FROZEN – UMA AVENTURA CONGELANTE (Frozen)

A influência de John Lasseter na Disney veio para ficar desde o momento em que a produtora do Mickey resolveu distribuir TOY STORY (1995), da Pixar. Hoje, com a compra definitiva da Pixar pela Disney e a criação do novo Walt Disney Animated Studios, os laços entre as duas companhias se estreitaram no que se referem também ao estilo de animação. Houve, por exemplo, uma espécie de troca quando a Pixar produziu uma história de princesas em filme de época – VALENTE (2012) –, enquanto a Disney produziu um filme sobre um personagem de videogame que se revolta com sua rotina e com o modo como é visto e discriminado – DETONA RALPH (2012).

Depois do filme que se passa no mundo dos videogames oitentistas, a Disney resolveu voltar às tradições com FROZEN – UMA AVENTURA CONGELANTE (2013), de Chris Buck e Jennifer Lee, com direito a várias sequências musicais, como nas animações clássicas. Inclusive, apesar de a dublagem brasileira para essas animações ser tradicionalmente caprichada, fica sempre no ar uma vontade de ouvir as canções na versão original, coisa que cada vez tem sido mais difícil devido à quase nula distribuição de cópias legendadas de animações no país. Ainda assim, as versões são bonitas e nada chatas.

Ao contrário, uma delas tem um papel muito importante ao mostrar a passagem do tempo entre as duas irmãs, Anna e Elsa, princesas de um reino próspero. Devido a uma maldição que envolve Elsa (ela é capaz de fazer congelar tudo ao redor), Anna é privada de sua companhia durante muitos anos. Aliás, ainda que Anna seja a protagonista e a personagem mais simpática – depois do boneco de neve Olaf –, Elsa é a personagem mais fascinante, pela sua caracterização trágica. Ela é atormentada por não poder ter a companhia de ninguém, nem conseguir controlar seus poderes, que acabam trazendo muita tristeza para toda a região. E isso faz com que ela seja não uma vilã, mas uma vítima. Essa é uma mudança bem importante nesta adaptação da história clássica de Hans Christian Anderson, "A Rainha da Neve".

Assim, o filme praticamente não tem vilões, o que faz com que ele fuja do lugar comum das principais histórias, que muitas vezes pecam por possuírem vilões chatos e enfadonhos. Aqui, quando o vilão mostra a cara, nem dá tempo de ter raiva dele. Curioso como o filme é centrado no amor como elemento essencial para o fim de todos os males, inclusive uma maldição desse tipo. E esse amor está presente em todos os personagens, inclusive no já citado boneco de neve (dublado muito bem pelo Fábio Porchat) e pela rena Sven, além, claro, do rapaz que ajuda Anna em sua jornada em busca da irmã, o vendedor de gelo desempregado Hans.

O trabalho de animação e direção de arte é belíssimo e mostra o quanto vale a pena ver as produções dos dois melhores estúdios de animação americanos da atualidade, a Disney e a Pixar. Os demais sempre ficam atrás, tanto nos aspectos técnicos quanto na construção de enredos e personagens. No caso de FROZEN, a cena da construção do castelo de neve por Elsa é especialmente bela.

Mas o que consegue ser ainda melhor é o curta que antecede o longa-metragem. Trata-se de uma homenagem aos 85 anos do camundongo Mickey e ao primeiro curta em que ele apareceu, O VAPOR WILLIE (1928). Para tornar o trabalho ainda mais admirável, os realizadores recuperaram a voz do próprio Walt Disney dublando o Mickey, tornando HORA DE VIAJAR! (2013), de Lauren MacMullan, um dos melhores curtas animados dos últimos anos. O pequeno filme traz Mickey, Minnie e o Bafo de Onça em situações divertidas. Além de emular o estilo de animação da época (preto e branco e tela quadrada), há uma brincadeira metalinguística deliciosa e que faz com que a apreciação deste curta seja ainda melhor se visto em 3D. Eis um caso em que essa tecnologia se mostra importante para que nossos sorrisos se amplifiquem.

I DRINK YOUR BLOOD

Recentemente adquiri um exemplar do livro Cemitério Maldito dos Filmes B, produzido pela Editora Estronho e com textos de vários amigos meus, entre eles Carlos Thomaz Albornoz, Laura Cánepa, Leandro Caraça, Osvaldo Neto, Otávio Pereira, Ronald Perrone, Leopoldo Tauffenbach e Cristian Verardi, todos especialistas em cinema de horror e afins. Os demais colaboradores eu não conheço. Trata-se de um livro que traz resenhas sobre filmes de baixo orçamento, organizado nas seguintes seções: 1) Cannibal, Slasher, Splatter Films; 2) Chambara/Artes Marciais; 3) Giallo; 4) Poliziesco/Policial Exploitation; 5) Blaxpoitation/Soul Cinema; 6) Nazisploitation/ Nunsploitation; 7) Sexploitation; 8) Exploitation na América Latina; e 9) Ozploitation/Canuxploitation.

Ao dizer que eu pretendia escrever textos sobre cada um dos filmes na ordem em que eles estão no livro, Osvaldo Neto falou que eu iria fazer um "Cemitério Maldito dos Filmes B – Versão 2.0". Não deixei de achar a ideia interessante. Então, hoje começo com o primeiro filme inédito (para mim) do livro – os dois primeiros, BANQUETE DE SANGUE e SPIDER BABY, você pode conferir aqui mesmo no blog. Assim, começo com este trabalho muito louco chamado I DRINK YOUR BLOOD (1970), de David E. Durston, uma autêntico clássico das grindhouses, inclusive começando com aquela vinheta que o Tarantino usou no início dos créditos de KILL BILL. (Foi no KILL BILL mesmo ou em À PROVA DE MORTE?)

O começo de I DRINK YOUR BLOOD já é bastante divertido: um grupo de adoradores de Satã está fazendo um culto no meio da floresta quando percebem que uma moça não convidada está por perto. Dois deles correm atrás da moça e a estupram. Não demora muito para que esse mesmo grupo de hippies satanistas apareça na pequena cidade da garota e comece a fazer confusão. O líder do grupo é particularmente maligno.

Depois de terem humilhado o avô da garota, eles recebem a vingança de um garotinho, que tem a ideia genial de matar um cachorro raivoso, tirar o sangue do bicho com uma seringa e depois aplicá-lo em pãezinhos que são oferecidos à turma do barulho. O resultado, explicado de maneira divertidamente "científica" por um dos médicos da cidade, é que eles apresentarão as mesmas características de um cão raivoso: babando direto, com medo de água, comportamento violento, vontade de comer carne crua etc. Enfim, é como se fossem zumbis, só que ainda mais feios, por causa da baba escorrendo.

I DRINK YOUR BLOOD não tem pretensões de ser mais do que divertido, mas a direção de Durston acaba sendo um achado, já que ele conduz muito bem a ação, que por ser cheia desses elementos absurdos acaba conquistando o espectador do início ao fim. Fico imaginando um casal indo namorar na sessão desse filme e acabar mais interessado no filme do que nos amassos, que podem ficar para depois.

ÁLBUM DE FAMÍLIA (August: Osage County)

Começando pra valer a temporada do Oscar. No próximo dia 12 já teremos a cerimônia do Globo de Ouro e janeiro e fevereiro são os meses que mais teremos filmes indicados ao prêmio. Certamente as indicações mudarão o calendário de exibição de alguns. Estejamos atentos. Tudo bem que muitos desses filmes que até então estão entre os melhores segundo a crítica americana se revelam pequenos diante de outros ao fazermos o balanço do final de ano, mas pelo menos podemos aproveitar a oportunidade de termos mais filmes adultos em cartaz nos cinemas nesta época.

