VINGADORES - GUERRA INFINITA (Avengers - Infinity War)

Dez anos depois da estreia dos Estúdios Marvel com HOMEM DE FERRO (2008) e passados quase duas dezenas de produções, muitas delas arriscadas, como filmes sobre heróis pouco conhecidos do grande público, como Doutor Estranho, Pantera Negra, Guardiões da Galáxia e Homem-Formiga, eis que a Marvel chega a um dos pontos mais aguardados desde sua criação: um grande épico envolvendo quase todos os personagens apresentados ao longo desses anos.

VINGADORES - GUERRA INFINITA (2018), de Joe e Anthony Russo, representa muito mais do que o primeiro filme dos Vingadores. Aqui está em jogo não apenas dar conta de uma aventura de ação com alguns super-heróis de Stan Lee e Jack Kirby, como foi o caso do trabalho de Joss Whedon, mas costurar um universo cinematográfico já gigantesco e com o pano de fundo dos quadrinhos de Jim Starlin. Foi ele quem criou Thanos, o mais fascinante vilão do estúdio até então. Thanos aparece aqui interpretado por um Josh Brolin quase irreconhecível, mas sem perder as nuances da interpretação.

E o filme não demora para apresentá-lo. A primeira cena de VINGADORES - GUERRA INFINITA já traz uma angustiante disputa do vilão em Asgard, contra Thor, Loki e outros deuses nórdicos. Sua intenção lá é capturar uma das joias do infinito. Uma vez que ele consiga todas as joias, espalhadas por vários pontos do universo, ele conseguirá o seu intento, de proporções apocalípticas. Um dos grandes méritos do filme, aliás, é saber dar uma motivação inteligente para o vilão.

É curioso perceber que alguns dos trabalhos mais recentes da Marvel/Disney, como GUARDIÕES DA GALÁXIA VOL. 2 , HOMEM-ARANHA - DE VOLTA AO LAR e THOR - RAGNAROK, tinham um pé bem fixo na comédia. E nem todo mundo se envolve com o humor típico da Marvel, muitas vezes afetado, outras vezes excessivamente inofensivo, o que também pode ser um problema.

Mas o grande barato desta reunião é que ela sabe aliar o humor, principalmente quando Thor tem o encontro com os Guardiões da Galáxia, mas principalmente quando a narrativa assume seu aspecto mais sombrio. Afinal, estamos falando de um vilão que é para ser levado muito a sério, e que logo na primeira cena já mostra a que veio, embora cenas posteriores possam aprofundar ainda mais sua dimensão complexa, inclusive em um flashback de Gamora (Zoe Saldana).

VINGADORES - GUERRA INFINITA é bem articulado em blocos, com sequências que se passam em diferentes lugares do universo, sendo que um ou outro bloco tem uma ligação direta entre si, caso do bloco que traz Bruce Banner/Hulk (Mark Ruffalo) de Asgard para a Mansão do Doutor Estranho (Benedict Cumberbatch) na Terra. O bom domínio narrativo dos irmãos Russo é essencial para que o público não se incomode com a duração um tanto longa do filme.

Já o elenco é um luxo que só uma superprodução dessas é capaz de bancar (ter um ator como William Hurt em praticamente uma ponta é um exemplo disso). Embora nem todos os personagens sejam bem aproveitados (o Homem-Aranha é um deles), é fácil pensar que seria impossível dar conta de todos eles de maneira mais aprofundada. Apenas certos heróis que guardam maior relação com a trama principal têm seu potencial dramático melhor explorado, como é o caso de Thor (Chris Hemsworth), Homem de Ferro (Robert Downey Jr.), Visão (Paul Bettany), Senhor das Estrelas (Chris Pratt), Gamorra e, claro, o grande vilão. Mesmo o Pantera Negra (Chadwick Boseman) funciona mais para ter Wakanda como um excelente campo de batalha. É lá que algumas das mais envolventes e emocionantes cenas acontecem.

Está havendo uma preocupação muito válida nas redes sociais para que as pessoas não contem o final da história. A essa altura ainda é possível escapar dos tais spoilers. Por isso é interessante que o filme seja visto o quanto antes, pois as surpresas são realmente inesperadas. Acontecimentos guardados para o final são fundamentais para que VINGADORES - GUERRA INFINITA faça a diferença dentre as demais produções da Marvel.

