MAIS PESADO É O CÉU

A figura de um bebê (ou de um feto) é recorrente nos trabalhos de Petrus Cariry. Em MÃE E FILHA (2011) a criança nasceu morta, mas a avó, em negação, prefere niná-la, “botá-la para dormir” na rede. A criança, geralmente associada ao futuro, deixa de existir. Como se o futuro também não existisse, o que existe são apenas paisagens desérticas, casas abandonadas, fantasmas. Em A PRAIA DO FIM DO MUNDO (2021), a criança está prestes a nascer. Uma das personagens está grávida e quer sair daquela cidade prestes a ser invadida pelo mar. Sua mãe, no entanto, não quer ir embora. Prefere ficar e até mesmo rasgar suas fotos, rasgar todos os seus registros de memória, como se tivesse a intenção de matar também o seu passado.

Em MAIS PESADO É O CÉU (2023), a criança está viva e chora constantemente para ser alimentada, como se fizesse questão de viver, não importando o mundo frio e tenebroso que receberá de herança. Ela fora abandonada dentro de um barco à beira do Açude Castanhão e é encontrada por Teresa (Ana Luiza Rios, O CLUBE DOS CANIBAIS), uma mulher que já morou na extinta cidade de Jaguaribara, agora coberta pelas águas. No caso da criança de MAIS PESADO É O CÉU, ela é agente propulsora da sobrevivência, já que ela, mais à frente batizada de Miguel, passa a ser o ponto de união para o casal vivido por Teresa e Antônio (Matheus Nachtergaele). Em comparação com as demais crianças, essa é a que mais parece ter um futuro, seja lá qual for esse futuro.

O universo de Petrus Cariry é para os fortes. Mas mesmo os fortes às vezes se veem numa situação tão difícil que acreditam que não vão mais suportar. MAIS PESADO É O CÉU, mesmo sendo um filme duro, eu diria que é o mais clássico do diretor, mas, como dá para perceber, ele faz isso sem deixar de lado suas marcas, suas obsessões. Talvez por isso seu sétimo longa tenha chegado ao circuito antes do excelente sexto, A PRAIA DO FIM DO MUNDO, mais hermético, por assim dizer.

O novo filme é mais convidativo ao grande público. Trata-se de uma espécie de "road movie a pé" com dois personagens vivendo vidas miseráveis numa cidade próxima a um açude que cobriu uma cidade inteira – há diversos diálogos sobre essa falta que a cidade faz, como se fosse uma falta na alma. E os diálogos muitas vezes são ditos em tom antinaturalista, o que causa um estranhamento bem-vindo. Na trama, Antônio e Teresa são duas pessoas que não têm para onde ir e que se encontram junto ao bebê que logo é "adotado" por ela e depois pelos dois. Teresa nunca chega a dizer que a criança não é sua, como se aquela criança fosse uma espécie de presente de Deus. 

Em busca de um trabalho ou de qualquer coisa que traga um pouco de comida e sustento, andam feito fantasmas, feito mortos-vivos numa cidade que não os acolhe, a não ser por uma mulher (Sílvia Buarque), que parece destruir seus sonhos de sairem daquele lugar. Em alguns momentos parece uma espécie de O ANJO EXTERMINADOR, o filme de Luis Buñuel em que pessoas ficam presas misteriosamente numa casa. Aqui o espaço é maior, uma cidade com pessoas bem pouco afáveis (o que faz lembrar um pouco o incrível PELOS CAMINHOS DO INFERNO, de Ted Kotcheff), e isso vai se tornando ainda mais visível na busca de Teresa pelo dinheiro de cada dia, nas estradas. Essa busca pelo dinheiro é extremamente dura para a mulher: prostituir-se por uma miséria com caminhoneiros agressivos.

Petrus, como excelente diretor de fotografia que também é, enche a tela com aquele céu azul e bonito, mas que se torna ameaçador nos momentos finais, com as nuvens carregadas e com a trilha sonora de João Victor Barroso, que vai impregnando aos poucos a vida daquelas duas pessoas (e do bebê) de um ar crescente de perigo, mas um perigo diferente do que geralmente vemos em filmes de horror. No entanto, sabemos, sim, do carinho que Petrus tem pelo cinema de horror e como ele mesmo tratou de contribuir para o gênero mais explicitamente em CLARISSE OU ALGUMA COISA SOBRE NÓS DOIS (2015) e mais sutilmente em quase todos os demais trabalhos.