Na verdade, alguns desses filmes já foram exibidos no ano passado, como GRAVIDADE, CAPITÃO PHILLIPS, RUSH – NO LIMITE DA EMOÇÃO, BLUE JASMINE, FRANCES HA e ANTES DA MEIA-NOITE. Mas a maioria permanece inédita em nossos cinemas. Num dos últimos fins de semana do ano entrou em cartaz ÁLBUM DE FAMÍLIA (2013), de John Wells, que deve se destacar nas principais premiações pelo seu elenco. Difícil ver um filme com um elenco de tal gabarito.

ÁLBUM DE FAMÍLIA pode até ser classificado como "filme de ator", um termo um tanto pejorativo, mas isso se deve em parte por ser baseado em uma premiada peça de teatro. A peça de Tracy Wetts, mesmo autor do excelente KILLER JOE – MATADOR DE ALUGUEL (2011), de William Friedkin, ganhou os prêmios Pulitzer e Tony e trata de uma família disfuncional que se reencontra após o desaparecimento do patriarca, vivido por Sam Shepard.

Diferente de KILLER JOE, que consegue esconder suas origens teatrais, ÁLBUM DE FAMÍLIA não tem essa preocupação. Por isso é bom vê-lo preparado para uma adaptação de uma peça para o cinema. O que não chega a ser um grande problema, tendo em vista o sucesso de adaptações de Tenessee Williams e Arthur Miller, para citar dois dramaturgos americanos famosos.

Logo, é um tipo de filme que tem um público garantido, mas existem sempre os desavisados. É muito falatório, briga, lavagem de roupa suja, mas o texto é ótimo e há espaço para os atores e atrizes brilharem. Principalmente as atrizes. Ainda que Chris Cooper tenha os seus momentos de brilho, o filme é das mulheres.

Principalmente o quarteto formado por Meryl Streep (a mãe, com câncer) e Julia Roberts, Julianne Nicholson e Juliette Lewis (as filhas). O filme as apresenta como mulheres de personalidade forte. Mesmo a personagem de Nicholson, a mais frágil das três, se engrandece, principalmente pela ótima performance da atriz. Juliette Lewis não chega a ser tão boa quanto as outras, mas o papel lhe cai bem. Quanto a Julia Roberts, impressionante como continua bonita passados tantos anos de UMA LINDA MULHER. Agora até ganhou indicação ao Globo de Ouro pelo papel.

No mais, o filme ainda conta com Ewan McGregor, Margo Martindale, Dermot Mulroney, Abigail Breslin e Benedict Cumberbatch. Belo elenco de apoio com momentos também importantes para a história e para a construção dos personagens. Além do mais, há o cenário árido de uma cidadezinha da região de Oklahoma, com sua beleza e seu sentimento de abandono, já que poucos querem permanecer no lugar.

ÁLBUM DE FAMÍLIA foi indicado ao Globo de Ouro nas categorias de atriz – comédia (Meryl Streep) e atriz coadjuvante – comédia (Julia Roberts). Apesar da classificação "comédia", o filme está mais para o drama mesmo.

TOP 20 2013 E O BALANÇO DO ANO

1. CAMILLE CLAUDEL, 1915, de Bruno Dumont
 2. AS VANTAGENS DE SER INVISÍVEL, de Stephen Chbosky
 3. O CONSELHEIRO DO CRIME, de Ridley Scott
 4. ANTES DA MEIA-NOITE, de Richard Linklater

5. DJANGO LIVRE, de Quentin Tarantino
6. GRAVIDADE, de Alfonso Cuarón
 7. TABU, de Miguel Gomes
 8. UM ESTRANHO NO LAGO, de Alain Guiraudie

9. INVOCAÇÃO DO MAL, de James Wan
10. JOGOS VORAZES – EM CHAMAS, de Francis Lawrence
11. FRANCES HA, de Noah Baumbach
12. HOLY MOTORS, de Leos Carax

13. KILLER JOE – MATADOR DE ALUGUEL, de William Friedkin
14. AMOR, de Michael Haneke
15. FILHA DE NINGUÉM, de Sang-soo Hong
16. AZUL É A COR MAIS QUENTE, de Abdellatif Kechiche

17. BARBARA, de Christian Petzold
18. AS SESSÕES, de Ben Lewin
19. UMA PRIMAVERA COM MINHA MÃE, de Stéphane Brizé
20. DEPOIS DE MAIO, de Olivier Assayas

Menções honrosas (ou filmes que quase entraram no top 20): A CAÇA, de Thomas Vinterberg; BLUE JASMINE, de Woody Allen; OS SUSPEITOS, de Dennis Villeneuve; ANNA KARENINA, de Joe Wright; O LUGAR ONDE TUDO TERMINA, de Derek Cianfrance; EMAK BAKIA, de Oskar Alegria; O VOO, de Robert Zemeckis; O ÚLTIMO DESAFIO, de Jee-woon Kim; KICK-ASS 2, de Jeff Wadlow; OLHO NU, de Joel Pizzini.

Então chega ao fim mais um ano. Um ano difícil, especialmente no segundo semestre. Houve pelo menos dois grandes momentos no campo pessoal: minha defesa no mestrado em julho e minha participação no júri da crítica no Cine Ceará em setembro. Não posso deixar de falar da excelente aquisição das novas salas do Dragão do Mar, que trouxeram vitalidade para o nosso circuito alternativo, que sofria de ausência de produções importantes que não chegavam às nossas telas. Além do mais, a qualidade das salas é de dar gosto.

No território dos filmes, a exemplo do que eu disse no ano passado em comparação com o anterior, posso dizer que 2013 foi melhor que 2012. No entanto, uma coisa que se nota logo de cara nesta lista é a ausência de filmes brasileiros. Se na lista do ano passado havia uma abundância de belos filmes nacionais, neste ano, por mais que as bilheterias tenham batido recordes, o resultado em qualidade não foi dos mais animadores, ainda que tenham aparecido filmes bem interessantes no circuito alternativo. Infelizmente nenhum deles me tocou a ponto de eu colocá-los entre os favoritos. Há o caso de O SOM AO REDOR, mas este eu já havia colocado na lista do ano passado, quando o vi em Gramado. Certamente, se só o visse este ano, o filme de Kleber Mendonça Filho figuraria nas primeiras colocações.

Assim, esta é a regra, para o caso de alguém reclamar do que posso ou não posso fazer: valem filmes que foram exibidos nos cinemas de Fortaleza, não importando se foram em apenas uma sessão, se foram em festivais ou se foram lançados comercialmente em São Paulo no ano passado.
Entre os filmes que chegaram aqui com atraso, não pude deixar de colocar dois trabalhos muito queridos, que me empolgaram e me emocionaram: AS VANTAGENS DE SER INVISÍVEL, de Stephen Chbosky; e HOLY MOTORS, de Leos Carax. São dois filmes bem distintos: o primeiro, mais acessível e de uma sensibilidade impressionante; o segundo, mais hermético, mas nem por isso menos fascinante.

2013 também foi o ano do retorno de Jesse e Celine, depois de um hiato de mais nove anos. ANTES DA MEIA-NOITE, de Richard Linklater, era desde o início o filme mais aguardado do ano por mim. Continua sendo um prazer imenso poder acompanhar recortes da vida deste casal que surgiu pela primeira vez em 1995 e até então tem ganhando mais e mais fãs. E cada vez dialogando mais com o cinema europeu.

Outro momento inspirador de 2013 foi poder ver DJANGO LIVRE, de Quentin Tarantino, no cinema. Foi o tão sonhado projeto de western do diretor finalmente materializado. Apesar de estar longe de sua tradicional montadora, Tarantino tem um poder na construção de personagens e de cenas que nos deixa hipnotizados e encantados. Já nem importam tanto as referências, por mais que existam tantas, e sim a criação de um universo próprio. DJANGO LIVRE e o tocante AS SESSÕES, de Ben Lewin, foram os únicos filmes do Oscar-2012 que acabaram entrando no top 20, o que mostra mais uma vez que a grande maioria dos filmes escolhidos pela Academia se mostra fogo de palha depois de passados alguns meses.

