fossem atrizes no lugar de Deynne Augusto e Uirá dos Reis seria um outro filme. Provavelmente menos interessante e certamente bem mais convencional.

QUATRO CURTAS

Os curtas abaixo foram vistos, em sua maioria, porque serviram de ensaio ou de inspiração para longas-metragens que os sucederam. A exceção é NOITE E NEBLINA (1955), de Alain Resnais, que foi visto com um empurrãozinho da edição especial dedicada ao cinema da revista Superinteressante.

NOITE E NEBLINA (Nuit et Bouillard) 

Quem viu HIROSHIMA, MEU AMOR (1959) pôde sentir um arrepio causado pelas cenas que mostram o museu com os restos mortais de algumas vítimas da bomba atômica de 1945. Pois NOITE E NEBLINA é muito mais devastador para o nosso espírito. Pode-se dizer que é um filme de horror, com a diferença que tudo que está sendo mostrado é verdade. Imagens chocantes dos judeus esqueléticos e tratados como lixo, sejam vivos, sejam mortos, sejam empilhados em uma cova ou em um dormitório. A narração é do poeta Jean Cayrol, um sobrevivente dos campos de concentração, que torna tudo ainda mais incômodo, mas também lírico. Uma obra-prima que nos faz lembrar até que ponto a maldade humana é capaz de chegar.

MAMÁ

O cartão de visitas de Andrés Muschietti, MAMÁ (2008) é um curtíssimo filme sobre duas irmãs que se assombram com a chegada de uma criatura horripilante e misteriosa que elas chamam de "mamãe". O domínio do diretor na construção de uma atmosfera de horror em tão pouco tempo é admirável. E deixou admirado também Guillermo Del Toro, que o contratou para dirigir o belo e geralmente subestimado MAMA (2013), que pôde explorar não só o horror mas também o melodrama.

RITA 

Outro curta que se mostrou a base para um longa-metragem de estreia, RITA (2009), dos diretores Fabio Grassadonia e Antonio Piazza, conta a história de uma garotinha cega que teve sua casa invadida e sua família chacinada por um bandido mafioso. Posteriormente, ela acaba tendo uma relação de maior proximidade com o assassino. A trama foi ampliada em SALVO – UMA HISTÓRIA DE AMOR E MÁFIA (2013), que revela o apuro técnico cada vez mais sofisticado dos diretores, mas que ainda sofre de problemas de dramaturgia, construção de personagens etc.

EMAK-BAKIA 

O que me fez ir atrás deste curta vanguardista de Man Ray foi um filme basco de título bem semelhante, EMAK BAKIA (2012), dirigido por Oskar Alegria e vencedor dos prêmios mais importantes do Cine Ceará 2013. O filme de Alegria é mais do que uma homenagem ao curta de Ray, mas falaremos do longa em outra ocasião. EMAK-BAKIA (1926) não é fácil de descrever em poucas linhas. Nem mesmo em muitas. A não ser se visto várias vezes e fazendo apontamentos. Uma das primeiras imagens já chama a atenção: um homem olhando em um microscópio e o seu olho aparecendo em uma lente, olhando em nossa direção. As imagens que sucedem este momento são aparentemente aleatórias (flores, luzes, imagens desfocadas, o mar, peixes, uma estranha mulher de máscara dirigindo um carro) num misto de inquietude e paz que o torna único. Não à toa, Man Ray é considerado um dos maiores nomes do surrealismo do início do século XX. Os cordeiros passando pela tela, inclusive, lembram o trabalho de outro mestre surrealista: Luis Buñuel e seu O ANJO EXTERMINADOR.

O BAILE DOS BOMBEIROS (Horí, Má Panenko)

Segundo Mark Cousins, em seu livro História do Cinema, a cinematografia mais inovadora da Europa Oriental era a produzida na Tchecoslováquia. O BAILE DOS BOMBEIROS (1967), de Milos Forman, foi visto por mim acidentalmente. Era um dos filmes que constava na lista de favoritos de Stanley Kubrick, e fiquei curioso em vê-lo, até por gostar de vários outros trabalhos posteriores do diretor, que fugiu para os Estados Unidos depois que o seu país foi invadido pelos soviéticos em 1968, na famosa Primavera de Praga.

