SWIMMING POOL – À BEIRA DA PISCINA (Swimming Pool)



Antes de eu sair de férias tinha deixado no HD do computador da empresa uma cópia em divx desse filme de François Ozon, mas resolvi não vê-lo na telinha do PC. Ainda bem. Que prazer que é ver esse filme na telona do cinema.

SWIMMING POOL (2003) é mais uma bola dentro de Ozon, que pode não agradar a todos, mas faz filmes sempre inteligentes e de uma maneira peculiar. O primeiro filme que vi dele foi GOTAS D’ÁGUA EM PEDRAS ESCALDANTES (2000). Nesse ótimo filme, relacionamentos homossexuais são tratados com muito humor, o que até lembra um pouco o cinema de Almodóvar. Mas para a alegria da comunidade hetero, o filme tinha a maravilhosa e gostosa Ludivine Sagnier nua ou de lingerie. Ela apareceu também em 8 MULHERES (2002), mas estava vestida o tempo todo; logo, não foi tão emocionante.

Em SWIMMING POOL ela está com os seus lindos seios de fora quase o tempo todo. E que beleza que é aquilo. Chego a imaginar se existem seios mais belos que aqueles. Se Salomão estivesse vivo nos dias de hoje poderia dedicar o trecho do livro de Cânticos para ela. (“Os teus dois seios são como duas crias, gêmeas de uma gazela, que se apascentam entre os lírios.” Cântico 4.5). Mas chega de falar dos peitos dessa mulher. E eu nem falei de outras partes do corpo dela ainda.

A história do filme também é bem envolvente. A inglesa Charlote Rampling é uma escritora de romances policiais que vai passar um tempo numa casa de campo de seu editor na França a fim de parir a sua mais nova obra. A tranqüilidade do lugar é interrompida com a chegada de Julie (Ludivine), a filha do editor. As duas mulheres vão entrar em conflito e o filme vai ganhando novos contornos até se tornar um filme de suspense.

O final deixa a gente coçando a cabeça, tentando entender o que de fato aconteceu, mas isso é um ponto positivo para o filme, que continua na cabeça do espectador por um bom tempo. Quando eu saí do cinema, fui tomar um chope com o Zezão para refrescar as idéias e procurar entender a trama. Ele tem uma teoria interessante e eu acho que é a correta. Mas não vou deixar spoilers aqui.

Como é quase certeza eu não ir viajar no carnaval, devo pegar pelo menos mais um filme do Ozon na locadora. Ainda falta eu ver SOB A AREIA (2000) e SITCOM (1998).

CONTO DE INVERNO (Conte d’hiver)



Hoje pela manhã fui novamente para a sessão de arte prestigiar a mostra dos filmes de Eric Rohmer, que prosseguem até o mês de março. Nessa semana começou a exibição do ciclo de filmes das estações do ano. O primeiro filme escolhido para dar o start foi CONTO DE INVERNO (1992), o segundo filme desse ciclo.

Lá no cinema, estava o Governador Lúcio Alcântara, que falou alguma coisa sobre um melhor acesso para os estudantes com o organizador Pedro Martins Freire. Não sei direito o que foi que eles falaram, mas se for para baratear o preço do ingresso, eu dou o maior apoio.

Vendo os primeiros dez minutos de CONTO DE INVERNO você não imagina que vai gostar tanto do filme, já que o filme é muito centrado nos diálogos. Na história, Felicie conhece Charles numas férias de verão, os dois se apaixonam, mas na hora de passar o endereço, ela acidentalmente troca o nome da cidade e eles não têm como se comunicar. Passados cinco anos, ela está com uma filha desse encontro e vive desiludida por não encontrar amor de verdade nos atuais pretendentes (Maxence, o cabeleireiro e Loic, o intelectual). Para ela, o importante é estar com alguém quando se ama de fato, completamente, loucamente.

No início fiquei meio distante da trama, mas com o tempo a gente simpatiza com os personagens, principalmente com a Felicie e o Loic. Os diálogos são muito bons, especialmente quando dissertam sobre vidas passadas, almas gêmeas, moralidade e fé.

Depois do carnaval vai ser exibido o CONTO DE VERÃO (1996). Se for tão bom quanto esse, vou virar fã desse tal de Rohmer.

Só fiquei desanimado hoje porque descobri que o meu dvd player não está funcionando. Porra, ontem mesmo ele tava legal... E como eu dependo do aparelho para ouvir meus discos, estou desolado. Gripado, liso, triste e sem ter como ouvir músicas a não ser pela caixinha de som do computador, o que é bem frustrante. Tomara que não seja nada grave e eu não precise comprar um novo aparelho.

TAXI DRIVER

"The whole conviction of my life now rests upon the belief that loneliness, far from being a rare and curious phenomenon, is the central and inevitable fact of human existence."

Thomas Wolfe
"God's Lonely Man"

Essa é a frase que abre o documentário de Laurent Bouzereau presente como o principal extra do DVD de TAXI DRIVER – Edição de Colecionador. Engraçado que a primeira vez que vi esse filme eu não tinha notado que era um filme sobre a solidão. Talvez por ser difícil identificar-se com o personagem perturbado de Robert DeNiro. Eu mesmo há uns cinco anos me comportava como se tivesse ódio da humanidade. Tudo por causa da solidão, da insatisfação, da sensação de abandono. Ainda bem que eu nunca quis pegar uma arma e sair atirando nos meus desafetos. Hoje em dia eu banco o bom rapaz e não tenho mais raiva de ninguém.

Voltando pro filme, rever em DVD, com som original e digital e em widescreen, é outra coisa. Se bem que eu achei a fotografia um pouco escura, mas acho que o filme foi feito assim mesmo. A intenção era mesmo fazer um filme cru, sem muitos enfeites nos diálogos, tentar aproximar o filme da vida. Tanto que DeNiro pra se preparar para o papel, dirigiu uns táxis. Inclusive, um passageiro que pegou o taxi reconheceu o ator e diz a lenda que o cara falou: “você ganhou o Oscar por O PODEROSO CHEFÃO II e está agora trabalhando de taxista?” Quem também aprendeu com alguém das ruas foi Jodie Foster, que teve o auxílio de uma verdadeira prostituta. Inclusive, a prostituta é aquela que aparece do lado da Jodie no filme.

O personagem de DeNiro era meio estranho em relação a sexo: ia para cinemas pornô, mas assistia o filme comendo pipoca como se fosse um filme de aventura. E ainda fez a besteira de levar uma garota pra esse tipo de lugar. Ele tinha algo de inocente.

O contraponto da sujeira nas ruas é a personagem de Cybill Shepherd. Meu Deus, aquela mulher nos anos 70 era gatíssima. Acho que no ano do filme, 1976, ela estava no auge da beleza. Ela já tinha estreado em A ÚLTIMA SESSÃO DE CINEMA (1973), do Bogdanovich, e parece que o Scorsese gostou dela. Esse pessoal é tudo da mesma geração mesmo: Scorsese, DePalma, Spielberg, Lucas, Coppola, Bogdanovich. São todos da mesma panelinha.