Há também o caso excepcional de AMOR, de Michael Haneke, que estava também entre os indicados à categoria principal, mas que era um estranho no ninho entre os favoritos hollywoodianos. De todo modo foi boa a indicação, pois fez com que o filme de Haneke ganhasse visibilidade. A temática da eutanásia não agradou a muitos, por causa de convicções religiosas, mas independentemente do credo, é muito bom ver um diretor tendo o direito de expressar o seu pensamento.

Curiosamente, outra produção francesa tratou do mesmo tema, com mais sensibilidade e menos secura: UMA PRIMAVERA COM MINHA MÃE, de Stéphane Brizé, que infelizmente passou batido no circuito, tendo sido muito pouco comentado mesmo entre os críticos e cinéfilos. Faço a minha parte e o coloco um pouco em evidência, esperando que alguém se interesse em vê-lo.

Aliás, o cinema francês está com tudo, cada vez mais eclipsando o cinema americano em premiações internacionais e listas de melhores filmes do ano. Basta ver o caso de dois filmes que exploraram a temática da homossexualidade, mas que conquistaram o posto de grandes obras por suas qualidades fílmicas. Trata-se de UM ESTRANHO NO LAGO, de Alain Guiraudie, e AZUL É A COR MAIS QUENTE, de Abdellatif Kechiche. Dois belos e ousados trabalhos, que figuraram na lista da conceituada revista Cahiers du Cinéma. Fugindo um pouco dessa polêmica envolvendo a homossexualidade, tivemos mais um filme de Olivier Assayas, DEPOIS DE MAIO, desta vez, voltando novamente aos tempos de sua juventude, dividida entre a arte e a militância política.

Lembrando que o favorito da casa acabou sendo também uma produção francesa: CAMILLE CLAUDEL, 1915, do mais bressoniano dos cineastas atuais, Bruno Dumont. No filme, Juliette Binoche interpreta a artista plástica que ficou presa em um hospital psiquiátrico por anos, a mando da família. O cineasta explora não só o calvário da personagem, mas também aproveita para exercitar o seu gosto por assuntos de natureza religiosa e metafísica, seja em palavras, seja através das próprias imagens.

Quanto ao cinemão americano, é possível pensar que ele está passando por uma crise criativa, tendo em vista a grande quantidade de franquias bobas e milionárias. Foi um ano muito fraco em termos de blockbusters. Pelo menos um salvou a pátria, tendo figurado entre os meus vinte preferidos. Trata-se de JOGOS VORAZES – EM CHAMAS, de Francis Lawrence, a segunda parte de uma franquia que tem me surpreendido positivamente até o momento.

Porém, ainda assim, grandes cineastas, como Ridley Scott, conseguem juntar um grande time de astros e convidar um romancista como Cormac McCarthy para fazer uma obra intensa como O CONSELHEIRO DO CRIME, filme que dividiu opiniões, assim como o anterior de Scott, PROMETHEUS. A mim, no entanto, o cineasta está passando por um de seus melhores momentos.

É dos Estados Unidos também um dos filmes mais celebrados do ano: GRAVIDADE, do mexicano Alfonso Cuarón. O filme oferece uma experiência única a quem se permitir vê-lo como uma ficção, como um thriller, ou até mesmo como um drama sobre superação, e menos como uma obra que respeita as leis da física.

Outro filme muito celebrado pela crítica e um sucesso explosivo do circuito alternativo é FRANCES HA, de Noah Baumbach, com sua homenagem à Nouvelle Vague, sua adorável heroína e um tema tão puro: a amizade. KILLER JOE – MATADOR DE ALUGUEL, do veterano William Friedkin, também foi louvado e mostrou que o diretor de O EXORCISTA continua adorando mexer com as emoções da audiência. De uma forma ou de outra.

Falando em O EXORCISTA, do gênero horror, o único representante do ano é INVOCAÇÃO DO MAL, de James Wan, cineasta que tem se especializado em filmes sobre casas assombradas por espíritos malignos ou demônios. Neste filme, ele nos leva para a década de 1970, em um passeio assustador pelo caso de um casal de "caça-fantasmas", às voltas com uma terrível possessão demoníaca.

Para terminar, falemos de três trabalhos vindos de três diferentes países: de Portugal, TABU, de Miguel Gomes, um filme que homenageia a obra-prima homônima de F.W. Murnau, mas mantendo o melancólico espírito português; da Coreia do Sul, FILHA DE NINGUÉM, de Sang-soo Hong, um dos cineastas cujo termo autoral mais se aplica e que tem optado pela repetição como forma de aperfeiçoamento; e da Alemanha, BARBARA, de Christian Petzold, com mais uma história sobre a difícil vida na Alemanha Oriental, narrado com inquietação e angústia.

Top 5 Piores do Ano 

Os piores do ano têm filmes para todos os desgostos. Filmes brasileiros e estrangeiros que têm como maior problema o fato de existirem.

1. SOLIDÕES
2. O CARTEIRO
3. INATIVIDADE PARANORMAL
4. O CAVALEIRO SOLITÁRIO
5. ATÉ QUE A SORTE NOS SEPARE 2

As séries

Parece que a cada ano o número de séries que acompanho só aumenta. Também pudera: junte-se a minha fidelidade a séries que nem merecem tanto assim com minha curiosidade com as novas, aí dá no que dá. Das séries que acompanho (ou acompanhei) com fidelidade ao longo desses anos está DEXTER, que encerrou em sua oitava temporada com resultados não muito satisfatórios; TRUE BLOOD, que acaba sendo aquela série de horror lixão, mas que serve como bom entretenimento; AMERICAN HORROR STORY, que se vende como uma minissérie, dada suas mudanças de enredo, tempo e lugar a cada nova temporada (estou gostando menos da atual COVEN em comparação com a anterior ASYLUM); BIG BANG THEORY, que infelizmente está perdendo a graça, mas que continua com audiência alta; GAME OF THRONES, que depois de uma segunda temporada fria voltou a impressionar novamente na terceira e sangrenta, que fechou com o dramático "Casamento Vermelho"; HOMELAND, que teve curva descendente a cada temporada, mas cujo final da terceira acabou sendo bem especial; THE KILLING, a série que a AMC ameaçou enterrar já duas vezes e que teve uma terceira temporada magnífica; THE WALKING DEAD, que mantém seus altos e baixos durante a terceira e quarta temporadas; e a adorável GIRLS, que fechou uma segunda temporada bem saborosa.

Das séries novas, apenas duas eu acompanhei e aprovei com louvor: BATES MOTEL, sobre a adolescência de Norman Bates (PSICOSE), e ORPHAN BLACK, sobre uma jovem mulher que descobre que possui vários clones de si mesma. Com um pouco de atraso, conheci duas séries excepcionais: a francesa LES REVENANTS, sobre pessoas que voltam da morte; e a britânica BLACK MIRROR, que é na verdade uma pequena antologia de histórias fantásticas. Nos dois sentidos do adjetivo. RED WIDOW foi o caso de série que morreu na praia, mas foi preferível assim. Não se sustentava mesmo, a não ser pela presença de Radha Mitchell.

Finalmente, o ano foi marcado pela finalização da minha parte de duas das mais importantes séries de todos os tempos: FAMÍLIA SOPRANO, que durou seis temporadas, e cujo protagonista, James Gandolfini, infelizmente faleceu neste fatídico 2013; e SEINFELD, a maior sitcom de todos os tempos, que durou nove temporadas. Também foi neste ano que me despedi de HOUSE, que durou oito temporadas. Ainda que irregulares, Hugh Laurie e seu personagem cínico e atormentado deixaram saudades.

De minisséries, apenas uma vista: HATFIELDS & McCOYS, de Kevin Reynolds e com o amigo Kevin Costner como protagonista. Já que o cinema dá pouco espaço para o western, é muito bom ver um drama familiar tão bem escrito e emocionante como este se passando no velho oeste.