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RAMPAGE - DESTRUIÇÃO TOTAL (Rampage)

É possível se divertir com este filme de monstros gigantes destruindo geral. Até por não se levar a sério. Mas acredito que RAMPAGE se beneficiaria muito de uns 10 a 15 minutos a menos. Chega uma hora que o show de efeitos especiais (às vezes ruins) cansa. Podia ter se assumido como um filme menor ainda. Melhor cena: uma que envolve Malin Akerman. Quanto ao Dwayne Johnson, não dá pra esperar muita coisa dele, mas acho pior ver o Jeffrey Dean Morgan com os mesmos cacoetes do personagem que ele faz em THE WALKING DEAD. Direção: Brad Peyton. Ano: 2018.

A MALDIÇÃO DA CASA WINCHESTER (Winchester)

Todo mundo tem boletos a pagar. Inclusive Helen Mirren. E até que o argumento e a ideia deste filme não são ruins. Mas tanto o roteiro quanto a realização são ruins demais. Um dos filmes de terror mais chatos que eu já vi na vida. Lembram de A NOIVA, aquele filme russo que todo mundo desceu a lenha? Pois é. Aquele filme é muito mais interessante, sabe explorar muito mais a geografia de uma casa assombrada e tem momentos mais interessantes do ponto de vista do horror do que esse aqui, todo chique e com figurino e direção de arte bonitos. Direção: Peter e Michael Spiering. Ano: 2018.

PEQUENA GRANDE VIDA (Downsizing)

Tenho meus problemas com o filme na maneira como ele tinha infinitas possibilidades de trabalhar com o assunto e acaba não fazendo muita coisa em uma narrativa um tanto aborrecida de mais de duas horas de duração. Mas ficam boas lembranças, a boa ideia e o clima agridoce da narrativa. Direção: Alexander Payne. Ano: 2017.

CASA-GRANDE & SENZALA DE GILBERTO FREYRE

A obra de Nelson Pereira dos Santos, morto em 21 de abril último, é admirável não apenas por sua construção e descontrução dos códigos e convenções do que se fazia no cinema brasileiro - como quando ele mostrou pela primeira vez o favelado do jeito que era de verdade em RIO, 40 GRAUS (1955), com sua tradução exemplar de um clássico da literatura, VIDAS SECAS (1963), ou outros tipos de experimentações, como QUEM É BETA? (1972).

Mas a questão que me traz aqui em relação a CASA-GRANDE & SENZALA DE GILBERTO FREYRE (2001) é lembrar o quanto somos devedores de um cineasta que também foi bastante preocupado em contar a História do Brasil através dos filmes. Nesta minissérie feita para a televisão, por exemplo, somos transportados para uma espécie de aula até que bastante didática sobre a nossa História, o nosso povo, uma obra literária e antropológica essencial.

Demora um pouco para nos acostumarmos com o tom de aula de "Telecurso 2º Grau", mas uma vez acostumados com essa opção de dramaturgia, a viagem é de um prazer difícil até de explicar. Temos a chance de assistir a uma aula de um excelente professor, no caso, o Prof. Edson Nery da Fonseca, que nos quatro capítulos em que é dividido o documentário, faz uma mediação entre o espectador e a obra fundamental de Freyre.

Os quatro capítulos recebem os seguintes nomes: Gilberto Freyre - O Cabral Moderno; A Cunhã, Mãe da Família Brasileira; Português, o Colonizador dos Trópicos; e O Escravo na Vida Sexual da Família Brasileira. São, como dá para perceber pelos títulos, dedicados ao próprio Freyre, ao papel mais especificamente da índia, ao português e ao negro. Mais ou menos similar à estrutura que Freyre utiliza para o seu livro.