O último filme que havia visto de Forman havia sido SOMBRAS DE GOYA (2006), que é sensacional. Mas O BAILE DOS BOMBEIROS tem outra pegada em comparação com o estilo narrativo mais clássico que ele adotou ao migrar para os Estados Unidos. Talvez isso se deva ao espírito da época, já que o ano de 1967 tem toda essa aura especial em torno de si, por ser um ano-chave para a contracultura. E O BAILE DOS BOMBEIROS é um filme engraçado à sua maneira, um tanto subversivo e que lembra também o cinema inglês da época, como SE..., de Lindsay Anderson.

Na trama, um grupo de bombeiros resolve fazer uma festa em comemoração aos 86 anos de seu comandante mais idoso. A cidade inteira é convidada, mas aos poucos alguém passa a roubar todos os presentes e o evento começa a perder o senso de ordem. Um dos momentos mais divertidos é o da seleção da rainha do baile, quando nenhuma das moças parece suficientemente bonita para receber o título e as que são bonitas não querem pagar tal mico.

Curiosamente, ainda que O BAILE DOS BOMBEIROS tenha sido realizado antes da Primavera de Praga, já havia uma censura forte no país e o filme quase não foi lançado. O próprio Forman costuma dizer que não havia intenção de sua parte em criticar o Governo utilizando metáforas, mas poucos acreditam nisso, até por ser uma característica do cinema do diretor essa vontade de denunciar as instituições. E isso vale tanto para a Igreja Católica, como no já citado SOMBRAS DE GOYA, quanto para as instituições psiquiátricas, no oscarizado UM ESTRANHO NO NINHO (1975), ou para a própria sociedade moralista americana, em O POVO CONTRA LARRY FLINT (1996).

A CAÇA (Jagten)

A trajetória de Lucas, vivido com sensibilidade por Mads Mikkelsen, muito se parece com uma via-crúcis, já que sabemos de sua inocência. Em A CAÇA (2012), ele é um professor de jardim de infância que mora sozinho em uma pequena cidade, depois de ter se divorciado da mulher e tanto querer a guarda do filho, que prefere ficar com ele do que a com mãe. Ao mesmo tempo em que essa realidade passa a ser possível, ele começa um romance com uma das funcionárias da escolinha.

Porém, sua vida fica de pernas pro ar quando ele é acusado de pedofilia por causa da mentira de uma garotinha, que, tendo um sentimento confuso por aquele homem gentil, fica magoada quando ele lhe dá uma admoestação. Se tempos atrás uma acusação desse tipo não era tão considerada, nos dias de hoje, ser acusado de pedófilo é algo mais grave e doentio para a sociedade do que ser acusado de homicídio. O filme também leva em consideração a teoria de que crianças não mentem, principalmente no que concerne a esse tipo de assunto.

Uma das qualidades de A CAÇA é nos colocar nos sapatos de Lucas, fazer-nos ficar impotentes diante da situação, entender o seu momento de reclusão imposta pela sociedade e por ele mesmo, e torcer quando ele resolve ir à luta pelos seus direitos. A cena da briga no mercadinho é um dos momentos mais empolgantes do filme. Uma cena que é superada pela da igreja.

É neste momento que sentimos um pouco do Thomas Vinterberg de FESTA DE FAMÍLIA (1998), e vemos o quanto o diretor é bom em lidar com temas familiares, em especial os grandes e perturbadores atritos. Mas se em FESTA DE FAMÍLIA havia um olhar mais ácido para com aquela família, em A CAÇA, o que vemos é um carinho muito especial pelos personagens. Até mesmo pela garotinha, que até tenta voltar atrás com a história que mudou a vida daquele homem.

A figura de mártir de Mikkelsen certamente vai ficar guardada na memória dos espectadores ao saírem da sessão. E o ator que ficou famoso por viver alguns vilões do cinema e da televisão transforma-se em um homem bom, daqueles de quem gostaríamos de ser amigos. E como ele representa uma vítima do medo de nossa sociedade, podemos até nos sentir um pouco como culpados.

Como o Cristianismo, A CAÇA consegue dar um jeito de nos culpar pelo que aconteceu àquele homem bom, ao mesmo tempo em que nos passa sentimentos de solidariedade com sua dolorosa situação. Por isso não é nenhum exagero comparar o trabalho de Vinterberg a duas grandes obras de mártires de Mel Gibson: CORAÇÃO VALENTE e A PAIXÃO DE CRISTO. Embora a comparação deva guardar as devidas proporções.