Top 5 Musas do Ano

1. Adèle Exarchopoulos (AZUL É A COR MAIS QUENTE)

2. Scarlett Johansson (COMO NÃO PERDER ESSA MULHER)

3. Jennifer Lawrence (JOGOS VORAZES – EM CHAMAS e O LADO BOM DA VIDA)

4. Jeong Eun-Chae (FILHA DE NINGUÉM)

5. Greta Gerwig (FRANCES HA)

Faltaram brasileiras nesta lista, mas como isso não é nenhum concurso, não tem importância. O que vale é destacar essa coisa efêmera, mas ao mesmo tempo apaixonante, que é a beleza feminina. A até então desconhecida para mim Adèle Exarchopoulos leva o primeiro lugar com todos os méritos. Não apenas por sua beleza, mas pela sensibilidade com que criou a personagem que levou seu nome em AZUL É A COR MAIS QUENTE. Enquanto isso, Jennifer Lawrence confirma presença pelo terceiro ano consecutivo neste espaço criado em 2007.

Melhores filmes vistos na telinha

A IMAGEM, de Radley Metzger
AS 4 AVENTURAS DE REINETTE E MIRABELLE, de Eric Rohmer
BOB & CAROL & TED & ALICE, de Paul Mazursky
CONFLITOS DE AMOR, de Max Ophüls
ENIGMA PARA DEMÔNIOS, de Carlos Hugo Christensen
ESPELHO D’ALMA, de Robert Siodmak
FAZIL, de Howard Hawks
FORA DAS GRADES, de Nicholas Ray
MEU AMIGO TOTORO, de Hayao Miyzaki
MISTÉRIOS DE LISBOA, de Raoul Ruiz
SEARCHING FOR SUGAR MAN, de Malik Bendjelloul
SPIDER BABY, OR THE MADDEST STORY EVER TOLD, de Jack Hill
SOMBRAS, de John Cassavetes
PACTO DE SANGUE, de Billy Wilder
PAI E FILHA, de Yasujiro Ozu
PILOTO DE PROVAS, de Victor Fleming
POR AMOR OU POR VINGANÇA, de Damiano Damiani
TABU, de F.W. Murnau
TAMBÉM FOMOS FELIZES, de Yasujiro Ozu
UM ALGUÉM APAIXONADO, de Abbas Kiarostami

Revisões

A DOCE VIDA, de Federico Fellini
A MONTANHA SAGRADA, de Alejandro Jodorowksy
CARNE TRÊMULA, de Pedro Almodóvar
CORPOS ARDENTES, de Lawrence Kasdan
GLÓRIA FEITA DE SANGUE, de Stanley Kubrick
HENRY & JUNE – DELÍRIOS ERÓTICOS, de Philip Kaufman
HISTÓRIA REAL, de David Lynch
LUZES DA CIDADE, de Charles Chaplin
MARCAS DA VIOLÊNCIA, de David Cronenberg
SE..., de Lindsay Anderson
UM LOBISOMEM AMERICANO EM LONDRES, de John Landis

Feliz ano novo!

Se 2013 foi um ano complicado para muita gente, a expectativa é de que 2014 seja muito melhor em todas as áreas de nossa vida: no amor, na carreira, nas finanças, na vida social, nos estudos, na vida em família, na capacidade de superar os obstáculos, na força espiritual. Pretendo continuar com este meu espaço, mesmo com o abandono de muitos leitores (não dá pra competir com o Facebook). Mas, como julgo importante para mim, como um complemento da apreciação fílmica e como registro de minhas impressões de filmes e até de shows e de viagens, quando é o caso, o Diário de um Cinéfilo planeja completar 12 anos no próximo ano. Meu muito obrigado àqueles que permaneceram lendo com frequência e àqueles que só dão uma passada por aqui de vez em quando. A todos, um excelente ano novo!

TRÊS FILMES NADA BONS

Uma pena estar acabando o ano com três filmes muito ruins vistos num único fim de semana. Mas, como não quero deixar coisa ruim para 2014, vou logo me livrando de uma vez só destes três filmes que me fizeram ficar arrependido de ter saído de casa. Dois deles, produções brasileiras globais.

CONFISSÕES DE ADOLESCENTE – O FILME 

Tinha esperanças de que fosse um bom filme. Afinal, por mais que digam o contrário, Daniel Filho é um bom diretor. Acontece que desde a série AS CARIOCAS (ou antes disso), o diretor e produtor tem deixado nas mãos de sua assistente de direção Cris D’Amato a atividade de diretora. Em CONFISSÕES DE ADOLESCENTE – O FILME (2014), previsto para estrear no circuito no próximo dia 10, mas já passando diariamente em sessões de pré-estreia, ele divide a direção com D'Amato e o resultado é um filme confuso, com excesso de personagens, idas e vindas no tempo e uma edição bem ruim. Algo que não deveria acontecer para um filme de enredo tão simples, lidando com assuntos que todo mundo passa em algum momento na vida: primeiro beijo, primeira relação sexual, dificuldades de encontrar uma ocupação agradável, a cobrança da sociedade com relação a se ter alguém etc. O filme traz de volta as personagens da série de televisão dos anos 90, reformuladas para a geração Facebook. Há participações especiais das quatro atrizes que interpretaram as quatro irmãs na série clássica. Dentre as jovens atrizes, destaque para Sophia Abrahão.

ENDER'S GAME – O JOGO DO EXTERMINADOR (Ender's Game) 

Desde que vi o trailer de ENDER'S GAME – O JOGO DO EXTERMINADOR (2013), de Gavin Hood, que me deu aquela vontade zero de assistir o filme. Mas, depois de ter lido alguns textos relativamente animadores, fui lá conferir. Mas pra quê? Só pra ficar muito entediado com um filme que aborda basicamente o treinamento de um garoto que se destaca como a pessoa perfeita para enfrentar os alienígenas que décadas atrás destruíram parte do Planeta Terra. O garoto, interpretado por Asa Butterfield (o menino dos grandes olhos azuis de A INVENÇÃO DE HUGO CABRET), tem um dom nato de lidar com estratégias. No elenco de apoio, Harrison Ford, Viola Davis e Ben Kingsley comparecem para pagar o leite das crianças. A produção é bem cuidada, mas o filme é um equívoco.

ATÉ QUE A SORTE NOS SEPARE 2 

Este aqui eu já sabia que seria uma bela porcaria. Mas me sujeitei a vê-lo só para ver o grande Jerry Lewis pagando o mico de contracenar com Leandro Hassum. ATÉ QUE A SORTE NOS SEPARE 2 (2013) é basicamente o repeteco do primeiro filme. Agora que o protagonista está pobre de novo, aparece uma nova chance, através da herança de um velho tio. Com 50 milhões de reais na mão e as cinzas do velho para serem jogadas no Grand Canyon, ele sai com a esposa para Las Vegas e acaba perdendo tudo em jogo. Se o primeiro filme ainda tinha algo com o que rir, é impressionante como não há a menor graça neste segundo. O grande público, que costuma gostar dessas comédias, parece não ter esboçado reações muito animadas, a julgar pela sessão em que estive.

HISTÓRIA REAL (The Straight Story)

Recentemente, notei que este ano eu não vi ou revi nenhum filme de David Lynch. A falta de novos filmes do diretor tem sido cruel. Por outro lado, há sempre a possibilidade de rever seus filmes. E o que eu escolhi para ver neste momento um tanto melancólico, que é o final de ano, foi HISTÓRIA REAL (1999), que na época que passou nos cinemas eu vi com muito sono e não aproveitei nada. Agora, na revisão, vi o quanto é lindo, uma obra-prima. Um tanto atípico na filmografia do diretor, mas ao mesmo tempo cheia de elementos lynchianos.

Aliás, só o fato de o filme contar a história (real) de um sujeito que resolve efetuar uma longa jornada em cima de um cortador de grama para fazer as pazes com o irmão, com quem não fala há dez anos, é por si só bizarra. Bizarra, mas também tocante. Ao contrário dos filmes típicos de Lynch, não há aqui uma América com um estranho segredo a ser descoberto. O que há a ser descoberto é o homem Alvin Straight (Richard Farnsworth), que precisa de duas muletas para se sustentar em pé e tem uma visão ruim, mas que mesmo assim é teimoso o suficiente para empreender a jornada.