Aqui o perigo de um assassino à solta precisa disputar com a angústia e a falta de perspectiva dos heróis, esse sim o grande horror, o horror do dia a dia, o horror de morrer de fome, de perder cada vez mais o que lhes resta de dignidade. Tanto que em determinado momento, ao olhar para fotografias antigas de pessoas velhas e mortas, Antônio chega a pensar se não seria melhor estar morto. Até mesmo a cena de sexo entre os dois é uma cena totalmente despida de sensualidade, de vida mesmo. Teresa faz sexo com seu companheiro talvez por pena, ou talvez porque suas experiências sexuais de sobrevivência tenham sido apenas com pessoas destituídas de amor e ela quisesse um pouco de ternura.

A fotografia em scope, deslumbrante, valoriza os espaços da tela e nos traz aquela certeza de que é o cinema, a telona, e não a telinha da tevê, o lugar ideal para ver um filme dessa magnitude, de um de nossos maiores autores.

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A METADE DE NÓS

Para um filme que se propõe a tratar do luto de um casal de idosos diante da perda do filho que cometeu suicídio, não sei se me senti tão comovido ou tocado. De todo modo, A METADE DE NÓS (2023), de Flavio Botelho, não tem uma estrutura de um melodrama. Sua abordagem é mais seca e mais dura, inclusive com a ausência de música. O filme fica um pouco mais problemático no momento em que passa a mostrar as diferentes maneiras com que os personagens de Denise Weinberg e Cacá Amaral lidam com a ausência do filho e o desconhecimento de seus problemas. Ainda assim, é um filme que se mantém sempre intrigante e interessante. O uso de uma fotografia em tons frios ajuda a compor o universo retratado.

UMA FAMÍLIA FELIZ

José Eduardo Belmonte faz sua segunda parceria com Grazi Massafera, mais de dez anos depois do muito interessante BILLI PIG (2012). Desta vez, sai a comédia e suas cores vibrantes, entra o suspense com toques de terror associado a muitas cenas escuras (infelizmente a sala 11 do Iguatemi também não estava em suas melhores condições e a fotografia de penumbras acaba ganhando esse elemento que mais prejudica). UMA FAMÍLIA FELIZ (2023) é um jogo de aparências, que vai deixando pistas e dúvidas sobre as ações dos personagens, seja a protagonista (Eva, Grazi), seja o marido (Vicente, Reynaldo Gianecchini). Eva é uma mulher que tem uma empresa de confecção de bonecas hiperrealistas que tem uma criança com o marido, Vicente, um homem carinhoso, mas que de vez em quando se apresenta pouco compreensivo com ela. O filme vai ganhando contornos de suspense gradualmente, mas o tom já é dado a partir do prólogo, retirado de uma cena de sua parte final. O jogo que Belmonte faz com o cinema de horror mais clássico é muito interessante, tanto quando apresenta as bonecas, quanto quando mostra as gêmeas, que às vezes lembram as meninas fantasmas de O ILUMINADO. As duas meninas são filhas do casamento anterior de Vicente, mas tratam Eva como mãe e certas informações são passadas muito suavemente ao longo da trama. O ideal é ver o filme sabendo o mínimo possível, de modo que as viradas de roteiro sejam melhor apreciadas. Vale destacar também a excelente performance de Grazi. Em alguns momentos, sua atuação faz lembrar a de protagonistas de filmes de Roman Polanski, como REPULSA AO SEXO e O BEBÊ DE ROSEMARY, esse último por conta do sentimento de paranoia por que ela passa, e que contamina a audiência. O filme é baseado no romance homônimo de Raphael Montes, escritor que se tornou mais famoso recentemente, graças ao sucesso da série BOM DIA, VERÔNICA. Aqui ele assume também o papel de roteirista.