Inclusive, foi DePalma quem apresentou Paul Schrader a Scorsese. E o Schrader já tinha o roteiro de TAXI DRIVER pronto há algum tempo. Depois dá pra saber o que aconteceu.

No documentário MAKING TAXI DRIVER, de 70 minutos, há a presença de muita gente boa: além do diretor e do roteirista, tem a Cybill, o DeNiro, o Keitel, a Jodie Foster, o Albert Brooks.... Nossa, quanta gente boa num filme só. E ainda tem mais: o cara que fez a trilha sonora é ninguém menos que Bernard Hermann, que estava muito doente quando trabalhou nesse filme e acabou morrendo logo. Mesmo assim, foi indicado ao Oscar pela trilha sonora, concorrendo com ele mesmo, pelo OBSESSION do DePalma.

Além desse documentário, há também o script original do Schrader, storyboard e uma galeria de fotos com um comentário em áudio do Laurent Bouzereau. Ele entrega um monte de coisas, como de onde surgiram os nomes dos personagens, histórias sobre Scorsese, Truffaut e Schrader etc. Sobre os nomes, por exemplo, soube que Travis vem de “travel” (viagem) e Betsy era o nome de uma antiga namorada de Schrader. E por aí vai. Quem quiser saber mais que alugue o DVD e afine os ouvidos, porque os extras não vêm com legenda. Uma pena, principalmente quando é o Schrader que está falando. Aquele cara parece que tá com uma batata quente na boca. E eu que já não tenho um listening skill lá muito bom, penei pra entender. Mas valeu. Valeu também os dez reais que paguei por esse disquinho. Uma pechincha.

Só pra completar: TAXI DRIVER nem é o meu preferido do Scorsese. Na frente, ficam TOURO INDOMÁVEL, OS BONS COMPANHEIROS, A ÚLTIMA TENTAÇÃO DE CRISTO e GANGUES DE NOVA YORK.

COLD MOUNTAIN



Hoje era pra eu ter ido ver SWIMMING POOL, mas por causa de um compromisso anterior, acabei me atrasando e resolvendo de última hora ver logo COLD MOUNTAIN. A má notícia foi a gripe que me pegou de novo. Argh.

Quanto ao filme de Anthony Minghella, é até melhor do que eu esperava. Está melhor que os filmes anteriores (O PACIENTE INGLÊS e O TALENTOSO RIPLEY), o que não quer dizer muito, mas Minghella continua fazendo filme burocrático e pouco satisfatório. A Miramax vive insistindo em enganar o público dizendo que ele é um grande cineasta. Esse ano, eles não conseguiram enganar nem a Academia. O filme nem foi indicado aos Oscar de filme e direção e nem a Nicole Kidman foi indicada dessa vez. Melhor sorte tiveram Jude Law e Renée Zellweger (essa tá cada vez mais feinha), conquistando suas indicações.

Aliás, a melhor coisa do filme é mesmo o elenco. Além do belo casal e da Renée, podemos conferir participações especiais de Jack White (dos White Stripes), Donald Sutherland, Kathy Baker, Philip Seymour Hoffman e a belezura da Natalie Portman. É dela o melhor momento do filme. Eu cheguei a torcer para o Jude Law esquecer a Nicole e ficar logo com a mãe do Luke Skywalker.

As primeiras cenas de guerra são boas, o retrato dos EUA do Sul também é bem feito. E no final o filme adquire até uma cara de western. O problema é que é um filme que quer emocionar mas não consegue. A história do cara que abandona a guerra para se encontrar com sua amada é até legal, mas que final mais sem graça aquele, hein.

Dá saudade de ...E O VENTO LEVOU, esse sim o melodrama definitivo sobre a Guerra Civil americana. Esse clássico é batata. É assistir e chorar. Coisa que o Minghella não consegue fazer com a sua arte barata.

A ENCANTADORA DE BALEIAS (Whale Rider)



Engraçado. Quando eu estava voltando da sessão desse filme, estava lendo no ônibus o livro O INVENTOR DA SOLIDÃO, de Paul Auster, e há no livro uma citação ao Livro de Jonas (da Bíblia), que o autor menciona como uma das mais poderosas estórias sobre medo e solidão. Aí, eu lendo sobre esse livro do Jonas, que ficou dias na barriga de uma baleia, lembrei que vi num filme recentemente outra menção a esse mítico profeta. Mas em que filme era? Terá sido num dos dois Khouris que eu vi recentemente? Ou terá sido num sonho ou era apenas impressão minha? O fato é que nesse momento em que eu me sinto acovardado diante da vida, me deu uma vontade de reler esse livro. Acho que vou fazer isso nesses dias. É curtinho. Paul Auster me despertou essa vontade.

Ao contrário de Jonas, que se acovardou e fugiu com medo de ser um mensageiro de Deus, em A ENCANTADORA DE BALEIAS, de Niki Caro, vemos Paikea (Keisha Castle-Hughes) uma garotinha com espírito de liderança, que perdoa o avô pelos maus tratos, que o ama e o entende mais do que a grande maioria dos adultos do vilarejo. A menina é descendente de uma linhagem nobre de um subgrupo dos maoris. Ela seria imediatamente posta como futura líder, se não tivesse nascido mulher. A partir dessa situação, o filme mostra uma sutil revolução feminina, que não afronta os mais velhos e suas tradições mas que, ao mesmo tempo, se impõe para mostrar o seu valor.

Eu confesso que fiquei bastante emocionado com esse filme. Não estava esperando tanto assim. O filme é um sensível drama que se diferencia daqueles made in Hollywood, que a gente está acostumado a ver.

A garotinha de 13 anos, Keisha Castle-Hughes, foi indicada ao Oscar pelo papel, o primeiro e por enquanto único de sua carreira. E entrou para a história da premiação como a mais jovem atriz a concorrer na categoria de atriz principal. Difícil não se derreter na cena em que ela faz um discurso na escola e confessa o seu profundo respeito e amor pelo avô.

Outro tópico de discussão que o filme propõe é a respeito da sobrevivência de certas tradições. Eu não me considero uma pessoa tradicional, por assim dizer. Não ligo pra Bumba-meu-boi, não gosto de música tradicional brasileira, não respeito os feriados etc. Por isso, enquanto assistia ao filme, ficava imaginando se aquela tradição não teria nascido da mentira e da ignorância, como várias outras. Mas quem sou eu pra julgar uma coisa tão antiga e que é capaz de manter vivo um povo que está praticamente em extinção?

Esse é apenas o segundo filme que eu vejo dos candidatos a melhor atriz no Oscar. E até prefiro Keisha a Naomi Watts, indicada por 21 GRAMAS. Ainda falta estrear na cidade os filmes ALGUÉM TEM QUE CEDER, TERRA DE SONHOS e MONSTER, para que eu possa apreciar a performance de Diane Keaton, Samantha Morton e da favorita Charlize Theron.