E é uma jornada de descoberta para os espectadores. Aos poucos, aquele homem simples vai ganhando ares de herói. Ficamos sabendo que ele lutou na Segunda Grande Guerra, que tem algo a lamentar naquele período e que conhece quem lutou aquela guerra só de olhar nos olhos. Isso a gente fica sabendo mais perto do final, numa conversa entre ele e um contemporâneo. Aliás, o filme é cheio de conversas memoráveis, como a da moça grávida à procura de carona, a do padre, a do senhor que lhe oferece abrigo etc. Cada uma dessas conversas vão revelando aos poucos a história de Alvin e até mesmo detalhes da vida dolorosa de sua filha, vivida por Sissy Spacek, uma personagem bem lynchiana: tem dificuldades de fala.

Inclusive, esse amor que Lynch tem pelos velhinhos pode ser vista em outras obras dele. Como esquecer o velhinho que precisa ajudar o Agente Cooper a ir ao hospital em determinado episódio de TWIN PEAKS (1990-1991) ou aquele velhinho do banco do último capítulo? Mas é em HISTÓRIA REAL que ele pôde exercitar tão bem essa ode à velhice, cuja pior parte, segundo Alvin Straight, é lembrar-se da juventude.

No mais, HISTÓRIA REAL é um filme em que Lynch demonstra bastante o seu gosto por pinturas, emulando muitas vezes o trabalho expressionista de Edward Hopper. Há também momentos em que se pode ver uma utilização de câmera que lembra os filmes de horror de Lynch. E isso já acontece no início do filme, quando vemos um baque e a câmera se aproximando lentamente da casa de Alvin, como quando se aproximou do beco escuro para revelar a criatura assustadora de CIDADE DOS SONHOS (2001). Trata-se também de uma homenagem aos Estados Unidos rural, com imagens lindas dos campos e das máquinas que promovem o desenvolvimento agrícola.

Porém, mesmo sendo tudo isso, HISTÓRIA REAL é, acima de tudo, uma história de amor: um amor um pouco contaminado por desavenças do passado, mas uma vez que escutamos a voz de Lyle, quando Alvin chega finalmente a sua casa, vemos que a reconciliação está ali. E não resta muito para aquela dupla de irmãos a não ser olhar as estrelas, as mesmas estrelas que Alvin olhou enquanto acampava à noite, durante sua trajetória. Estrelas que brilham ao som da bela música de Angelo Badalamenti.

A VIDA SECRETA DE WALTER MITTY (The Secret Life of Walter Mitty)

No campo da comédia, desde fins dos anos 1990 até os dias de hoje, Ben Stiller figura entre os grandes nomes. Jim Carrey, que seria o seu principal desafiador nesse território, acabou se apagando, enquanto Stiller permanece firme e forte, sem parecer fazer muito esforço para fazer rir. O que muita gente não associa é a figura do Stiller cineasta. Sua estreia na direção, com o drama juvenil CAINDO NA REAL (1994), foi com o pé direito. E quem viu o filme na época deve ter criado um vínculo afetivo.

Mas aí, mesmo na direção, Stiller depois foi dando preferência por comédias, ainda que comédias um tanto estranhas, como O PENTELHO (1996), ZOOLANDER (2001) e TROVÃO TROPICAL (2008). Agora ele chega em seu projeto mais ambicioso, A VIDA SECRETA DE WALTER MITTY (2013), uma mistura de comédia, com história de amor, com fantasia, aventura e lição de vida. Aliás, essa história de ter uma lição de vida pode fazer muita gente torcer o nariz, mas Stiller elabora o seu filme basicamente com imagens e muito pouco com diálogos. E isso acaba fazendo a diferença.

O Walter Mitty do título, interpretado pelo próprio Stiller, trabalha no arquivo de fotos da revista Life, que está passando por uma terrível transição: o fim da revista de papel para restar apenas a versão online. Uma transição que realmente a revista passou, em 2009. Esse tipo de transição significa a demissão em massa de quase todo os funcionários. Entre os funcionários, há a bela Cheryl (Kristen Wiig), amor platônico de Mitty, tão sonhador que muitas vezes sai de órbita, entrando num mundo só dele, cheio de aventuras em que ele é a figura heróica e merecedora de crédito, ao contrário de quem ele é, um apagado e tímido funcionário.

O filme aproveita esses momentos de fantasia de Mitty para mostrar efeitos especiais que chegam a impressionar. Não impressionariam num filme do Homem-Aranha ou de qualquer outro super-herói, mas aqui impressiona, tanto pela qualidade quanto pelo fato de ser algo que está adentrando um território realista. Há pelo menos um grande momento no filme, que é a cena arrepiante em que Mitty decide subir no helicóptero para a maior de suas aventuras, ao som de "Space Oddity", de David Bowie, inicialmente cantada pela personagem de Wiig, representando a musa inspiradora que é capaz de tirar Mitty da zona de conforto para pular, literalmente, num mar com tubarões.

E daí vem a beleza arrebatadora do filme. Por mais que no final Mitty queira provar algo para si mesmo, há também a intenção de ficar com a mulher dos seus sonhos, que desde o início do filme é de importância vital, com a subtrama envolvendo um site de relacionamentos. E assim, com um visual caprichado que aproveita o formato de tela larga (scope), um herói tipicamente stilleriano, uma história de amor simples mas eficaz, Stiller fez esse que é um dos filmes mais belos do ano.

QUANDO UM ESTRANHO CHAMA / MENSAGEIRO DA MORTE (When a Stranger Calls)

Sou um dos poucos fãs do remake dirigido por Simon West, QUANDO UM ESTRANHO CHAMA (2006), estrelado por Camilla Belle, mais bela do que nunca. Só depois que me envolvi com a tensão desse filme que fui saber que se tratava de um remake. QUANDO UM ESTRANHO CHAMA (1979), título para o cinema, e MENSAGEIRO DA MORTE, para vídeo, de Fred Walton, tem apenas a primeira parte em comum com o remake.

O nosso Walter Hugo Khouri fez algo também bem parecido e muito mais sofisticado, O ANJO DA NOITE, lançado cinco anos antes dessa produção americana. No caso de QUANDO UM ESTRANHO CHAMA, o filme se divide em pelo menos dois momentos: o terrorismo do assassino perante a baby sitter (Carol Kane) e a busca do detetive particular (Charles Durning) pelo assassino (Tony Beckley), que também é devidamente apresentado e um personagem interessantíssimo.

Ajudou muito a performance de Beckley, que faz um assassino que também tem um ar de pobre diabo, especialmente quando é mostrado nas ruas ou escapando da morte. Soube agora, pesquisando sobre o filme no IMDB, que o ator estava muito doente na época e, pouco tempo depois de filmar a última cena, faleceu. Daí seu aspecto tão incrivelmente abatido durante o filme.

Interessante que, assim como acontece com PSICOSE, a primeira parte do filme é sempre a mais lembrada, apesar dos momentos memoráveis que acontecem posteriormente. No caso de QUANDO UM ESTRANHO CHAMA, a figura do assassino no telefone e uma mocinha apavorada na linha foi muito bem aproveitada, por exemplo, na série PÂNICO, de Wes Craven, que tem como uma de suas marcas registradas esse tipo de conversa.

Outra curiosidade da internet: os 20 minutos iniciais foram filmados antes como um curta-metragem intitulado "The Sitter", mas, devido ao sucesso de HALLOWEEN – A NOITE DO TERROR, de John Carpenter, o diretor resolveu expandir e transformar em um longa. Fez bem. Um curta raramente tem a vida longa de um longa. A não ser que seja incrivelmente excepcional.