O primeiro capítulo é bastante revelador de quem foi Gilberto Freyre, sua infância, sua educação em escolas e universidades americanas, seu interesse e paixão pela formação do povo brasileiro etc. O segundo é mais uma porrada em forma de capítulo, ao mostrar como foi a abordagem dos portugueses e sua diferenciação em relação aos norte-americanos, que não se misturaram aos nativos. Ao contrário deles, os portugueses se misturaram e adoraram fazer sexo com as índias. Povoar aquele espaço, inclusive, fazia parte do plano de dominação. As índias também gostavam muito dos portugueses. Mas o que é triste mesmo é ver os maus tratos, o abandono, a chacina e a cena final.

O terceiro capítulo nos leva até Portugal e vai buscar as origens dos portugueses de antes do descobrimento, quando já eram um povo mestiço, com fortes influências dos mouros. É o episódio menos impactante, mas nem por isso menos gostoso de assistir. O quarto episódio, por sua vez, é o mais revelador do título do livro, pois professor e aluna dialogam sobre a rotina de como funcionava a relação entre os senhores e seus escravos. Uma relação baseada em sadismo, masoquismo, transmissão de doenças (sífilis, principalmente), um pouco de dose de generosidade (em comparação com os senhores de escravos americanos, que não deixavam os negros professarem suas danças, costumes e crenças) e também se fala sobre o misticismo.

Enfim, falar sobre este documentário de Nelson Pereira dos Santos pra quem ainda não viu é só dar um gostinho do que o espectador pode experimentar. E lembrar mais uma vez o quanto somos devedores desse cineasta tão cheio de amor por nossa História, nossa cultura e nossa gente, e que, durante sua longa trajetória, contou essa nossa História das mais variadas maneiras. Sorte nossa. Nunca haverá um cineasta como Nelson Pereira dos Santos.

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MEU CORPO É POLÍTICO

É um filme simples e que nos conquista aos poucos, cujos personagens vão ganhando força à medida que eles vão se incorporando a um todo coeso. No começo, não parece ser. E no começo me incomodou um pouco o discurso muito direto, quase didático, em especial de um personagem transexual. Direção: Alice Riff. Ano: 2017.

A LUTA DO SÉCULO

Incrível como não sabia nada nem do filme nem dos lutadores. E é até melhor assim, pois as surpresas são maiores. Dá pra rir e dá pra ficar comovido com a história desses homens que passaram a vida se odiando e tendo a chance de ir ao ringue diversas vezes. Direção: Sergio Machado. Ano: 2016.

PAULISTAS

Dentro da categorias desses documentários que tencionam borrar a linha com a ficção, este é um dos que menos me agradou e o que mais parece não ter dito a que veio. Se é para ser um retrato de um espaço de abandono dos jovens e de desolação, o que trouxe pra mim foi só tédio. Melhor rever RIFLE, que tem alguma semelhança e é muito mais bem-sucedido nesse quesito. Direção: Daniel Nolasco. Ano: 2018.

SUBMERSÃO (Submergence)

Provavelmente o último bom filme de ficção de Wim Wenders tenha sido O CÉU DE LISBOA (1994). E ainda assim não é uma unanimidade. Já nessa época sua carreira estava sendo vista como em declínio. E de fato estava. O que tem salvado sua carreira atualmente são seus documentários. O último, O SAL DA TERRA (2014), sobre o fotógrafo Sebastião Salgado, é uma beleza. É triste testemunhar a decadência de um dos mais importantes cineastas de sua geração, a geração dos novos nomes do cinema alemão surgida no final dos anos 1960.

Mesmo assim, aceitando que o que temos é apenas a sombra do que foi o diretor de PARIS, TEXAS (1984), é possível enxergar neste novo trabalho, SUBMERSÃO (2017), pontas de paixões e obsessões que são muito bem trabalhadas num todo irregular. Mas é muito melhor se apegar ao que há de positivo no filme do que no que há de negativo. Até porque o que há de positivo é muito bom de ver.

Refiro-me ao modo como o filme trabalha a construção do relacionamento da bióloga marinha Danielle Flinders (Alicia Vikander) e o espião britânico James More (James McAvoy). Ele não informa a ela sua verdadeira ocupação. Diz que é um engenheiro. Eles se conhecem e se apaixonam em uma espécie de hotel de luxo à beira-mar. E o que há de mais sólido no filme é justamente esses momentos em que os dois estão juntos e se conhecendo.