P.S.: Lembrei!!! O filme que faz menção a Jonas é MESTRE DOS MARES, naquela seqüência em que um dos jovens da embarcação sente-se culpado pela má sorte do navio.

A ÚLTIMA GARGALHADA (Der letzte Mann)



Trilha sonora utilizada:
Radiohead - HAIL TO THE THIEF

Nesses dias, botei na cabeça que queria ver um filme mudo com uma trilha sonora moderna para ver que barato dava. E não é que funcionou? A idéia era ignorar a trilha constante no DVD, e experimentar ver o filme aproveitando-me também de momentos emocionantes da música. Escolhi o Radiohead pós-OK COMPUTER exatamente por já se parecer por si só com uma trilha pra cinema. (Ou vocês não acharam “Everything in its right place” em VANILLA SKY um dos pontos altos do filme?). O Radiohead dos novos tempos não tem a preocupação de fazer melodias assobiáveis e fáceis, o que tiraria a atenção do filme. Acho que fiz uma boa escolha pra trilha, apesar de preferir KID A.

Sobre trilhas sonoras diferentes usadas em filmes mudos, nos anos 80, METROPOLIS (1926), de Fritz Lang, foi reexibido nos cinemas com uma trilha modernosa. Não é filme mudo, mas há a lenda de que DARK SIDE OF THE MOON, do Pink Floyd, é um disco que funciona muito bem se posto como trilha sonora do filme O MÁGICO DE OZ. Dizem que acontece uma surpreendente sincronia entre as duas obras.

Bom, é claro que não houve uma excelente sincronia entre esse disco do Radiohead e a obra-prima de Murnau, mas quero comentar aqui algumas coisas interessantes. Algumas faixas funcionaram bem e causaram uma “quase sincronia”, especialmente “Sit down, stand up”, uma canção angustiante que combinou com a rotina do personagem principal, o porteiro, no início do filme. “We suck young blood” coincidiu com a sensacional seqüência do sonho do protagonista. Além do mais, auxiliado pela música, eu sentia certas palpitações no coração quando ângulos de câmera “milagrosos” me pegavam de surpresa várias vezes durante o filme. O que mais me impressiona é que esse filme foi feito em 1924!!!

Essencial pra quem leva cinema a sério, A ÚLTIMA GARGALHADA, de F. W. Murnau, é uma dessas obras que continuam impressionando apesar do passar dos anos. Também é um filme que comprova o poder das imagens, quando sabiamente utilizadas. O filme não tem as legendas que serviam de muletas para vários filmes mudos. No filme inteiro há apenas uma legenda semi-explicativa na reviravolta final, depois de uma hora de filme. Fora isso, parte da trama é “explicada” por palavras somente através de uma carta e de um jornal. Diferente de D.W. Grifith, por exemplo, que precisava de muitas palavras para ser entendido.

Na trama, um porteiro de um hotel luxuoso, por estar muito velho, é destituído de sua função e passa a trabalhar como atendente de toalete, uma posição que para ele era humilhante.

Mas como já dizia Hitchcock: menos importante é a história; mais importante é a maneira como ela é contada. E nisso Murnau era gênio. Ele é talvez o mais importante dos cineastas inventores do Impressionismo Alemão. Seus outros filmes mais famosos são NOSFERATU (1922), FAUSTO (1926) e AURORA (1927).

Vendo os comentários no IMDB, soube que esse filme teve um remake em 1955, sendo que, no lugar do porteiro, a protagonista era a linda Romy Schneider. Fica como curiosidade. Há muito o que analisar nessa obra, como o simbolismo da humilhação e do uniforme presentes no filme, mas não ouso tentar.

ANTHONY MANN, POLANSKI E VON TRIER



Comento a seguir três filmes de três cineastas consagrados. Vamos começar pelo melhor filme da trinca.

E O SANGUE SEMEOU A TERRA (Bend of the River)

Obra-prima de Anthony Mann, esse western de 1952 já está entre os meus favoritos desse tão nobre gênero. Esse é o melhor filme que eu vi esse ano, contando filmes vistos no cinema e na telinha. Na trama, James Stewart é um homem encarregado de guiar um grupo de pessoas à procura de um lugar para se estabelecer. Stewart tem um passado de fora-da-lei, mas anda querendo mudar de vida. O rumo das coisas muda quando, no meio do caminho, Stewart salva Arthur Kennedy de ser enforcado. Os dois ficam relativamente amigos, ganham respeito mútuo por serem ambos famosos pela bandidismo. No elenco, ainda vemos Rock Hudson num papel meio apagado.

Uma das coisas agradáveis de ver filmes como esse, além do primor na narrativa, é poder testemunhar o surgimento de uma sociedade. Assim, podemos ver que aqueles que nos precederam sofreram muito para que hoje a gente possa ter esse conforto. O filme é o segundo western que o diretor fez com James Stewart. O primeiro foi WINCHESTER 73, que eu infelizmente ainda não vi. Ver um filme desses deixa a gente com vontade de pegar um monte de westerns de Mann, Ford, Wellman e Sturges para se esbaldar. Gravado da BAND.

A DANÇA DOS VAMPIROS (The Fearless Vampire Killers)

Depois da expectativa de mais dez anos, finalmente pude ver A DANÇA DOS VAMPIROS (1967), hoje um clássico de Roman Polanski. O filme é uma comédia de humor negro sobre dois caçadores de vampiros desastrados (um deles é o próprio Polanski) que vão “prestar serviços” num vilarejo ameaçado pelos dentuços. O destaque do filme, além da direção com poucos diálogos e imagens exuberantes, é a presença da lindíssima Sharon Tate, a esposa de Polanski que foi assassinada pelo bando de Charles Mason. Aliás, essa história, junto com toda a biografia do Polanski daria filmes quase tão grandes quanto os melhores da filmografia do homem. No DVD tem, de extras, centenas de fotos do filme, dos bastidores e principalmente de Sharon. Inclusive, há uma foto dela grávida (e linda) pouco tempo antes do massacre. Apesar de ser muito bom, A DANÇA DOS VAMPIROS não é nem um dos meus preferidos da filmografia do diretor.

EUROPA (Europa / Zentropa)

Enquanto DOGVILLE não chega aqui em Fortaleza, resolvi conferir em VHS esse filme de 1991 de Lars Von Trier. A ironia da coisa é que com tanta gente chamando o homem de manipulador, EUROPA já começa com uma narração em 2ª pessoa de Max Von Sidow, hipnotizando o protagonista do filme. Dessa forma, tanto o espectador quanto o personagem principal são jogados numa trama doida como se tivessem saltado de um pára-quedas. A estranheza aumenta com a trama, que se passa na Alemanha pouco depois do término da 2a Guerra Mundial. Há um grupo de nazistas autodenominado “lobisomens” que tem como objetivo matar os alemães que estão fazendo o jogo dos americanos. O filme tem uma atmosfera bem estranha e uma fotografia em preto e branco mas com partes em cores (às vezes no mesmo fotograma). O filme não fez a minha cabeça, fiquei confuso, mas de uma coisa é certa: esse Von Trier pode ser um filho da puta, mas que é sempre original, isso ele é.