O QUE TRAZ BOAS NOVAS (Monsieur Lazhar)

Um título como esse, neste dia de Natal, parece propício e até daria para confundir com algum filme sobre Jesus ou sobre o evangelismo. Mas foi o título nacional escolhido para a bela produção canadense que concorreu ao Oscar de filme em língua estrangeira em 2012. O QUE TRAZ BOAS NOVAS (2011) se enquadra na subcategoria de "filme de professor", aquele tipo de filme que costuma emocionar muitos espectadores, ao apresentar um professor em uma missão geralmente complicada, mas sempre com uma atitude amorosa para com os alunos.

No filme de Philippe Falardeau, o que traz a vinda de Bachir Lazhar (Mohamed Fellag), imigrante argelino, a uma escola para crianças na região do Quebec, é a morte terrível de uma professora. Bachir resolve, então, se apresentar à escola a fim de preencher aquela vaga. A diretora, ainda que hesitante, aceita. E os alunos precisam de um tempo para se recuperar daquele trauma. Dois alunos, em especial, um menino e uma menina, são responsáveis por alguns dos momentos mais emocionantes do filme.

São eles que introduzem O QUE TRAZ BOAS NOVAS no prólogo um tanto sombrio e que abriria espaço para aquele professor simpático e diferente que evita falar da própria vida. Ele mesmo passa por uma situação dolorosa, tendo perdido a família e com medo de voltar para o país natal, sob risco de ser morto.

Bachir Lazar não transforma a vida dos alunos tão fortemente quanto John Keatings, de SOCIEDADE DOS POETAS MORTOS. Aqui o foco é outro. Mas, certamente, no período de tempo que passa com aquelas crianças, ele as conquista, ganha a simpatia delas, mesmo utilizando métodos pedagógicos um tanto antiquados segundo suas colegas professoras.

Outro elemento que se faz presente no filme é também a solidão de Bachir. Que não deixa de ser recorrente em alguns filmes de professor. Essa solidão se torna aparente nos momentos em que ele se senta no banco de uma praça, ou mesmo na hora do recreio, quando, um pouco deslocado, percebe as crianças, algumas agindo mais agressivamente, caso do menino que primeiro viu a professora morta, outros ficam mais sozinhos, caso da menina favorita da classe, de discurso e inteligência prematuros.

O QUE TRAZ BOAS NOVAS é desses filmes que encantam e emocionam do início ao fim, mas é no crescendo de sua narrativa que ele nos prepara para seu final tão belo, ainda que melancólico. Trata-se de um filme que mereceria mais atenção e que infelizmente teve pouca repercussão. Merece ser descoberto e apreciado. O espectador só tem a ganhar.

TRÊS FILMES BACANAS

Enquanto a ceia de Natal não fica pronta e eu sirvo mais para atrapalhar do que para ajudar na cozinha, vamos tirar um pouco do atraso aqui no blog falando de três filmes vistos há alguns meses. Para ser mais exato, no mês de setembro, quando o Cinema do Dragão fez uma excelente mostra de filmes inéditos em nosso circuito. Alguns dos filmes, inclusive, nem chegaram a retornar a nossas salas, caso de FOXFIRE – CONFISSÕES DE UMA GANGUE DE GAROTAS (2012). A trinca de filmes representa cinema de qualidade embora já adiante que nenhum deles vai estar no meu top 20 de 2013, que devo divulgar só no finalzinho do ano mesmo. Vamos aos filmes.

LAS ACACIAS 

Primeiro longa-metragem de Pablo Giorgelli, LAS ACACIAS (2011) é um filme muito simples e terno sobre o relacionamento entre um caminhoneiro argentino que leva carga do Paraguai para Buenos Aires e uma mulher paraguaia, que leva o filho ainda bebê a tiracolo e precisa de ajuda para atravessar a fronteira. Trata-se de um road movie sensível e sem pressa que, aos poucos, muitas vezes com silêncios entre os personagens, vai criando uma espécie de tensão entre os dois. Nota-se que nesse espaço de tempo em que estão juntos, a carência afetiva e o fato de ambos estarem sozinhos acabam fazendo com que surja um sentimento. Mas tudo muito discreto, sem arroubos melodramáticos ou algo do tipo. Para o bem e para o mal, já que no meu caso eu adoro um bom melodrama. Mas não podemos cobrar do filme algo que ele não pretende ser.

FOXFIRE – CONFISSÕES DE UMA GANGUE DE GAROTAS (Foxfire) 

Dirigido por Laurent Cantet, mais conhecido pelo drama escolar ENTRE OS MUROS DA ESCOLA (2008), este libelo feminista já havia sido contado antes em REBELDES (1996), de Annette Haywood-Carter, estrelado por Angelina Jolie, nos tempos em que ela ainda não era muito famosa e tinha um belo par de seios para mostrar. Acho que só cheguei a ver trechos desse filme com Jolie, mas creio que esta versão de Cantet carregue mais nas intenções feministas e na raiva das personagens, todas revoltadas com o modo como a sociedade trata as mulheres, especialmente aquelas que não se enquadram em padrões de beleza exigidos. O filme é muito agradável de ver e retrata uma rebeldia que era representativa da época (anos 1950). Além do mais, FOXFIRE – CONFISSÕES DE UMA GANGUE DE GAROTAS (2012) também lida com um difícil projeto socialista das garotas, ao mostrar as dificuldades e ousadias que elas têm para dividir e conseguir dinheiro para bancar um grupo que cada vez mais cresce.

TESE SOBRE UM HOMICÍDIO (Tesis sobre un Homicidio) 

Ricardo Darín é aquele tipo de ator que só em ter o seu rosto ou nome estampado em um cartaz já vende o filme. Sorte dos argentinos. Em TESE SOBRE UM HOMICÍDIO (2013), de Hernán Goldfrid, ele interpreta um professor de Direito que suspeita que um crime que acontece no estacionamento da escola foi obra de um de seus alunos, que comete o assassinato para chamar a sua atenção e atraí-lo para uma investigação que o levará à obsessão. O filme pode até ser um pouco convencional em sua estrutura narrativa, mas não fica devendo à grande maioria dos thrillers policiais produzidos nos Estados Unidos. É envolvente, tem uma trama consistente e é bem interpretado. Não há muito do que reclamar.

LOVELACE

Os bastidores da indústria pornográfica sempre são motivo para nos GARGANTA PROFUNDA (1972) e mais especificamente de sua estrela, Linda Lovelace, então, aí então nem se fala. Os bastidores do filme pornô mais famoso do mundo já foram muito bem dissecados em INSIDE DEEP THROAT, de Fenton Bailey e Randy Barbato, e o filme original, o documentário e este drama biográfico formariam uma trinca perfeita se a ficção em torno da história de Linda não fosse tão frágil.

deixar bem curiosos. E, no caso de LOVELACE (2013), que trata da história por trás de

Dirigido pela dupla Rob Epstein e Jeffrey Friedman, mais especializados em documentários, LOVELACE tem uma estrutura narrativa que acaba sendo o seu trunfo. Contar a mesma história de uma perspectiva diferente em determinado momento acaba compensando um pouco o tom moralista que o filme adquire quando chega perto do fim. Ao tomar o partido de Linda Lovelace, que sofreu nas mãos de seu ex-marido Chuck (Peter Sarsgaard), homem que a obrigou a se prostituir e a espancou, o filme também passa a ver a indústria pornográfica como algo completamente maligno.

Um espectador mais conservador, por exemplo – se é que vai querer ver o filme, por causa de sua temática – vai se sentir bem mais tentado a continuar achando a pornografia um lixo puro. Não estou querendo defendê-la nem à indústria, mas é preciso ter outras visões também. Principalmente positivas sobre o meio. Mesmo um filme de primeira como BOOGIE NIGHTS - PRAZER SEM LIMITES, de Paul Thomas Anderson, também apresenta uma história sombria envolvendo esse universo.