REPRESA

Foi interessante ver REPRESA (2023) um dia após ter experienciado A CIDADE DOS ABISMOS. Sair de uma obra tão experimental e mais vanguardista, por assim dizer, para assistir a uma narrativa mais naturalista e aparentemente simples foi quase um choque. Felizmente um choque muito bom, já que o diretor Diego Hoefel tem um domínio de direção de atores excelente, o que faz com que personagens do sertão cearense pareçam estar sendo eles mesmos, e não interpretando um papel, principalmente Gil Magalhães, que interpreta Robson, o homem que trabalha como guia turístico do local. Além do mais, os momentos engraçados aliviam bastante o drama dos personagens. Na trama, Renato Linhares (ANA. SEM TÍTULO) é um homem gaúcho que chega a um espaço árido no sertão cearense cujas pessoas vivem o luto de ter perdido uma cidade inteira para a construção de uma represa. REPRESA foi exibido no Festival de Roderdã e é uma produção da Tardo de Ticiana Augusto Lima, que esteve presente junto com o diretor Diego Hoefel e equipe à sessão especial no Cinema do Dragão.

ARMADILHA (Trap)

Quem diria. ARMADILHA (2024) já é o 16º longa-metragem de M. Night Shyamalan. O cineasta que ainda tem como auge de popularidade um filme do século passado, O SEXTO SENTIDO (1999), e que começou a aumentar a quantidade de haters a partir mais ou menos de A VILA (2004) e A DAMA NA ÁGUA (2006), ao mesmo tempo que foi conquistando defensores e fãs mais ardorosos justamente nesse momento, começou a ser mais benquisto por uma parcela maior de espectadores desde A VISITA (2015). Shyamalan também fez uma carreira muito interessante na televisão, sendo voz fundamental em obras como WAYWARD PINES (2015-2016) e SERVANT (2019-2023).

Aliás, SERVANT tem tudo a ver com este novo filme. Pois foi nesta série que o cineasta deu espaço a sua filha Ishana Night Shyamalan, que havia trabalhado como assistente de direção do pai em TEMPO (2021), dirigiu seis episódios da série, alguns dos melhores e mais bem cuidados no uso de câmera e direção de arte, e estreou no cinema como diretora de longa-metragem este ano com OS OBSERVADORES, filme que a maior parte da crítica não curtiu, mas de que gostei muito. Muito mesmo.

Em ARMADILHA, Shyamalan se mostra novamente um paizão, ao dar espaço agora para sua filha mais velha, Saleka Shyamalan, cantora e compositora de música pop/r&b. Para o novo filme do pai, ela compôs 14 canções. Eu, como pouco apreciador da música pop do novo milênio, acho tudo monocromático e sem graça, mas quem tem que dizer se a música é boa ou não é a nova geração, os jovens que estão mais sintonizados com o zeitgeist. Mas o que conta aqui nessa história de pai que faz de tudo pelas filhas, e que pode receber as mesmas reclamações que Francis Ford Coppola recebeu quando escalou Sofia para O PODEROSO CHEFÃO – PARTE III, é que ARMADILHA é também a história de um pai que faz de tudo por sua filha.

O problema é que esse pai é um serial killer. E justamente no dia que ele resolve estar com a jovem adolescente (Ariel Donoghue) no show de seu ídolo, a cantora pop Lady Raven (Saleka Shyamalan), ele se vê preso numa força-tarefa da polícia para prender o “Açougueiro”, como é chamado o assassino que deixa suas vítimas em pedaços usando um cutelo. Inclusive, no momento em que ele está com a filha, uma de suas vítimas estava amarrada num local secreto. Outra coisa que deixa claro neste trabalho de Shyamalan é que ele passa um pouco longe da violência gráfica, embora esbanje na construção de suspense e tensão. Se bem que o diretor não é tão famoso pela violência mesmo. Seu filme mais violento talvez seja BATEM À PORTA (2023).

Nesse sentido (e também na questão da nudez), ele guarda certo distanciamento de Brian De Palma, o cineasta com quem se aproxima em ARMADILHA. Aliás, eu diria que na falta de De Palma, percebo no novo filme de Shyamalan uma aproximação muito grande com o cineasta mais hitchcockiano da Nova Hollywood. Pra começar, a produção conta com três países, o que lembra a fase tardia de De Palma. Além do mais, toda a longa parte que se passa no show pop lembra bastante OLHOS DE SERPENTE, com aquela câmera que perscruta o ambiente, com o olhar nervoso do protagonista vivido por Josh Hartnett, que esteve em DÁLIA NEGRA e que aqui aparece em registro bem diferente.