SEABISCUIT - ALMA DE HERÓI (Seabiscuit)



Hoje fui conferir o filme que faltava eu ver dos indicados na categoria “Melhor Filme” do Oscar desse ano: SEABISCUIT, dirigido por Gary Ross, de A VIDA EM PRETO E BRANCO (1998).

No fim das contas, achei o mais fraco dos cinco indicados. Estava até satisfeito com a qualidade dos filmes até agora: todos ótimos. Eis a exceção. SEABISCUIT é apenas um bom filme que tem a qualidade de trabalhar relativamente bem os clichês do sub-gênero “melodrama esportivo”. Acontece que são muitos clichês. E americano tem essa mania de querer ser vencedor, de contar histórias de gente que consegue ultrapassar barreiras e obstáculos para conseguir seus objetivos.

Pra começar, eu não me interesso por esporte, muito menos por corrida de cavalos. E daí que o cavalo vai ganhar?? Nem em futebol eu me animo tanto. Em copa do mundo, por exemplo, fico contagiado com o clima e tal, mas depois que o time ganha, dá aquela sensação de vazio, fico me perguntando pra que isso tudo, o que foi que eu ganhei torcendo. E a resposta é: nada. Não sou lá muito competitivo mesmo.

Na história do filme, três pessoas, nos EUA da Grande Depressão, se conhecem e formam um time que vai se tornar campeão nas pistas de corrida de cavalos. Jeff Bridges (sempre muito bom) é um homem de negócios que conhece Chris Cooper, um velho caubói que sabe amansar cavalos selvagens. Esse, por sua vez, conhece o jovem briguento Tobey Maguire, que vai se tornar o jóquei do cavalo manco e enfezado Seabiscuit. A trama do filme é bem delineada e tem umas elipses de tempo inteligentes. Mas se o filme não se estendesse tanto ficaria melhor. Achei que mais de duas horas foi tempo demais para ele.

Sendo assim, aí vai o meu ranking de favoritos na categoria Melhor Filme para o Oscar do próximo dia 29.

1. SOBRE MENINOS E LOBOS (Clint Eastwood)
2. O SENHOR DOS ANÉIS: O RETORNO DO REI (Peter Jackson)
3. MESTRE DOS MARES: O LADO DISTANTE DO MUNDO (Peter Weir)
4. ENCONTROS E DESENCONTROS (Sofia Coppola)
5. SEABISCUIT - ALMA DE HERÓI (Gary Ross)

Mandem bombas à vontade!!

KHOURI EM DOIS FILMES



“Houve um tempo que eu pensei que tinha capacidade e talento pra fazer qualquer coisa. Era uma euforia besta. Hoje eu sinto que o tempo vai passar e me engolir sem que eu faça nada. Mas não me importo muito. Antigamente ficaria doente de pensar em passar em branco pelo mundo. Hoje tanto faz. O que eu quero agora é conseguir experimentar uma vivência interior realmente intensa, que seja ela mesma uma finalidade total, absoluta. Deve haver algo equivalente ao equilíbrio das estrelas, ao fogo e à chuva, que não termine necessariamente no desencanto e na frustração.”

Esse é um pequeno monólogo que Marcelo, interpretado por Paulo José em AS AMOROSAS, fala em certa altura do filme. Achei isso bem representativo de Walter Hugo Khouri, das angústias e inquietações de seu cinema. Foi vendo esse filme, que eu entendi porque a pessoa que escreveu a biografia de Khouri colocou como título do livro “O equilíbrio das estrelas”.

A qualidade do DVD não está tão boa, mas isso porque não foi feito um trabalho de remasterização dos negativos originais. A imagem até que está bem bonita, num preto e branco lindo, mas o som é que é bem prejudicado. Às vezes nem dá pra entender o que os atores falam. Mesmo assim, adorei colocarem esses títulos nas prateleiras. Afinal, não tinha outra maneira de eu vê-los mesmo. Comento a seguir um pouco desses dois filmes.

O CORPO ARDENTE

Quando Khouri fez O CORPO ARDENTE (1966), ele já tinha feito a obra-prima NOITE VAZIA e conquistado muita gente com o seu estilo. Se o filme não consegue atingir a excelência de seu antecessor, Khouri aqui faz um trabalho mais complexo na montagem, alternando passado e presente, e não entregando de bandeja a personalidade fechada de seus personagens. Na trama, Barbara Laage é uma mulher inquieta numa festa chique e regada a jazz (tinha que ser, né?). Aos poucos ficamos sabendo dos jogos de infidelidade dela e do marido. O diretor usa o cavalo como metáfora do homem, que sempre tem uma besta dentro de si. Esse é um tema recorrente em sua obra e em EROS – O DEUS DO AMOR (1981) pode-se ver algo bem parecido. Faz parte do elenco, além de Laage, Dina Sfat e Lilian Lemertz, que se tornaria uma das musas de Khouri, trabalhando em vários de seus filmes. A atriz Barbara Laage é brasileira, mas tinha carreira internacional. Já trabalhou ao lado de Paul Newman, Kirk Douglas e Gene Kelly, por exemplo.

Nos extras, a melhor coisa é a entrevista da viúva do diretor. Ela conta da personalidade ímpar de Khouri, de sua inteligência polêmica e do gosto por autores depressivos como Nietzche e Shopenhauer. Falou do quanto era feliz com ele, quando íam para festivais de cinema na Europa, de quando o marido trouxe para Gramado o diretor Josef Von Steinberg. Gostei dessa entrevista, podia ser mais longa que os poucos dez minutos.

AS AMOROSAS

Esse filme de 1968 é ainda melhor que o primeiro. Mostra o alter-ego do diretor, Marcelo, dessa vez interpretado pelo brilhante Paulo José. Nesse filme, Marcelo ainda não era um sujeito rico e esbanjador. Mas a natureza de mulherengo não podia deixar de faltar.

As tais amorosas do título do filme são as irmãs de Marcelo como também as amantes. Quem aprecia as obras do autor vai se esbaldar com montes de referências a livros que faziam a sua cabeça, e com as discussões filosóficas de Marcelo.

Um dos destaques do filme é a participação dos Mutantes. Eu fiquei admirado com a beleza de Rita Lee quando jovem - ela era linda.

A entrevista de dez minutos nos extras, dessa vez, é do filho de Khouri, mas não é tão boa quanto a da esposa. Ele focaliza mais detalhes técnicos, ao contrário da esposa que mostrou mais o Khouri humano.

Esses três filmes do box (o outro é NOITE VAZIA) são “vendidos” na apresentação como os melhores filmes do mestre. O que não é verdade. Mas não deixam de serem filmes brilhantes de um cara que era verdadeiramente um autor.

Assisti esses filmes do Khouri em momentos especialmente introspectivos, quando me sentia deslocado do mundo. Na sexta-feira, então, eu estava me sentindo um peixe fora d’água na escola, um estranho que não consegue se relacionar normalmente com o universo e que cada vez mais se sente atraído pela solidão. Ver esses filmes tão cheios de inquietação espiritual do meu cineasta brasileiro preferido funcionou como um alento nessas horas.