De todo modo, é interessante ver o filme depois de ter visto pelo menos GARGANTA PROFUNDA, para fazer uma conexão com as cenas das filmagens. A informação de que Harry Reems (vivido por Adam Brody) teve uma ejaculação precoce na boca de Linda durante o primeiro take da cena do consultório por ter ficado extremamente excitado é novidade pra mim.

Outro aspecto que chama a atenção é o modo doce e até infantil que Amanda Seyfried imprime à personagem. Amanda tira qualquer possibilidade de a vermos como alguém minimamente vulgar. No mais, quem também impressiona com uma excelente interpretação é Sharon Stone, no papel da mãe de Linda. Sharon está irreconhecível e mostra que sua nomeação ao Oscar de coadjuvante por CASSINO, de Martin Scorsese, lá por meados dos anos 1990, não foi nenhum exagero.

UM TOQUE DE PECADO (Tian Zhu Ding/A Touch of Sin)

Um dos problemas de filmes contendo várias histórias independentes é que uma delas vai sempre ficar à frente das demais em qualidade. E, no caso de UM TOQUE DE PECADO (2013), de Jia Zhang-ke, isso acontece logo na primeira história, a história de um sujeito, Dahai (Wu Jiang), que ousa enfrentar aquilo que ele julga estar errado na empresa em que trabalha. Para ele, é um absurdo o dono comprar um avião e viver em luxo enquanto a prometida divisão nos lucros não chega para ele nem para os seus colegas. Mas ninguém além dele consegue reclamar. E isso vai ter consequências muito grandes em sua vida e em outras vidas também. Trata-se do segmento mais violento, e que lembra westerns e filmes de gângster, mas não quer dizer que os demais também não o sejam.

Esse primeiro segmento já apresenta uma China que é conhecida de ouvir falar, mas muito pouco de quem está longe: a de uma potência atual que lucra e muito com a mão de obra barata da grande maioria da população. Daí a importância de filmes como esse, por mais que estejam exagerando ou não nos retratos apresentados.

O segundo segmento conta a história de um sujeito que volta para o vilarejo onde mora a esposa e os filhos. Mas não por muito tempo. Ele vê a vida naquele local como sendo tediosa, como afirma em determinada cena. Para ele, viver perigosamente, atirar sem piedade nas pessoas para roubar, por exemplo, é muito mais interessante. É um momento em que o filme perde bastante da graça apresentada pela primeira e empolgante história.

A terceira história apresenta uma protagonista feminina: uma mulher que tem um caso com um homem casado e que sofre o julgamento da comunidade, tendo que arranjar trabalho como recepcionista em uma casa de massagem luxuosa. Nada de muito importante acontece, até o dia em que um cliente pede para que ela mesma faça a massagem. O final parece com filmes exploitation, com muito sangue e violência, o que ajuda o espectador a acordar, mas que pode deixar aqueles fãs de O MUNDO (2004) um tanto decepcionados.

O filme termina com uma história que poderia ter sido mais envolvente no que se refere ao jovem protagonista, um rapaz que trabalha em uma fábrica e que foge de lá depois de um acidente com o colega. No trabalho em um hotel-bordel de luxo apaixona-se por uma das moças que lá trabalham.

UM TOQUE DE PECADO é uma obra que apresenta histórias de perdedores, mas que também tem como objetivo, assim como os trabalhos anteriores de Jia Zhang-ke, apresentar a situação nada animadora da China atual. Em outros tempos, os filmes seriam proibidos no país, mas, até por repercutir mais em festivais e circuitos alternativos ao redor do mundo, eles parecem não incomodar muito os líderes políticos desse gigante econômico que é hoje a China. Além do mais, é sempre bom lembrar que os trabalhos do diretor têm uma sofisticação estética que os tornam mais do que simples filmes de protesto.

QUESTÃO DE TEMPO (About Time)

Já faz uma década que Richard Curtis aqueceu os corações de muitos espectadores com o filme-coral SIMPLESMENTE AMOR (2003). Mas não esqueçamos que ele foi roteirista de outras duas comédias românticas que marcaram época: QUATRO CASAMENTOS E UM FUNERAL (1994) e UM LUGAR CHAMADO NOTTING HILL (1999). Quer dizer, mais ou menos nesta época, Curtis ajudou a recriar um tipo de romance com humor que já havia tido o seu ápice em Hollywood na década de 1930, mas que ganhou sotaque e elegância inglesas ao ser transportada para a Inglaterra da virada do século.

Em QUESTÃO DE TEMPO, o próprio Curtis pôde brincar com os clichês dessas comédias, como na cena em que o protagonista Tim (Domhnall Gleeson) pede Mary (Rachel McAdams) em casamento e ela diz que não gosta daquelas declarações de amor ditas para multidões, tão comum em filmes do gênero e particularmente lembrada em SIMPLESMENTE AMOR. De SIMPLESMENTE AMOR também lembramos da sequência em que um apaixonado jovem se declara para a personagem de Keira Knightley utilizando frases escritas numa cartolina. Sequência parecida é usada para outros fins em QUESTÃO DE TEMPO, numa cena que acontece em um teatro.

Nota-se que o diretor resolveu frear um pouco o sentimentalismo neste novo filme, talvez por também abordar uma temática um tanto cerebral, que é a das viagens no tempo. No filme, essas viagens não são suficientemente verossímeis, mas, uma vez que nos acostumamos e encaramos tudo como uma fábula, torna-se mais fácil aceitar e se divertir, embora comparações com EFEITO BORBOLETA, TE AMAREI PARA SEMPRE e o maravilhoso FEITIÇO DO TEMPO acabem diminuindo um pouco o filme.

Na trama, Tim é um rapaz que tem dificuldades em conseguir namoradas. É um pouco desajeitado e a cena da noite de fim de ano, com todo mundo beijando na boca de alguém e ele sozinho e constrangido com uma garota ao lado, serve de exemplo. Sua vida muda quando o pai o chama para uma conversa bem séria: conta a ele que sua família tem a capacidade de viajar no tempo. Só depois de fazer um teste que ele passa a acreditar. Se o pai aproveita o tempo que ganha com as viagens para ler o maior número de livros possível (adora Charles Dickens), Tim quer usar para arranjar uma namorada.

Se na vida não há ensaio, Tim consegue a chance de ensaiar até atingir o ponto desejado, como na primeira noite de amor com Mary. Rachel McAdams continua tendo aquele sorriso que encantou plateias desde, pelo menos, DIÁRIO DE UMA PAIXÃO, e não é diferente em QUESTÃO DE TEMPO. Porém, sua personagem não é suficientemente aprofundada, parece mais um símbolo. É diferente, por exemplo, de Julia Roberts em UM LUGAR CHAMADO NOTTING HILL, para citar um trabalho de Curtis.

Ainda assim, o filme tem uma beleza contagiante, tratando de temas tão profundos quanto a beleza da vida, a necessidade de vermos cada instante como único e especial, o amor entre pai e filho, o amor romântico como alimento para a alma. São tantos temas profundos que QUESTÃO DE TEMPO parece raso em diversos momentos. Ainda assim, como não se emocionar ao ouvir "Into My Arms", de Nick Cave, em uma das sequências mais importantes? QUESTÃO DE TEMPO pode até não ser o supra-sumo da comédia romântica inglesa, mas é um belo exemplar, que chega em uma época do ano tão cheia de corações carentes de amor.

CARRIE – A ESTRANHA (Carrie)

Já era de esperar. A escalação da bela Chloë Grace Moretz para viver Carrie na nova versão de CARRIE – A ESTRANHA (2013) foi um baita erro de casting. Principalmente porque já tínhamos visto a atriz interpretando a poderosa Hit-Girl no divertido KICK-ASS 2. Só mesmo um milagre – no caso, direção, roteiro e interpretação excelentes – para que o resultado de sua transformação na esquista Carrie White fosse no mínimo satisfatório.