O assassino tem visões de uma senhora idosa que o assombra, e que mais tarde saberemos ser sua mãe e isso facilmente nos remete a PSICOSE, inclusive na dualidade do personagem, que se divide numa vida dupla de bombeiro e pai de família atencioso e de assassino serial. E assim como o filme de Hitchcock, este aqui é redondinho, uma delícia de assistir, sem parecer ter uma barriga ou um problema eventual de ritmo, que de vez em quando acomete certos filmes de Shyamalan.

O final nos faz pensar no mundo atual, em que a atenção pela família esconde os aspectos sombrios de certas pessoas. Além do mais, há uma ambiguidade e até uma simpatia pelo assassino muito interessante, e que é também uma marca hitchcockiana. (Queria muito saber a opinião de De Palma sobre este filme.)

Uma coisa que me chamou a atenção em ARMADILHA foi a fotografia, que me pareceu bem mais despojada do que na maioria das obras do diretor, que pareciam pinturas filmadas, com um cuidado formal maior na construção do quadro. Talvez desta vez Shyamalan tenha se preocupado mais na criação da atmosfera de suspense e tensão e tenha deixado de lado um pouco a beleza visual que lhe é característica. Mas a gente perdoa, pois é um baita filme, sim. Além do mais, a direção de fotografia é de ninguém menos que o tailandês Sayombhu Mukdeeprom, da obra-prima MEMORIA e do recente RIVAIS, entre outros trabalhos de respeito.  

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CLUBE DOS VÂNDALOS (The Bikeriders)

Jeff Nichols tem uma especial atração por personagens brancos e ignorantes do meio-oeste americano. Isso pode ser visto com ainda mais clareza neste CLUBE DOS VÂNDALOS (2023), em que o cineasta se detém em pessoas que têm como estilo de vida andar de motocicleta em grupos, beber e conversar. Para enfatizar o ambiente cheio de testosterona a personagem de Jodie Comer se vê logo de início ameaçada por aquele grupo enorme de homens. Assim, ela vai parar na garupa do rapaz por quem se sente atraída, o mais rebelde do grupo, aquele que nem sequer trabalha, o jovem vivido por Austin Butler, ainda em processo de sair do personagem Elvis, que tanto o marcou. CLUBE DOS VÂNDALOS é também uma espécie de triângulo amoroso mais ou menos sutil, já que o personagem de Butler é também disputado e querido pelo líder do grupo de motoqueiros, vivido por Tom Hardy. O filme me cansou um pouco, menos pela narrativa e mais pelos personagens pouco atraentes intelectualmente. Por outro lado, é possível pensá-lo como um convite à reflexão sobre a violência em crescimento em grupos muito masculinizados e em como isso está ainda bastante entranhado na sociedade. E o que antes era visto como algo rebelde e mais à esquerda nos tempos da contracultura, hoje é visto como algo mais próximo de uma extrema direita.

PLANETA DOS MACACOS – O REINADO (Kingdom of the Planet of the Apes)

Confesso que a saída de Matt Reeves do comando da franquia havia me deixado um pouco desestimulado a ver este novo filme. A direção de PLANETA DOS MACACOS – O REINADO (2024) é de Wes Ball, o sujeito que fez a pouco brilhante franquia MAZE RUNNER (2014-15-18). Mesmo assim, o resultado é bom o suficiente para ficarmos interessados na trama e em seus personagens até o fim. Além do mais, como todo bom filme dessa leva dos macacos, temos aqui uma obra que traz discussões políticas relevantes para o atual momento. A trama, agora sem a presença do excelente protagonista César, se passa vários anos após a sua morte, e novos personagens são apresentados. Um deles é o jovem chimpanzé Noa, que vai ter que passar por uma prova de fogo muito maior do que esperava ao atingir a maioridade. No mundo de Noa, há poucos humanos à vista e a maldade dos demais macacos ainda não havia chegado a sua aldeia. Um dia chega, porém. A jovem personagem feminina, Mae (Freya Allan, vista recentemente em A BRUXA DOS MORTOS – BAGHEAD), tem boa presença de cena, embora não consiga roubar os momentos de Noa e do orangotango Raka. Senti falta de cenas de ação melhores, mas o resultado é um feijão com arroz gostoso.