ESCOLA DE ROCK (The School of Rock)



Ontem fui para a pré-estréia de ESCOLA DE ROCK, o novo longa de Richard Linklater. Como era uma sessão única, achei que a sala ia estar lotada, mas tinham poucas pessoas e a maioria eram adolescentes.

O filme não é um trabalho pessoal de Linklater, como ANTES DO AMANHECER (1995), WAKING LIFE (2001) ou AMARGO REENCONTRO (2001). É um filme de pura diversão, mas que é possível ler algo mais nas entrelinhas. Linklater já tinha homenageado o rock setentista em JOVENS, LOUCOS E REBELDES (1993).

Um aviso: quem acha Jack Black um chato, passe longe desse filme. O filme é puro Black, para o bem e para o mal.

Na história, ele é um cara que foi expulso da própria banda de rock que criou que se faz passar pelo colega de quarto e arranja um emprego de professor substituto numa escola de ensino fundamental. Acontece que ele não tem a menor vontade de dar aula. As coisas começam a se animar quando ele tem a idéia de ensinar aos alunos a tocar rock. A intenção é fazer tudo às escondidas, sem que os pais das crianças ou a direção da escola tenha conhecimento.

O final é emocionante até pra quem não curte rock. Mas quem ama rock n´ roll vai curtir muito mais, tentando “adivinhar” as várias canções constantes na trilha sonora. Ao sair do cinema, a vontade que a gente tem é ir pra um show de rock foderoso ou então voltar pra casa e tocar air guitar ouvindo Led Zeppelin ou Ramones!!

Yeah!!!

A INGLESA E O DUQUE (L´Anglaise et le Duc)



Eu já estava ficando puto com essa história de só São Paulo exibir um monte de filmes de Eric Rohmer e aqui em Fortaleza ficarmos privados de ver suas tão elogiadas obras. Pois eis que, finalmente, graças ao esforço de Pedro Martins Freire em trazer de volta as sessões de arte, não apenas A INGLESA E O DUQUE (2001), como também todos os "Filmes das Estações" vão ser exibidos aqui na cidade. Se fizerem sucesso, pode ser que outros filmes do diretor cheguem aqui também.

Isso é motivo de comemoração, pois o que eu pude ver hoje de manhã foi um espetáculo diferente de tudo que eu já vi no cinema. A INGLESA E O DUQUE é um filme sobre os violentos primeiros anos da Revolução Francesa, mas feito de uma maneira bem diferente. Pra começar, o cenário é todo feito a partir de pinturas, que foram inseridas digitalmente. Os atores, dessa forma, interagem com esse cenário artificial. O resultado é de encher os olhos, pois a primeira sensação que temos é que estamos vendo um quadro se mexendo, uma pintura virando cinema.

Mas fora esse aspecto técnico, o tema do filme é interessantíssimo. Vemos os primeiros anos da Revolução pela ótica de uma inglesa que vive na França desde os tempos da Monarquia, bem antes da Queda da Bastilha. Ela é uma “herdeira” da velha França, amiga do rei e da rainha, e fica chocada quando os aristocratas começam a ser guilhotinados pelos revolucionários. Ela tem uma estranha relação afetiva com o Duque de Orleans, figura importante dentro da história francesa. A partir dessa relação e dos eventos que acontecerão, é que a história toma rumos trágicos.

Em certo momento senti falta de não ter estudado mais História Geral, mas nunca é tarde para pesquisar sobre essa fase tão importante da história da humanidade.

Entre as críticas que eu li sobre o filme, a que mais me chamou a atenção foi a de Ruy Gardnier, publicada na Contracampo. De uma lucidez impressionante. Vale a pena dar uma lida. Melhor do que ler esse meu texto. Hehehe.

Quem sabe, com o tempo, eu adquiro mais intimidade com o cinema de Rohmer para poder falar com um pouco mais de segurança sobre os seus filmes. Por enquanto esse é só o primeiro filme que vejo dele. E olha que estamos falando de um dos pais da Nouvelle Vague, que faz filmes desde o final da década de 50.

REVELAÇÕES (The Human Stain)



As férias continuam tranqüilas. Talvez porque eu esteja tentando ignorar os problemas que continuam presentes. Ontem depois de me atrasar para a sessão de REVELAÇÕES no Shopping Del Paseo, fui devolver uns DVDs na King Video, pegar novos na Distrivideo (adorei a atendente, linda e simpática.. heheheh) e parti para o Iguatemi, outra sala onde o filme estava passando.

O diretor do filme, Robert Benton, tem poucos filmes no currículo, sendo que o mais respeitado e premiado é KRAMER VS KRAMER (1979). Para esse filme, convidou Nicole Kidman, com quem havia trabalhado em BILLY BATHGATE (1991), e Anthony Hopkins para fazerem os protagonistas desse interessante drama sobre o preconceito racial e social na era do politicamente correto.

O filme tem uma estrutura interessante, sendo que as alternâncias entre passado e presente do personagem de Hopkins contrastam com o passado duvidoso de Nicole, nunca mostrados em flashback, apenas contados oralmente por ela, o que deixa o espectador com um pé atrás no romance entre os dois. Os outros dois coadjuvantes que ajudam a tecer a teia do filme são Gary Sinise, como o amigo escritor de Hopkins e o narrador do filme, e Ed Harris, como o violento ex-marido de Nicole. Harris há tempos rouba a cena sempre que aparece.

Talvez o problema maior do filme seja a falta de um aprofundamento maior na psicologia dos personagens, mas isso é comum em adaptações de obras literárias. Por falar nisso, fiquei bem interessado em ler o livro de Philip Roth, “A Marca Humana”, em que o filme é baseado. E olha que é bem difícil eu ficar querendo ler um livro depois de ter visto o filme.

Apesar dos problemas, é um filme agradável de ver, tem um andamento lento e gostoso de acompanhar, traz temas atuais e interessantes, um ótimo elenco e alguns movimentos de câmera bem interessantes. Lembro especialmente da cena da morte da mulher de Hopkins, com a câmera se afastando aos poucos. Aquilo não é original, mas que ficou bonito, ficou.

TRÊS CLÁSSICOS DO HORROR



Eu tenho um fraco por filme de horror. Geralmente quando vou a uma locadora acabo dando uma olhadinha mais cuidadosa nessa prateleira. Dessa última vez que visitei a locadora, peguei esses três clássicos do gênero.