SOBRENATURAL: CAPÍTULO 2 (Insidious: Chapter 2)

E ele conseguiu de novo. James Wan, o homem por trás do melhor título de horror do ano, INVOCAÇÃO DO MAL (2013), que recicla os clichês do gênero de forma brilhante e elegante em mais um filme sobre possessões e casas assombradas, agora retorna com a continuação de outro grande filme, SOBRENATURAL (2010). Embora sejam trabalhos com muitos elementos em comum, SOBRENATURAL e sua continuação, SOBRENATURAL: CAPÍTULO 2 (2013), são mais inventivos, criam um mundo novo, ideias novas, que até remetem em alguns momentos ao mundo sombrio e perturbador de TWIN PEAKS, com portas e universos espirituais que fazem com que a experiência de ver o filme seja mais do que sentir sustos.

Uma das características deste segundo filme é que ele não dá trégua para o espectador. Desde o prólogo, que remete à infância de Josh Lambert, o personagem de Patrick Wilson, passando depois para o retorno àqueles momentos perturbadores da conclusão do primeiro filme, em que o garoto foi salvo da entidade maligna, a vidente que auxiliou a família na recuperação do espírito do garoto morreu e Josh começou a apresentar uma estranha impressão de que estaria possuído.

Um dos aspectos mais interessantes deste segundo filme é que a ligação com o primeiro vai além de uma mera continuação linear da história. SOBRENATURAL: CAPÍTULO 2 chega a explicar alguns eventos confusos do primeiro filme, o que torna sua trama fascinante. Destaque também para a habilidade de Wan em construir uma atmosfera constante de medo com movimentos de câmera que valorizam os interiores com maestria. Em alguns momentos, há o medo de tomar um susto a qualquer momento como num filme de horror ordinário; em outros, o diretor pega mesmo o espectador de surpresa.

A montagem é outro aspecto de excelência do filme, especialmente nos momentos em que os personagens agem separadamente e vão sendo costurados e esclarecidos os motivos pelos quais a casa continua sendo assombrada, além do caso envolvendo a possessão de Josh. No elenco principal, tanto Rose Byrne quanto Barbara Hershey têm papéis ampliados em importância nesta segunda parte, sendo as verdadeiras heroínas do filme. Há dois detetives de fantasmas atrapalhados que tentam trazer um pouco de alívio cômico para a história, mas não sei se o humor funciona diante daquele clima opressor.

Quem espera um filme de horror mais clássico e contido como INVOCAÇÃO DO MAL pode não gostar tanto assim deste novo trabalho, que não economiza em mostrar as fantasmagóricas criaturas do além assombrando o mundo dos vivos. Isso não tira os méritos do filme, que em sua primeira parte já havia mostrado o rosto do demônio de maneira explícita. Agora, então, não é motivo para ser sutil. Falando em poucas sutilezas, a interpretação de Patrick Wilson quando está totalmente possesso lembra Jack Nicholson em O ILUMINADO, de Stanley Kubrick, com certeza uma dentre várias referências pegadas de empréstimo para a construção de mais um belo trabalho desse diretor malasiano.

Wan, não abandona o horror, não!

TRÊS FILMES EXIBIDOS NO PANORAMA ALEMÃO

Desde o início dos anos 1990 que o cinema alemão vem passando por uma crise criativa. Não é que não tenham ótimos filmes daquele tempo pra cá, mas faltam grandes realizadores, ou pelo menos cineastas que tenham não só prestígio mas também repercussão internacional. O cineasta alemão de maior prestígio atualmente é Werner Herzog, que nos últimos anos também tem feito filmes em Hollywood. Há Michael Haneke também mas ele nem filma na Alemanha, mas na Áustria ou na França. Por isso, uma mostra que exiba o novo cinema alemão é necessária para que possamos entrar em contato com novos filmes e, quem sabe, futuros mestres do cinema. Estes três filmes foram exibidos no Panorama Alemão em excelentes cópias em DCP, no Cinema do Dragão. A qualidade de imagem e som é tão boa que eu aguentei na boa a maratona com estes três filmes, mesmo já tendo visto um outro no Iguatemi.