Wim Wenders é feliz em tornar crível cada momento de aproximação dos dois, cada detalhe dos diálogos, do quanto cada momento é importante (em certa cena, ela fala de uma marca de expressão que ele tem, enquanto se tocam; ele diz que vai se lembrar disso). E, de fato, a separação dos dois, para ambos irem a missões perigosas, à sua maneira, é um tanto dolorosa, mas é também enternecedora.

Os obstáculos que funcionam como um elemento de motivação e torcida por parte do espectador só se estabelecem por causa desse ponto de partida. O primeiro beijo dos dois é muito gostoso de ver. Por isso os instantes de separação, quando ele é sequestrado por um grupo jihadista e fica sem comunicação com ela, são dolorosos. Há quem vá achar o filme tedioso ou até insuportável.

E isto não é nem novidade para uma obra contemporânea de Wenders. Mas é possível sim entrar no clima de SUBMERSÃO, naquele misto de tristeza pela separação e de alegria pelo apego à recordação. Se a parte mais existencialista, científica e metafísica do filme não conseguem atingir o que almejam, a gente pode dar sim um desconto.

Quanto às belas imagens, trata-se da terceira parceria de Wenders com o diretor de fotografia Benoît Debie. Os anteriores foram em TUDO VAI FICAR BEM (2015) e OS BELOS DIAS DE ARANJUEZ (2016).

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COM AMOR, SIMON (Love, Simon)

A própria frase que vende o filme já diz tudo: todo mundo merece uma grande história de amor. Então, o que temos aqui é uma tradicional comédia romântica estudantil, com apenas uma diferença: é a história de um rapaz gay com dificuldade de sair do armário. A gente sofre um pouco com ele esse processo e nisso talvez esteja o grande mérito do filme. Além do mais, todos os personagens são simpáticos. Talvez só tenha me incomodado com uma visão muito otimista do mundo, não sei. Direção: Greg Berlanti. Ano: 2018.

OPERAÇÃO RED SPARROW (Red Sparrow)

Muito melhor do que andaram dizendo por aí. Gostei mais do que de ATÔMICA, mesmo sabendo que as propostas são diferentes. Mas ao menos este dá pra se envolver no drama da protagonista. E o filme deve muito à Jennifer Lawrence. A força dela é que impulsiona a produção, não a direção qualquer coisa do xará de sobrenome. Duas cenas eu acho massa: uma de sexo e uma de violência.. São cenas que se destacam dentro de uma obra mais para mediana. Direção: Francis Lawrence. Ano: 2018.

CINQUENTA TONS DE LIBERDADE (Fifty Shades Freed)

Incrível como uma franquia consegue descer uma ladeira mais abaixo do que já estava. Imaginem se fizessem mais filmes. O que sairia. Sabemos que o principal problema é a fonte e que diretor nenhum conseguiria dar jeito estando tão amarrado ao texto original tosco. Enfim, dureza. A única vantagem de eu ter visto o filme sozinho numa sala em uma sessão que terminou depois da meia noite é que não precisei encarar os olhares constrangidos de ninguém. O shopping, aliás, parecia cenário de O DESPERTAR DOS MORTOS. O que é até uma coisa legal, sei lá. Direção: James Foley. Ano: 2018.

CABO DO MEDO (Cape Fear)

Não sei onde eu estava com a cabeça na época em que deixei de ver nos cinemas CABO DO MEDO (1991). E olha que eu já tinha saído de uma experiência inenarrável após a sessão de OS BONS COMPANHEIROS (1990). Só podia estar passando por algum momento muito delicado, não sei dizer. O fato é que, na época, só vi este remake espetacular dirigido por Martin Scorsese em VHS. E mesmo assim foi um impacto gigante. Mas se eu não me engano o filme não era bem uma unanimidade na época. Havia gente que achava muito comercial, se não me engano.

A releitura de CABO DO MEDO agora, desta vez respeitando a janela original e em uma ótima cópia ripada de um blu-ray, se deveu a uma brincadeira nova do pessoal do Cinema na Varanda, que está fazendo um novo quadro mensal dedicado à discussão de clássicos. O escolhido do mês de abril foi este filme estrelado por Robert De Niro, Nick Nolte, Jessica Lange e Juliette Lewis.