O VAMPIRO DA NOITE (Horror of Dracula / Dracula)

Esse é o segundo filme que a Hammer fez “homenageando” os monstros clássicos dos filmes da Universal da década de 30. O mesmo time que fez A MALDIÇÃO DE FRANKENSTEIN (1957), entrega pra gente essa belíssima versão do conde vampiro de Bram Stoker. Eu diria que é a melhor das versões para cinema da história de Drácula. O VAMPIRO DA NOITE (1958) é dirigido pelo mais respeitado cineasta da companhia inglesa, Terence Fisher. No elenco, Christopher Lee como Drácula, Peter Cushing como Van Helsing e Michael Gough, como Arthur Holmwood. A fotografia em technicolor é lindona, assim como a direção de arte está caprichadíssima, mas sem descambar para exageros como a versão do Coppola. A única desvantagem é que a história já é bem conhecida, mas, mesmo assim, ainda é possível ter boas surpresas. Além do mais, não existe Drácula melhor do que o do Christopher Lee.

SEXTA-FEIRA 13 (Friday the 13th)

Suspeitava que não tinha visto esse filme. E realmente, se vi quando criança, não me lembro. SEXTA-FEIRA 13 (1980) é o filme que deu início à série de terror que mais teve continuações no cinema (dez até agora). Lá pelo final, o filme lembra PSICOSE em alguns aspectos, inclusive na trilha sonora. Não é lá uma obra-prima, mas é um dos melhores da série, junto com a deliciosa Parte VI. Para quem quer ver o Jason, aqui vai se decepcionar, que nem é ele quem mata a garotada não. O filme tem o Kevin Bacon em início de carreira. O documentário com o making of é até mais divertido que o filme, com a equipe rindo ao falar das péssimas atuações do elenco e do roteiro primário, feito descaradamente para ganhar dinheiro no rastro do sucesso de HALLOWEEN (1978). Pena que o DVD travou com dez minutos de documentário e eu nem sei qual a real duração desse extra.

A COMPANHIA DOS LOBOS (The Company of Wolves)

Segundo filme dirigido por Neil Jordan, A COMPANHIA DOS LOBOS (1984) é uma versão moderna da estória de Chapeuzinho Vermelho. O filme tem toda uma atmosfera de pesadelo, auxiliada pela direção de arte que deixa o ambiente com clima de fábula infantil. Os efeitos especiais estão um pouco ultrapassados, não superando nem de longe os revolucionários efeitos de maquiagem de Rick Baker em O LOBISOMEM AMERICANO EM LONDRES (1981). Por isso, as cenas de transformação em lobisomem não são tão boas para os atuais padrões. Sarah Patterson, a garotinha protagonista, parece uma versão adolescente de Jacqueline Bisset, de tão bela que é. Hoje em dia, não se sabe do paradeiro da menina. Curiosamente, depois que fez esse filme, ela fez mais dois: um sobre a Branca de Neve e outro sobre a Cinderella. (Que coisa, hein?). Como não poderia deixar de ser, o ator fetiche dos filmes de Jordan, Stephen Rea, está presente no elenco.

JOHN FORD EM DOIS FILMES



Assim que terminei de ver o DVD de DEPOIS DO VENDAVAL fiquei tão animado pra ver outro Ford que peguei imediatamente pra ver MISTER ROBERTS, que tinha gravado da BAND há alguns meses. Seguem aqui os comentários rápidos sobre esses dois filmes do mestre.

DEPOIS DO VENDAVAL (The Quiet Man)

Ótimo filme de Ford. Um pouco atípico tanto pra Ford quanto para John Wayne que, quando se juntavam, quase sempre era pra fazerem westerns. DEPOIS DO VENDAVAL (1952) é quase um western, mas como não se passa em terreno americano do final do século XIX e nem tem tiroteio, então, pode ser considerado como uma comédia romântica. Olha que legal. Uma comédia romântica de John Ford. Bom, hein? Na história, Wayne é um rapaz que veio dos EUA para a Irlanda para se estabelecer no lugar onde saiu quando criança. Assim que chega lá, logo se apaixona pela bela Maureen O´Hara, mas o problema é que, como ele pegou a propriedade que o irmão da moça tanto queria, os dois se tornam inimigos, complicando, assim, um possível casamento. Há também um trauma no passado do personagem de Wayne que o impede de lutar. Do meio pro final o filme cresce bastante e é até possível dar boas gargalhadas no final. DEPOIS DO VENDAVAL é dessas obras que deixam a gente com um sorriso de orelha a orelha. O filme deu o Oscar de melhor direção para Ford. Pena que o DVD traz o filme em fullscreen e sem nenhum extra. Enquanto isso, nos EUA saiu pela Artisan uma edição especial de colecionador cheinha de extras bacanas, incluindo o comentário em áudio da própria Maureen O´Hara.

MISTER ROBERTS

Esse é outro Ford atípico. É um filme quase teatral que se passa praticamente todo dentro de um navio nas águas do Pacífico, durante o final da 2ª Guerra Mundial. Isso porque o filme é uma versão para o cinema de um sucesso de Henry Fonda na Broadway. Ator constante nos filmes de Ford, Fonda é o personagem título do filme e parece que ele se desentendeu com o diretor e Ford abandonou o filme antes de finalizá-lo. A outros diretores (Mervyn LeRoy e Joshua Logan) coube a finalização, deixando o filme um pouco irregular. A trama de MISTER ROBERTS (1955) se concentra na rixa entre os dois oficiais do navio, Fonda e James Cagney e na simpatia que Fonda exerce sobre os marinheiros. Entre os outros nomes célebres no elenco estão o jovem Jack Lemmon e o veterano William Powell. A coisa só fica incômoda quando se passa mais de uma hora de filme e nada acontece. Nada de batalhas ou lutas contra os japoneses ou coisa assim. Quando a gente descobre que a ação do filme é só aquilo mesmo, o negócio é relaxar e torcer a favor de Fonda e contra Cagney.

TUBARÃO (Jaws)



Até pouco tempo atrás quando me perguntavam qual filme todo mundo tinha visto, menos eu, eu respondia TUBARÃO (1975), de Steven Spielberg. Pois agora vou ter que pensar em outro título, pois finalmente pude conferir o filme em DVD. Um dia desses na lista Cinefelia, falei que ia gravar o filme da TNT para assistí-lo, mas o Renato falou que não era uma boa idéia, que o filme teria que ser visto em DVD. Tenho que concordar com ele.

A edição especial de comemoração dos 25 anos traz um documentário de quase uma hora de duração sobre as filmagens do filme. O documentário foi feito pelo mesmo Laurent Bouzereau que dirigiu os documentários presentes nos DVDs dos filmes do Hitchcock para a Universal e que também dirigiu os maravilhosos extras de A NOITE AMERICANA, do Truffaut.

Uma das coisas mais interessantes que a gente descobre vendo esse documentário é quando o Spielberg conta que quando ele filmou ENCURRALADO (1971), ele utilizou na cena do caminhão caindo ladeira abaixo o som de um tiranossauro de um filme B. Esse mesmo som ele usou quando o tubarão morre no final do filme. Será que ele usou o mesmo som quando fez JURASSIC PARK (1993)?

Spielberg tem uma excelente capacidade de causar suspense. Pena que ele utilize esse seu dom em poucos filmes. Mas foi como especialista em suspense que ele se projetou para o mundo, com ENCURRALADO, o segmento “Eyes” do filme NIGHT GALLERY (1970) e TUBARÃO.