A GAROTA DAS NOVE PERUCAS (Heute bin ich Blond)

Provavelmente o filme mais acessível da mostra, A GAROTA DAS NOVE PERUCAS (2013) certamente teria um bom sucesso comercial caso fosse lançado em circuito, já que não há obstáculos para o espectador não-cinéfilo e dialoga com todos os públicos. O filme acompanha a história de Sophie, uma jovem de 21 anos que descobre que tem um tipo raro e agressivo de câncer, situado próxima à pleura (difícil não lembrar de CINE HOLLIÚDY quando se fala em pleura agora). O diretor, Marc Rothemund, não se importa em abraçar o melodrama, oferecendo vários momentos de lágrimas, embora seja também uma obra otimista. Um dos diferencias de outros filmes sobre doenças está no uso das perucas por Sophie, quando seu cabelo cai. Ela resolve criar um blog e cada peruca representa uma personagem que ela incorpora a cada dia, durante o tratamento. Mas esse detalhe nem chega a ser assim tão importante. O que mais importa é o relacionamento com a família, os amigos e um namorado, e como ela lida com as possibilidades de morrer ou viver. Belo filme.

DUAS VIDAS (Zwei Leben) 

Candidato da Alemanha ao Oscar de filme em língua estrangeira, DUAS VIDAS (2012) se recente de uma trama um tanto confusa, que até tem o seu charme, já que flerta com o thriller de espionagem. Há também um tema interessante e curioso, que é o caso de esposas norueguesas de soldados nazistas que tiveram suas vidas destruídas após a guerra, chegando a perder seus filhos. Katrine, a protagonista, é a filha de uma dessas mulheres. Ela teria passado parte da infância em um orfanato na Alemanha Oriental sem poder ter contato com sua mãe. O filme acompanha a vida dupla dessa mulher, em um momento em que a Europa mudou, logo após a queda do muro de Berlim. O problema de DUAS VIDAS é que ele passa de thriller para novelão na cena da grande revelação e acaba perdendo as estribeiras e tendo um final bem ruim. Se ficar entre os cinco escolhidos pela Academia é por pura falta de noção dos votantes.

MAR SILENCIOSO (Meeres Stille) 

Para quem já achou a trama de DUAS VIDAS intrincada, imagina como não ficou a minha cabeça ao ter que encarar este MAR SILENCIOSO (2013), com seus 142 minutos de duração e uma trama que mais parece um quebra-cabeças. Mas desses que só entrega a solução para o espectador em seus momentos finais. Daí não é nenhuma surpresa algumas pessoas saírem da sala de exibição e desistirem do filme. Porém, por mais doloroso e difícil de acompanhar, não deixa de ser um trabalho interessante, parecendo em muitos momentos com um horror psicológico. A trama gira em torno de uma família em férias numa casa de praia. Ao mesmo tempo, há a trama de um garotinho que tenta salvar o pai da depressão. O problema do enredo é que a diretora Juliane Fezer parece não ter muito domínio do monstro que criou, confundindo mais do que intrigando. Daí a vontade de ver o filme chegar ao fim é maior do que o interesse pela sua resolução.

TATUAGEM

Uma das coisas que mais fazem falta no cinema brasileiro contemporâneo é a ousadia, a capacidade de causar incômodo ao público mais conservador. Que nem era assim tão conservador nas décadas de 1970 e 1980. Felizmente ainda temos Julio Bressane, remanescente do Cinema Marginal e que ainda utiliza o sexo e a sensualidade em seus filmes sem medo de ser feliz, como fez em CLEÓPATRA e A ERVA DO RATO. Mesmo obras que tratam do assunto, como BRUNA SURFISTINHA, são bem comportadas, utilizando o sexo apenas como necessidade para a narrativa.

A exceção vem de Pernambuco, com o trabalho de Cláudio Assis, embora em seus filmes o sexo seja na maior parte das vezes sujo e perturbador. Mas é bom destacar que AMARELO MANGA (2002), BAIXIO DAS BESTAS (2006) e A FEBRE DO RATO (2011), todos de Assis, foram roteirizados por Hilton Lacerda, que agora estreia na direção de longas-metragens de ficção com o premiado TATUAGEM (2013), filme tão atrevido quanto os trabalhos de Assis, mas com menos violência e mais amor.

Amor é uma das palavras de ordem deste filme que trata sobre um relacionamento homoafetivo na década de 1970, durante o regime militar. TATUAGEM acompanha um grupo de artistas itinerantes que se apresentam de maneira ousada, boa parte deles travestidos e formados por gays. O líder do grupo denominado "Chão de Estrelas" é Clécio, vivido por Irandhir Santos.