CABO DO MEDO foi a sétima colaboração entre Scorsese e o seu então ator-fetiche De Niro. Uma colaboração das mais belas da história do cinema. Já Nick Nolte, havia trabalhado com o cineasta no segmento "Lições de Vida", de CONTOS DE NOVA YORK (1989). A caracterização dos dois personagens chega à perfeição, levando em consideração que ninguém se importe com o nível de intensidade que o filme prefere adotar. Nas cores, nas interpretações, na trilha sonora, na violência etc.

O embate dos dois personagens lembra muito o de PACTO SINISTRO, de Alfred Hitchcock. Aliás, todo o filme parece uma grande ode ao mestre do suspense, com uma homenagem explícita a PSICOSE, na cena da cozinha. O que é aquele momento, meus amigos? A própria trilha sonora é de Bernard Herrmann (do filme original), o que dá um tom hitchcockiano especial. Scorsese lida com todas as ferramentas cinematográficas de maneira tão genial que, naquele momento, era difícil não dizer que estávamos diante do maior cineasta americano vivo.

Toda a sequência que antecipa a tal cena da cozinha, com a tentativa de fazer uma armadilha para o ex-presidiário e estuprador é de uma tensão tão grande que jamais imaginaríamos que essa tensão se potencializaria na sequência do barco, quando o filme se encaminha para o seu grandioso desfecho.

Há sequências em que o uso de recortes para simular a profundidade de campo lembra bastante os trabalhos do colega de geração Brian De Palma. E há uma cena em especial que a música fica um pouco de lado para que possamos quase parar de respirar: caso da cena do primeiro encontro de Max Cady (De Niro) com a jovem e inocente Danielle (Juliette Lewis). A cena tem um misto de tensão, perigo, sensualidade e proibição que jamais imaginaríamos nos dias de hoje. Aliás, no ano seguinte, a própria Juliette apareceria beijando Woody Allen no também memorável MARIDOS E ESPOSAS. Ou seja, não faltava exploração da sensualidade da estrela adolescente na época.

CABO DO MEDO é um produto de sua época, mas talvez justamente por isso tenha envelhecido tão bem, tenha adquirido essa aura de clássico, ainda mais com tanta homenagem à velha Hollywood. Um filme que também possui a arte de deixar o nosso sangue intoxicado. Digo isso como elogio. E olha que não exaltei as qualidades formais da obra, que são imensas.

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ÓDIO

Um dos filmes mais singulares da história do cinema brasileiro. Tem uma elegância impressionante na direção, na mesma maneira como também não se importa em mostrar os excessos que a própria história precisa contar. Certamente vai ficar na minha cabeça por um bom tempo. Projeto pessoal e muito querido do Carlo Mossy. Ano: 1977.

FITZCARRALDO

Lembro de ter começado a ver este filme e não ter prosseguido numa exibição na televisão. Com a cópia restaurada, surgiu a chance de ver no cinema. Está longe de ser dos meus favoritos do Werner Herzog, mas não deixa de ser admirável em sua construção e sua ambição. Quem teria bancado um filme desses? Ano: 1982.

QUADRILHA MALDITA (Day of the Outlaw)

Que maravilha de filme, hein! Uma espécie de OS OITO ODIADOS que deu certo. Acho que Tarantino bebeu muito da fonte deste filme pra construir o seu ambicioso projeto. André De Toth é mestre e o seu filme é do mesmo ano de outro western muito especial, o RIO BRAVO, do Hawks. Ano: 1959.

SEVERINA

Impressionante como as histórias de amor não se esgotam e se reinventam, passados tantos séculos. No caso de SEVERINA (2017), retorno de Felipe Hirsch à direção de cinema depois de um relativamente longo hiato, temos a história de amor de uma livreiro e uma ladra de livros em uma cidade do Uruguai. Ele (Javier Drolas), cujo nome nunca é citado ao longo da narrativa, talvez tenha deixado aquela moça bonita roubar os livros por ela ser bonita. Na terceira vez, no entanto, ele não deixa passar. Até porque ele também tem interesse em conversar e saber quem é aquela jovem mulher, vivida por Clara Quevedo.