TUBARÃO é outro exemplo de filme filmado nas águas e que deu um trabalhão para ser feito. Além das preocupações com a câmera, o tubarão mecânico quase não funcionou. Mas no final deu tudo certo e é difícil distinguir qual é o tubarão mecânico e qual é o de verdade. Os três atores do filme - Richard Dreyfuss, Roy Scheider e Robert Shaw - são ótimos e a seqüência final é realmente chocante. A idéia de não mostrar o bicho até a metade do filme foi muito boa e ele repetiu isso quando fez JURASSIC PARK. Tanto que na primeira vez que os dinossauros foram mostrados o público ficou embasbacado.

No mais, TUBARÃO rendeu muito dinheiro, se tornou durante muito tempo o filme mais rentável do mundo e ainda trouxe, sem querer, um monte de tubarões bastardos. Além das continuações oficiais do filme, na Itália, alguns diretores fizeram vários filmes picaretas de tubarão, se aproveitando da popularidade do filme pra ganhar alguns trocados.

Sobre as cenas inéditas contidas nos extras do DVD, a única que merece atenção é a cena dos pescadores correndo nas lanchas para pegar o peixão. Essa cena mereceu mesmo ser cortada do filme, mas não deixa de ser bem curiosa e bem feita.

MESTRE DOS MARES: O LADO DISTANTE DO MUNDO
(Master and Comander: The Far Side of the World)



Hoje à tarde fui conferir esse filme do Peter Weir. Gosto de ir ao cinema durante a semana. Os shoppings estão mais vazios, não tem muita preocupação com fila. É o máximo que eu estou fazendo para aproveitar as férias do trabalho, apesar da pouca grana.

MESTRE DOS MARES é filmão. Peter Weir já tem no currículo obras apaixonantes como SOCIEDADE DOS POETAS MORTOS (1989), SEM MEDO DE VIVER (1993) e O SHOW DE TRUMAN (1998). Agora ele comanda um projeto mais caro, uma super-produção passada nos mares.

Todo mundo sabe o trabalho que dá filmar no mar. Kevin Costner quase teve um prejuízo com o seu WATERWORLD e o recordista de bilheteria TITANIC quase que naufragou feito o navio, de tantos problemas que teve durante as filmagens.

Mas Weir se saiu muito bem. O filme tem um apanhado de seqüências emocionantes, além de ainda servir de pesquisa histórica para quem quiser saber como eram as coisas na época das guerras napoleônicas.

Até o Russel Crowe está simpático no filme. Eu gostei pra caramba do personagem dele: um comandante do navio da marinha britânica que é obstinado e corajoso a ponto de desafiar uma embarcação francesa muito maior que a dele. Os 139 minutos do filme se justificam. É mesmo necessário esse tempo para que possamos nos acostumar com o ambiente no navio e para nos apegarmos um pouco com os sofridos e heróicos personagens.

MESTRE DOS MARES lembra um pouco filmes de submarino como U-571 e K-19: THE WIDOWMAKER, que pretendem mostrar a bravura dos homens diante dos vários obstáculos que lhes são apresentados. É um filme “de homem” – não tem mulher no elenco – e que mostra a camaradagem masculina com entusiasmo.

Outro traço positivo do filme é a maneira como Weir mostra aquele recorte do tempo e espaço, como se fosse um pesquisador naturalista. Nesse sentido, o personagem de Paul Bettany é quase como um alter-ego do autor, ou o elo de identificação com o público. Não custa lembrar que Weir é especialista nesse “recortar o tempo e espaço”. Basta lembrar da maneira como ele mostrou o grupo de religiosos radicais em A TESTEMUNHA (1985) ou o carinho com que ele trata um grupo de estudantes americanos da década de 50 em SOCIEDADE DOS POETAS MORTOS.

Por tudo isso, eu ainda acredito que Peter Weir seja um autor. Só não é muito respeitado como sendo um nas revistas de cinema e nos cadernos de cultura dos jornais. Quem sabe um dia ele não recebe o devido reconhecimento...

MINHA PARA SEMPRE (Forever Mine)



Ontem na FOX passou esse filme de Paul Schrader. Acho que foi a primeira exibição comercial do filme no Brasil. O filme continua inédito em cinema e em vídeo no país. Gosto de todos os filmes de Schrader. Ele não tem a genialidade e a mão firme do seu amigo Scorsese, mas é um grande roteirista e tem muitos filmes bons no currículo como diretor. Acho até difícil dizer qual dos filmes dele gosto mais.

MINHA PARA SEMPRE é um melodrama com toques de suspense. É muito bizarro para ser descrito como uma história de amor. Digo bizarro, mas principalmente por causa de Joseph Fiennes, um sujeito que é um ator horrível, é feio, sem charme e, mesmo assim, esse já é o segundo papel que eu vejo dele, em que ele interpreta um cara que possui o dom de atrair mulheres bonitas (lembram de MATA-ME DE PRAZER?).

Nesse filme a coisa piora ainda porque os seus gestos no filme são de assustar qualquer mulher que tenha o mínimo de bom senso. Outra coisa: o par romântico do sujeito é a linda Gretchen Mol.

Na história, ele é um garçon de barraca de praia que se apaixona pela mulher de um político (Ray Liotta). A paixão vira obsessão e a cara de pau do sujeito faz com que ele se meta em encrenca, já que o tal político é um “escroto”, definição do próprio. (Em certa hora do filme, Liotta diz pra Fiennes que no mundo só existem dois tipos de homens: os babacas e os escrotos. Fiennes era o babaca; ele, o escroto. Liotta é um bom ator, mas o problema é que ele repete muito o tipo que vem fazendo desde TOTALMENTE SELVAGEM em 1986.)

O filme é uma história de vingança, estilo “O conde de monte cristo”. Tem a qualidade de manter o interesse até o fim, mas a melhor coisa do filme é mesmo a Gretchen Mol, que - pensando bem - justifica qualquer comportamento insano.

O HOMEM QUE NÃO ESTAVA LÁ (The Man Who Wasn’t There)



Acabei de ver esse filmaço dos irmãos Coen. E pensar que eu já peguei o DVD desse filme nas locadoras tantas vezes e depois acabava deixando de lado e escolhendo outro filme... Não sei porque tinha botado na cabeça que o filme tinha 3 horas de duração. Tô ficando velho mesmo.

O HOMEM QUE NÃO ESTAVA LÁ agora é o filme que eu mais gosto dessa criativa dupla (antes era FARGO). Billy Bob Thorton está excelente como o barbeiro que por causa da vontade de mudar de vida - ele quer montar uma firma de lavagem a seco - desencadeia uma série de eventos que vão por em risco a vida de todos os envolvidos. Acho que esse é o primeiro personagem de Thorton que eu realmente simpatizei, apesar de ele não ser bem um exemplo de homem íntegro e honesto.