Em meio àquele mundo estranho para os olhos da grande maioria, surge um jovem soldado que se torna a menina dos olhos de Clécio, Fininha, vivido por Jesuíta Barbosa. Os dois se apaixonam mas têm de lidar com o fato de que Fininha, por ser militar, pode ser considerado um espião por parte do grupo. Vale destacar também a família de Clécio: ele tem um filho com uma mulher e ambos continuam sendo bons amigos, além de o garoto gostar de frequentar o Chão de Estrelas.

As cenas de sexo são ousadas, remetendo a A LEI DO DESEJO, de Pedro Almodóvar. Pode até não ter sido intenção de Lacerda emular Almodóvar, mas é o que mais se aproxima de seu cinema em se tratando de filmes que chegam a um público maior. Tanto que, já neste primeiro trabalho, assim como o cineasta espanhol, Lacerda consegue fugir do gueto de "filme gay", ampliando o tema do seu filme, que trata, acima de tudo, de liberdade.

O momento de maior graça do filme, e provavelmente sua sequência mais memorável, é a cena da "Polka do Cu", que elege esta parte do corpo humano que todo mundo tem como instrumento libertário, de provocação e transgressão. Mas a música está presente também de maneira mais romântica, por exemplo, em "Volta", cantada por Johnny Hooker; a versão de "Esse cara", de Caetano Veloso, cantada por Irandhir; "A Noite de Meu Bem", de Dolores Duran, tocada na primeira dança do casal de protagonistas, entre outras canções selecionadas e/ou compostas por DJ Dolores.

Para finalizar, gostaria de destacar o fantástico desempenho de Irandhir Santos no papel de Clécio. Ator de primeira grandeza que já havia brilhado como o ativista político de TROPA DE ELITE 2, de José Padilha; o poeta febril de A FEBRE DO RATO, de Cláudio Assis; e o enigmático vigilante de rua de O SOM AO REDOR, de Kleber Mendonça Filho; em TATUAGEM ele imprime uma atuação tão intensa que, se por acaso há uma distância de excelência entre ele e os demais atores, é porque Irandhir chegou a um momento de sua carreira que fica difícil até superar a si mesmo.

FINSTERWORLD

Dos quatro filmes que vi no Panorama Alemão, atualmente em cartaz no Cinema do Dragão, em Fortaleza, até o dia 21, o que mais apreciei foi este FINSTERWORLD (2013), que, apesar de ter algumas fragilidades no roteiro, é uma obra que mexe com a própria culpa alemã. Há um diálogo especialmente interessante, dentro de um carro, de um jovem e um casal que ele encontra pelo caminho, em que ele cita o quanto a Alemanha não tem um ícone a ser lembrado, como os Estados Unidos têm, como o Mickey Mouse. Enquanto isso, o maior ícone alemão é Adolf Hitler. O próprio casal, anteriormente, ao escolher um carro para aluguel, faz questão que não seja um carro alemão, chamando-os de nazis.

Outro momento interessante: um professor leva um grupo de estudantes para visitar um campo de concentração e fala para eles do absurdo daquilo, de como um povo não tem o direito de fazer aquilo com outro etc. Aí ele pede que alguém externe o sentimento em relação àquilo e todo mundo fica calado. O silêncio pode representar muita coisa ou não representar coisa nenhuma, já que havia ali alunos de todos os tipos.

Trata-se de um "filme coral", com tramas aparentemente independentes, mas que eventualmente se encontram. Assim, há o sujeito que é pedicure e que tem um estranho hábito; a velhinha que é abandonada pela família em uma casa de repouso; um guarda de trânsito que gosta de se fantasiar de urso; um grupo de estudantes que se dividem em jovens neonazistas e um casal que se veste como se fosse da Alemanha Oriental (segundo palavra dos outros jovens); uma cineasta frustrada; um homem que vive sozinho na floresta; e o casal rico do carro.

O filme, estreia da diretora Frauke Finsterwalder, tem como título um trecho do nome de sua criadora, o que não deixa de curioso para alguém que está ainda começando a carreira – Finsterwalder vem de dois documentários e de um episódio de uma série alemã. É como se ela já estivesse anunciando um estilo bem definido para toda sua carreira. Seu trabalho lida com questões muito interessantes e que são um tabu para o povo alemão, além da questão da solidão e da dificuldade de pertencimento.