AS BESTAS

Vendo AS BESTAS (2022), de Rodrigo Sorogoyen, lembrava-me vez por outra de PROPRIEDADE, o ótimo filme de Daniel Bandeira que também é um suspense muito tenso, com forte e complexo comentário social. No filme espanhol vencedor do Goya 2023, temos uma situação ainda mais tensa. Na verdade, é tão fácil se colocar no lugar do personagem de Denis Ménochet (PETER VON KANT) que rapidinho estamos vivendo junto com ele todo o terror que ele vem passando. Na trama, esse homem e sua esposa (Marina Foïs, ENORME) são proprietários de uma pequena fazenda na Galícia. O problema é que eles não são benquistos por certas pessoas da vila, em especial os dois irmãos que são seus vizinhos. Há um cuidado que o filme tem com a construção do medo dentro de espaços abertos que hoje é o melhor exemplo de criação do horror nesse sentido que me vem à mente. Além de muita tensão, o filme é carregado de uma desesperança que pode nos contaminar, caso estejamos um pouco mais fragilizados.

DEADPOOL & WOLVERINE

Estava com uma preguiça imensa de escrever sobre DEADPOOL & WOLVERINE (2024), mas talvez consiga fazer isso de maneira prática e rápida, até porque costumo escrever sobre os filmes de super-heróis aqui para o blog, com algumas exceções, nem que seja só para bater ponto. Vi o filme na pré-estreia, na quarta-feira, no Cine Del Paseo, e havia dois sujeitos vestidos como os heróis do filme, para fazer graça ao público presente. As vestimentas estavam bem-feitas, o que me levou a pensar que aquilo fazia parte de um marketing bem pago, talvez até pela Disney (será?) ou pela própria rede de cinemas. Mas acontece que a sala escolhida não era das mais animadas e as pessoas pareciam não se importar com esses personagens coloridos, o que tornava a presença deles um tanto constrangedora.

A gente sabe que os filmes de Deadpool são construídos a base de muita bobagem e humor, mas, mesmo assim, com um filme com classificação indicativa de 18 anos talvez esse tipo de humor físico e infantil não estivesse atingisse o público apropriado. Será que quem contratou pensava que era filme para todas as idades? Sei que se divertir depende muito do estado de espírito, que tem dias que a gente ri do vento, como dizem, mas nunca vi muita graça no Deadpool.

O novo filme, agora a cargo de Shawn Levy, diretor de filmes parecidos com sessões da tarde, como GIGANTES DE AÇO (2011) e FREE GUY – ASSUMINDO O CONTROLE (2021), portanto parceiro de Hugh Jackman e de Ryan Reynolds, tem um trunfo e tanto ao trazer também Wolverine, personagem querido e morto em LOGAN, de James Mangold, lá em 2017. E LOGAN tem essa cara de filme muito sério, muito dramático e o próprio Jackman não queria mais voltar ao personagem depois de ter lhe dado adeus. Mas a gente sabe que dinheiro compra quase tudo e aqui está o herói de garras de adamantium de volta, e com o mesmo ator (“até os 90 anos”, dizia Deadpool). A saída para trazer o herói desta vez foi a noção de multiverso aprofundado na série do LOKI e o Wolverine deste filme é uma variação de outro universo, um Wolverine que se acha o ser mais fracassado do universo.

Os filmes de super-heróis nos últimos anos acabaram criando uma subcategoria: a dos filmes que se importam mais em explorar referências do que em contar uma boa história. Vimos isso em DOUTOR ESTRANHO NO MULTIVERSO DA LOUCURA, em HOMEM-ARANHA – SEM VOLTA PARA CASA e em THE FLASH. Levando isso em consideração, sobra pouco de novidade para DEADPOOL & WOLVERINE, a não ser explorar ainda mais os títulos da companhia, desta vez os produzidos pela Fox, como uma espécie de despedida.

E não nego que algumas dessas brincadeiras são legais, principalmente se vistas de maneira isolada, com o aparecimento surpreendente de certos personagens do passado, mas a história é bem "qualquer coisa", talvez confiante demais dos dois heróis. A equipe de roteiristas não conseguiu criar um tipo de humor mais eficiente. Ou seja, o filme vai agradar quem já é fã das piadas bobas de Deadpool, de seu estilo e de uma quarta parede que deixou de ser novidade. Mas mesmo cansado desses filmes, desejo boa sorte à Marvel no próximo ano. Ainda mais depois do recente anúncio do retorno de Robert Downey Jr. ao MCU, que serviu para trazer uma boa dose de animação para o filão.