Ela afirma se chamar Ana, mas nunca sabemos se é mesmo esse o verdadeiro nome. Um dos fortes atrativos da moça está no seu mistério. É pelo mistério que o livreiro se vê cada vez mais enredado em seus quereres, e é pela obsessão que ele sente por ela que ele se vê capaz de fazer algo inimaginável. O amor está associado fortemente ao perdão nesta espécie de fábula que tem o sabor de um ótimo livro, desses que a gente faz questão de fazer anotações, marcar os trechos mais interessantes. Há diversos momentos no filme em que queremos dar uma pausa para fazer anotações, guardar certos diálogos ou mesmo citações. SEVERINA, inclusive, já começa com uma inquietante epígrafe de Williams Carlos Williams.

O prazer da palavra também está presente no uso do recurso da voice-over, acentuando o sentimento de melancolia do narrador. A narração é bem-vinda, até por trazer ideias muito boas para dar força a esse delírio amoroso. Como é o caso de quando o narrador diz que a vida de um indivíduo é formada por coisas reais, coisas simples e coisas fantasmas. As coisas reais seriam aquelas coisas de grande valor e pouco frequentes na vida da pessoa, as coisas simples são as coisas rotineiras e as coisas fantasmas seriam aquelas terríveis, como a febre, dores e decepções terríveis.

A divisão da narrativa por capítulos também se constitui em mais um namoro do cinema com a literatura no filme, que pela própria história já seria óbvio. Os nomes dos capítulos que os antecipam fornecem um misto de suspense e humor que traz não só um ar de espirituosidade à obra, mas também um sentimento de surrealidade, à medida que os gestos de amor do livreiro por Ana vão se intensificando. E intensificam também o nosso interesse e respeito por SEVERINA, uma das melhores surpresas do cinema brasileiro recente.

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ZAMA

Acho que nunca um filme me causou tanto mal estar e tanta náusea. Talvez eu já estivesse predisposto a esse sentimento, mas o filme aumenta isso. Se é a intenção mesmo de Martel (acho que é), parabéns. Mas nunca mais quero ver este filme de novo. Ainda assim, só não o considero ruim pelo modo como a diretora encena. Mas sei lá se isso não é só pra parecer diferente. Direção: Lucrecia Martel. Ano: 2017.

A LIVRARIA (The Bookshop)

Um filme que é simpático por sua vontade de exaltar os livros e ao trazer personagens interessantes, mas que falha em muitas coisas. O que temos é a impressão de que houve falha na adaptação do romance. O personagem do Bill Nighy é um achado. Certamente no romance deve ser fascinante ou próximo disso. Mas infelizmente fica tudo raso no resultado final. Direção: Isabel Coixet. Ano: 2017.

A NOIVA DO DESERTO (La Novia del Desierto)

Acho que me faltou mais identificação ou proximidade com os personagens para que eu me interessasse pelo romance deles. Mas gosto de como há momentos em que a atmosfera é bem captada, como na cena da tempestade, ou nas várias vezes em que o filme respira bem entre as falas dos protagonistas. Direção: Cecilia Atán e Valeria Pivato. Ano: 2017.

GUERRA CONJUGAL

Tenho lamentado muito a falta de atualizações do blog. Isso tem ocorrido em parte por causa de um cansaço que tomou conta de mim e que parece ir além da esfera física, em parte por este espaço ter ficado abandonado por leitores, em parte porque não tenho conseguido encontrar tempo para a atualização sem que eu fique com dor na consciência também em não estar fazendo outras coisas que são mais urgentes. Tempos difíceis.

Estou começando assim, mais uma vez em primeira pessoa, como nos primórdios do blog, falando um pouco por cima de meus problemas, para arrancar o texto que ainda não sei como sairá. A lista de filmes vistos e não escritos, aliás, é tão imensa que chega a dar tristeza. Mas aproveitemos este momento agora para escrever sobre um deles. O escolhido é GUERRA CONJUGAL (1974), de Joaquim Pedro de Andrade, um dos filmes que mais me deu prazer de ver nos últimos meses.