Ainda que algumas das conclusões para as subtramas sejam frágeis, como o fato de o professor se permitir ser preso, isso pode ser visto tanto como uma aceitação da culpa (que seria coletiva e também pertencente a esta nova geração), como para corroborar o tom de fábula que FINSTERWORLD abraça.

Torço para que o filme encontre distribuidor brasileiro. Mais pessoas deveriam conferir este trabalho, que além de tudo tem uma beleza plástica de dar gosto. As ótimas cópias em DCP oferecidas pelo German Films e a boa aparelhagem da sala contribuem para uma melhor apreciação.

BLUE JASMINE

É curiosa a quantidade de críticas dizendo que Woody Allen se recuperou com BLUE JASMINE (2013). Mas se recuperou de quê, se ele nunca esteve ruim? Até podem dizer que o trabalho anterior, PARA ROMA, COM AMOR (2012), é um filme menor, mas o cineasta, principalmente a partir do início de sua "fase europeia", iniciada com PONTO FINAL – MATCH POINT (2005) e que prosseguirá no próximo ano com MAGIC IN THE MOONLIGHT, em fase de pós-produção e rodado na França, está em um de seus momentos mais inspiradores.

O que destaca BLUE JASMINE, o segundo retorno aos Estados Unidos dentro dessa fase atual, dos demais filmes recentes de Allen é trazer não um personagem neurótico ou hipocondríaco, como é comum de se ver em seus trabalhos, mas alguém que está verdadeiramente no fundo do poço, um caso clínico. A Jasmine do título, que ganha o adjetivo "blue", especificando o aspecto triste da personagem de Cate Blanchett, é uma mulher que perdeu o chão, não sabe o que fazer da vida, uma vez que se acostumou com uma vida de luxo, quando vivia com o marido cafajeste vivido por Alec Baldwin.

O filme se passa em São Francisco, mas Nova York está presente na pele da personagem, que, sem ter para onde ir, resolve ficar uns dias na casa da irmã Ginger (Sally Hawkins). Desprovida de luxos ou exigências com roupas e homens, Ginger é o extremo oposto da irmã, que carrega consigo ares aristocráticos. Mesmo sem ter nenhum dinheiro, veio de primeira classe para São Francisco, o que fez com que a irmã ficasse um tanto revoltada com isso.

BLUE JASMINE alterna presente e passado para ir construindo a história de Jasmine e isso funciona muito melhor do que se adotasse uma estrutura narrativa linear. Do jeito que ficou, fragmentado como a personagem, cria-se um leve suspense sobre o que aconteceu com ela antes de seu marido partir, ao mesmo tempo que estabelece uma dualidade: o mundo rico de Nova York versus o mundo pobre dos bairros populares de São Francisco.

Curiosamente, Allen traz para seu novo alter-ego uma característica que lhe é conhecida: o fato de não saber operar um computador, já que ele nunca quis largar sua velha máquina de escrever. Um fato, aliás, que deixa o filme um tanto anacrônico. Assim também é Jasmine, que vê uma possibilidade na vida profissional de ser decoradora de interiores, mas para isso teria que fazer um curso. Para fazer um curso, teria que ter dinheiro. Para ter dinheiro precisaria arranjar um emprego ainda que modesto para custear o curso de computação e futuramente o curso de decoração à distância.

Tomando comprimidos e mais comprimidos para se livrar de depressões, ansiedades, síndromes de pânico, claustrofobia etc., Jasmine é um produto dos tempos atuais, em que entrar em colapso se tornou algo comum, embora ninguém queira ficar perto de alguém que fica falando sozinha pelos cantos. Perder o controle de sua mente e ficar louco é algo que coloca o homem numa situação de pária na sociedade.

E embora Allen já tenha feito trabalhos ainda mais pesados no tempo em que era casado com Mia Farrow, como A OUTRA (1988), CRIMES E PECADOS (1989), MARIDOS E ESPOSAS (1992), e as tragédias ambientadas em Londres, PONTO FINAL – MATCH POINT e O SONHO DE CASSANDRA (2007), além de uma experiência metade comédia, metade drama com MELINDA E MELINDA (2004), é com BLUE JASMINE que o cineasta apresenta uma personagem tão desequilibrada e frágil psicologicamente. Há alguns momentos cômicos, já que não se trata de um de seus filmes bergmanianos e o bom e velho jazz parece querer animar um pouco o ambiente, mas o riso aqui é amarelo e o tom é amargo.