+ TRÊS FILMES

TWISTERS

Divertida e dinâmica “continuação” do original de 1996. Este tipo de filme tem como principal base as boas cenas de passagens dos tornados e a destruição que eles provocam das mais diferentes e criativas maneiras. O que há de humano em TWISTERS (2024), de Lee Isaac Chung, se deve principalmente à presença de Daisy Edgar-Jones (eternamente querida por causa da série NORMAL PEOPLE). Essa moça tem muito talento e ganha o filme para si, bem mais que o novo queridinho do momento, Glen Powell, que faz um bom trabalho como interesse amoroso da história e inicialmente rival da protagonista feminina, que carrega consigo uma memória trágica envolvendo tornados. Tenho impressão de que os efeitos visuais de hoje parecem tão parecidos com videogames que já não impressionam mais ninguém. Não duvido nada que o filme anterior até funcione melhor nesse quesito. Ainda assim, é uma diversão garantida.

DIVERTIDA MENTE 2 (Inside Out 2)

Acho que estou ficando velho para essas animações da Disney e da Pixar. Quando foram apresentados os novos personagens-emoções me senti representado por dois deles, a Ansiedade e o Tédio. DIVERTIDA MENTE (2024) sofre com excesso de falas e de um dinamismo exacerbado que me parece uma busca desesperada de não cansar o espectador, especialmente as crianças menores, mesmo as que não entendem muito da complexidade dos sentimentos humanos que o filme busca retratar. No entanto, essa busca de não cansar é que acaba me cansando ou me deixando bem pouco interessado. Felizmente, lá pela metade o filme vai ficando mais interessante quando a personagem Alegria ganha um pouquinho mais de profundidade (a alegria pela alegria é algo muito superficial). Claro que uma produção da Pixar faz uma diferença em comparação com outras de outros estúdios. Há todo um cuidado visual e aqui há até mesmo uma pesquisa no campo da psicologia para tratar de problemas de ansiedade e da chegada da puberdade. Mas houve outra coisa que me incomodou: a sala 3 do UCI Parangaba (justamente a XPlus!) está com uma leve tremida e aguentei toda a metragem por ser dublado e eu poder fechar os olhos de vez em quando para não me sentir tão afetado. Ainda assim, eu e a Giselle saímos e fomos a uma farmácia comprar um colírio anti-inflamatório pra mim. Até quando as redes de cinema vão dar a devida atenção a todos os "detalhes" de uma projeção?

FURIOSA – UMA SAGA MAD MAX (Furiosa – A Mad Max Saga)

Expectativa pode ser inimiga do espectador. Além do mais, esperar algo tão impactante quanto MAD MAX – ESTRADA DA FÚRIA (2015) é querer muito de George Miller. A paleta de cores de FURIOSA – UMA SAGA MAD MAX (2024) é igual e há a intenção de contar um outro tipo de história de vingança – o primeiro MAD MAX (1979) já era uma história de vingança num mundo devastado. O que dá gosto de ver neste novo filme é a beleza das tomadas, o olhar de Anya Taylor-Joy, mesmo quando coberta por sujeira ou outro tipo de protetor contra a areia e o vento do deserto. Chris Hemsworth faz um vilão tão carismático (e de certa forma simpático) que não consegui me encher de fúria para ir atrás da vingança junto com a heroína. Também acaba depondo contra o filme de Miller o fato de não ser mais uma novidade, mas um retorno ao universo do filme anterior, à loucura das cenas com carros e motos e pessoas sendo atropeladas ou se suicidando. É um filme quase mudo, da herança de um Buster Keaton, no sentido de não haver tantos diálogos e de ser um cinema mais físico, apesar do CGI. Miller nos apresenta a um mundo tão desesperançado que até o momento digamos romântico do filme sai prejudicado, como se todos ali tivessem que ser tão fortes quanto cruéis, não apenas para sobreviver, mas até para sentirem certo prazer naquela existência amarga. Gosto do final e lamentei não ter revisto o ESTRADA DA FÚRIA imediatamente antes, de modo a fazer as devidas conexões.