Além de Bob Thorton, o que eu gostei no filme: a linda fotografia em preto e branco de Roger Deakins (coloborador habitual dos Coen), dando um gostoso clima de filmes noir dos anos 40, auxiliado pela voz over do protagonista; a trama contada de maneira lenta e agradável; o ótimo desempenho dos outros atores (Frances McDorman, Scarlett Johansson, Tony Shalhoub, James Gandolfini); e pra completar, o filme ainda se utiliza de sonatas ao piano de Beethoven. Assim é até covardia.

O humor ácido e a bizarrice dos Coen está bem mais escondido nesse filme, que é carregado de uma seriedade impressionante. Além da cena final, uma das cenas mais memoráveis do filme é a seqüência em que a viúva do cara assassinado visita Bob Thorton. É de arrepiar essa cena.

No DVD tem de extra: um making of de 18 minutos com entrevistas com diretores e elenco, trailer de cinema, dois spots de tv, algumas cenas deletadas (na verdade só uma é a sério) e uma entrevista de quase uma hora com o diretor de fotografia. O chato é que a entrevista demorou tempo demais. O próprio entrevistado já estava querendo ir embora e o cara não parava de fazer perguntas. O problema é que eram abordados muitos detalhes técnicos, interessantes mais para quem trabalha com câmera e fotografia. Ah, e a imagem do filme no dvd, em wide, está lindona!

ENCONTROS E DESENCONTROS (Lost in Translation)



Acabei de voltar do cinema. Estava tentando escrever sobre o filme nesse momento mas com a minha irmã vendo a novela eu não estava conseguindo me concentrar. Nem o nome do filme eu conseguia me lembrar.

Depois de ter lido tanta coisa a respeito - a maioria, elogios - fui lá conferir o filme da Sofia Coppola esperando algo do naipe de um ANTES DO AMANHECER (1995), do Linklater. Talvez por causa da expectativa, eu não tenha achado o filme a oitava maravilha do mundo. Mas com certeza é ótimo. Especialmente depois que a gente sai do cinema e pensa sobre o que o filme aborda.

ENCONTROS E DESENCONTROS é bem representativo dos tempos em que vivemos. Podia ser em qualquer metrópole cosmopolita, mas o fato de a história do filme ser em Tóquio, amplia ainda mais a coisa. O contraste entre a explosão visual, o excesso de cores e de propaganda nas ruas, como se estivéssemos na internet, e a solidão e a expressão blasé nos rostos das pessoas não encontra paralelos em nenhuma outra cidade. Não que eu tenha estado no Japão, mas é essa a sensação que o filme passa.

O início do filme já mostra uma imagem bonita, que eu não vou falar aqui pra não estragar a surpresa de quem pretende ver.

O rosto fechado e entediado de Bill Murray é sempre uma constante no filme. Em compensação Scarlett Johansson é um achado. (Daqui a pouco vou conferir sua performance em O HOMEM QUE NÃO ESTAVA LÁ no DVD que aluguei ontem. )

Pena eu não ter me identificado com o personagem de Murray. E o problema não é nem com ele não. Lembro que quando vi FEITIÇO DO TEMPO (1993), que tem o Murray, eu me senti um pouco no lugar dele. Mas FEITIÇO DO TEMPO é um dos meus filmes favoritos e talvez eu esteja fazendo comparações injustas.

Uma das cenas que mais gostei no filme da Sofia Coppola, além dos minutos finais ao som de Jesus and Mary Chain, foi a cena do karaokê, com Murray cantando “More than this”. Apesar do tom desafinado, ele deu uma dimensão mais dolorida à canção.

O fato é que com essa super-exposição antecipada dos filmes, com muita gente vendo nas mostras e já falando um monte de coisas do filme antes de ele estrear no circuito comercial, isso deixa a gente com expectativas altíssimas para certas obras. Mas deixa pra lá, a culpa é minha, ninguém me obriga a ler.

BUENA VISTA SOCIAL CLUB



Em 1999, Wenders recebeu elogios de crítica e público com esse documentário sobre a velha guarda de músicos cubanos. Lembro que não quis ver no cinema porque era um documentário e porque era um filme sobre um tipo de música que eu não conhecia nem me sentia atraído. Achava que não ia gostar. E depois, fiquei achando tudo muito hype, o disco com a trilha sonora vendeu milhões de cópias no mundo todo e os músicos saíram do anonimato e começaram a fazer shows em tudo quanto era lugar. Mas o filme é bem melhor do que eu esperava.

A estrutura inicial do documentário é até pouco criativa. Entrevista com o músico tal, depois uma música, e assim por diante. Só do meio pro final é que o filme ganha mais inventividade, talvez por se livrar da obrigação de apresentar o músico através da entrevista. Mas isso não chega a ser um problema. É bom para que possamos saber um pouco sobre o passado do músico.

Outra coisa interessante é que Wenders também foca o filme na sociedade cubana. Ele mostra o empenho do Governo de Fidel em apoiar o esporte, por exemplo. Mas o filme também acaba fazendo um contraste: quando os músicos vão conhecer Nova York, sentimos uma grande diferença entre a arquitetura velha e os carros velhos de Cuba e a modernidade da metrópole americana. Mostra também que os cubanos não tem contato com a cultura americana por causa da rixa entre os dois governos. O que eu acho uma pena - os caras não sabiam nem quem era Marylin Monroe. Com o filme, também temos uma noção das crenças religiosas dos cubanos, que lembram um pouco a mistura de religiões daqui do Brasil.

Sobre os músicos, a ponte entre os americanos e os cubanos era Ry Cooder, o cara que compôs a belíssima trilha de PARIS, TEXAS (1984), do Wenders e que também trabalhou com ele em O FIM DA VIOLÊNCIA (1997). Os principais músicos cubanos eram Imbrahim Ferrer e Compay Segundo (que morreu no ano passado). O tipo de música às vezes soa meio cafona para ouvidos acostumados a música pop, como eu, mas dá sim pra ver a beleza da musicalidade deles. Um problema é que quando Cooder tocava com os cubanos, às vezes a guitarra dele não combinava com o estilo e a guitarra ficava só fazendo barulhinho.

A minha cena preferida do filme é uma em que Wenders usa uma steady-cam quando boa parte dos músicos estão próximos de um lago. Lindona aquela cena. Tive vontade de revê-la. Pena que eu assisti o filme meio que em partes, porque parava de vez em quando pra botar uns cd's pra gravar no computador.

O documentário é meio que uma volta por cima no cinema de Wim Wenders, já que os filmes dele andavam bem capengas. Fez tanto sucesso que ele foi chamado para participar do projeto "The Blues", fazendo o documentário THE SOUL OF A MAN, sobre blues. Será que é melhor que o do Eastwood, que eu tive oportunidade de ver na Mostra de São Paulo?

De qualquer maneira, só vou sossegar quando vê-lo fazendo um filme de ficção de primeira de novo. A lembrança do horroroso O HOTEL DE UM MILHÃO DE DÓLARES (2000) continua presente. Ele já tem um drama na agulha chamado LAND OF PLENTY que deve estrear esse ano. Fica a expectativa.