Quer dizer, quando a personagem recebe o já famoso banho de sangue de porco no baile e passa a matar e destruir o que vê pela frente até que combina, embora o resultado também lembre demais os filmes dos X-Men, mais particularmente os poderes de Magneto. Os produtores acharam que podiam tudo, com as novas tecnologias disponíveis, e acabaram tirando muito da graça que está presente na primeira adaptação do romance de Stephen King, dirigido por Brian De Palma em 1976, com seus exageros.

Até mesmo Julianne Moore, que costuma salvar muitos filmes com seu talento, é apenas uma caricatura de fanática religiosa no filme, como se a atriz tivesse assumido que o filme se tratava mesmo de um lixo e que destoaria uma interpretação mais caprichada. Ela interpreta a mãe de Carrie, uma mulher doentia, que vê a concepção da filha como algo pecaminoso.

Enquanto isso, a menina enfrenta bullying na escola, principalmente por parte das outras garotas, e aos poucos vai exercitando seus poderes de telecinese – capacidade de mover com a força do pensamento objetos ou até mesmo pessoas. Uma das cenas mais marcantes no filme de De Palma também comparece nesta versão de Kimberly Peirce: a cena em que Carrie, sem saber o que é menstruação, entra em pânico quando começa a sangrar no banheiro da escola e é alvo de piada por parte das garotas, que passam a jogar absorventes nela. A suposta crueldade deste momento acaba sendo "suavizada" pela má condução de Peirce.

No entanto, entrando na terceira semana em cartaz, o filme tem se saído bem nas bilheterias, e aparentemente tem agradado boa parte do público, que ainda fica bastante empolgado quando Carrie vai à forra. E de fato é um filme que merece a espiada, tanto pela presença das duas atrizes citadas quanto pelo fato de ver mais uma versão de Carrie, que já teve também uma versão homônima para a tevê em 2002, estrelada por Angela Bettis, e uma suposta continuação chamada CARRIE 2 – A MALDIÇÃO DE CARRIE (1999). Como se vê, a história de King continua sendo bastante atraente para o público.

NÃO GOSTEI

O ano está perto de acabar e tem uns filmes que vi há um tempão que, ou por falta de tempo ou por falta de inspiração, acabaram ficando pra trás. E por isso eu os trago pra cá, pra esse tradicional "três em um", com comentários bem rasteiros sobre filmes que não fizeram a minha cabeça.

MEU PÉ DE LARANJA LIMA 

Estou com uma crise atualmente no que concerne a filmes dirigidos ao público infantil. A não ser que sejam realmente muito bons, eles me aborrecem bastante a ponto de me passarem muito sono. Não há café que dê jeito. Nesta mais recente adaptação do popular livro de ficção de José Mauro de Vasconcelos, o diretor e roteirista Marcos Bernstein, de CENTRAL DO BRASIL (1998), não chega a comover com a história do menino que sofre maus tratos dos pais e encontra conforto na figura de um amigo mais velho e num pé de laranja lima que fica no quintal de sua casa. É pra ele que o jovem protagonista conta seus segredos. MEU PÉ DE LARANJA LIMA (2012) tem uma cara de filme velho, de anacrônico, no pior sentido da palavra, que incomoda, e as emoções passam longe.

ELYSIUM 

Muita gente queria ver o tal filme de ficção científica que trazia no elenco Wagner Moura e Alice Braga. Mas ELYSIUM (2013), de Neill Blomkamp, acabou decepcionando bastante, apesar do enredo interessante. Na trama, o mundo é dividido entre aqueles que moram na merda, isto é, num planeta Terra totalmente devastado e comido pela pobreza e pela poluição, e aqueles que moram em Elysium, lugar dos mais ricos e privilegiados que têm inclusive um aparelho que cura todas as doenças. O personagem de Damon, um operário das classes nada abastadas, tem poucos momentos de vida depois de um acidente que envenena seu corpo com radioatividade. Diria que com uma trama interessante dessas um diretor melhor teria resolvido.

UM TIME SHOW DE BOLA (Metegol) 

No aspecto técnico, UM TIME SHOW DE BOLA (2012) não fica a dever à grande maioria das animações americanas. Mas o mais importante falta neste filme dirigido pelo especialista em dramas Juan José Campanella: alma. Coisa que boa parte dos filmes da Pixar tem e que é a principal preocupação, apesar da excelência técnica. Por isso que a nossa animação UMA HISTÓRIA DE AMOR E FÚRIA é muito melhor, apesar de tão pobrinha tecnicamente. UM TIME SHOW DE BOLA parece um TOY STORY sem emoção. E diria que até um pouco chato em seu enredo, que envolve um rapaz viciado em pebolim que humilha no jogo um sujeito e este último volta, agora um jogador de futebol de sucesso, para a revanche. Com a destruição do bar e do pebolim, os bonecos vivos saem por aí e encontram o seu grande jogador. Juntos, eles tentam ajudar o protagonista a recuperar a sua amada, que foi sequestrada pelo vilão. Ah, o filme começa com uma referência a 2001 – UMA ODISSEIA NO ESPAÇO até que bem criativa. Mas isso não é o bastante.

FILHA DE NINGUÉM (Nugu-ui ttal-do anin Haewon)

Não é preciso ver muitos filmes de Sang-soo Hong para perceber as semelhanças neles. É mais ou menos como acompanhar a filmografia de Hawks ou de Ozu. Neste mesmo ano chegou ao nosso circuito comercial A VISITANTE FRANCESA (2012), com Isabelle Huppert interpretando três papeis em três pequenas histórias de aproximadamente meia hora. Trata-se de um filme que enfatiza a repetição em sua estrutura narrativa. Nesse filme, as mulheres são exaltadas e os homens são patéticos. Pode-se dizer o mesmo de FILHA DE NINGUÉM (2013), que conta com uma das protagonistas mais belas do cinema oriental recente: Jeong Eun-Chae.

No caso de Jeong, não precisamos ouvir os elogios que vários personagens fazem a ela, já que sua beleza está ali o tempo inteiro, para apreciarmos junto com a belíssima fotografia do filme. Inclusive, Jane Birkin, que interpreta a si mesma num sonho da protagonista, também a elogia. Diz que ela parece com sua filha. A jovem fica lisonjeada. Ao que parece, essa necessidade de os personagens receberem elogios faz parte da obra do diretor, que opta por personagens carentes.

Diferente, porém, de A VISITANTE FRANCESA, em que predominava um tom de comédia, FILHA DE NINGUÉM é bem mais cruel com seus personagens, quase todos com sentimento de abandono. A começar pela protagonista, a jovem estudante de cinema Haewon, que se sente abandonada quando sua mãe parte para o Canadá. Sozinha na Coreia do Sul, ela não resiste e entra em contato novamente com um professor de cinema casado, com quem ela teve um caso meses atrás.

O reencontro reacende a paixão dos dois, mas o sujeito se sente muito temeroso que alguém descubra seu caso com Haewon. Ele teme tanto pela família quanto pela universidade. Confessa ter vontade de fugir com a jovem para bem longe, mas no fundo sabe que não tem coragem para tanto. Por ele, os dois continuariam levando esse relacionamento secreto por anos e anos.

Apesar dos zooms desconcertantes que também se fazem presentes em A VISITANTE FRANCESA, é numa cena relativamente longa e com câmera parada que FILHA DE NINGUÉM se mostra mais agradável de ver. Trata-se da cena em que Haewon e o professor encontram-se com outros alunos para beber em um restaurante. Uma série de sentimentos são notados nesta única cena: a vergonha do professor e sua necessidade de disfarçar o fato de que tem um caso com Haewon; a tristeza e o sentimento de abandono da jovem, que transparece quando a vemos beber muito saquê; as perguntas dos alunos que desconfiam da relação dos dois e a situação vergonhosa que sente o ex-namorado da moça, que também está presente na mesa.

É, sim, um filme que justifica o estardalhaço entre os críticos mais exigentes e é uma pena que a obra de Sang-soo Hong esteja quase toda inédita no Brasil. Mas isso parece estar mudando. Felizmente.