Só a cena que mostra o personagem do advogado vivido por Lima Duarte recebendo uma jovem em seu escritório já torna o filme muito especial. Mesmo levando-se em consideração o fato de ser um trabalho de um de nossos melhores realizadores. Não consigo pensar em outro título melhor do cineasta do que este, pelo menos não do ponto de vista do prazer narrativo. |

Acompanhamos em GUERRA CONJUGAL histórias em bloco de quatro personagens: o já citado advogado vivido por Lima Duarte; o casal de velhinhos vivido por Joffre Soares e Carmem Silva; e o cafajeste Nelsinho, vivido por Carlos Gregório. O filme certamente nos dias de hoje seria bastante problematizado, até pelo modo como a questão do assédio é tratado com leveza e humor, embora as mulheres não sejam nada bobas aqui.

O filme começa com o personagem de Joffre Soares acordando no meio da noite, reclamando que está se sentindo mal para a mulher. Ele teme morrer antes da esposa, por quem nutre uma relação de amor e ódio. Em seguida, vemos a tal cena do advogado tarado e aproveitador. Já Nelsinho, tem como grande destaque a cena em que está namorando uma moça perto da avó cega dela. Detalhe: a jovem está praticamente nua enquanto falam com a senhora idosa.

As linhas narrativas são mostradas em blocos, adaptando 16 contos extraídos de sete livros de Dalton Trevisan. Daí o texto ser tão bom quanto o trabalho de cenografia. Joaquim Pedro de Andrade consegue extrair beleza de espaços muito pobres, como a casa do casal de velhos, com um trabalho de cores que está sendo valorizado pela nova cópia remasterizada.

Pena que o filme poderia ser mais longo e ainda mais ousado se não tivesse sido vítima da censura da época, que o liberou com cortes para maiores de 18 anos, afirmando que era uma obra que afrontava as instituições familiares.

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MUITO PRAZER

Custei a acreditar que MUITO PRAZER foi feito depois de LÚCIA McCARTNEY, UMA GAROTA DE PROGRAMA (1971). Demorou demais o David Neves a fazer outra belezura. E é um filme bem diferente do anterior, é mais uma crônica, mas é também bem interessado na alma feminina. Otávio Augusto talvez tenha aqui o melhor papel de sua carreira, e Ítala Nandi e Antonio Pedro também estão excelentes. Ano: 1979.

XICA DA SILVA

Ficou linda a restauração deste filme de Carlos Diegues. Com as cores vivas e belas como devia ser na época de seu lançamento. Não sou tão fã da protagonista e às vezes até acho o filme meio aborrecido, mas gosto muito a partir da chegada do personagem do José Wilker. Se bem que Walmor Chagas também passa uma nobreza admirável a seu personagem. É o filme que anteciparia as duas obras-primas de Diegues, CHUVAS DE VERÃO (1978) e BYE BYE BRASIL (1980). Melhor do que isso ele não ficaria. Ah, e é muito legal ver a Elke Maravilha linda, antes de chegar aos 30. Ano: 1976.

A GRANDE CIDADE OU AS AVENTURAS E DESVENTURAS DE LUZIA E SEUS 3 AMIGOS CHEGADOS DE LONGE

Outro belo filme dentro da filmografia irregular de Diegues. O que mais se destaca é a câmera do Dib Lutfi, que faz do Rio de Janeiro um personagem grande na história. Antonio Pitanga também está ótimo e a cena final da Anecy Rocha é impactante. Tinha-a visto em CINEMA NOVO, do Eryk Rocha, e já achado bem forte. Já o papel do Leonardo Villar é um pouco fraco. Ano: 1966.

MADAME

Há filmes que se constituem em tão boas surpresas que simplesmente lamentamos o fato de que serão obras pouco vistas ou descobertas por uma audiência maior, mesmo uma audiência acostumada a ver bons filmes no cinema ou em casa. É o caso da comédia MADAME (2017), segundo longa-metragem da cineasta francesa Amanda Sthers.

A visibilidade mínima desta obra muito se deve à presença de um belo elenco internacional, que já chama a atenção no próprio cartaz, que traz a australiana Toni Collette, o americano Harvey Keitel e a espanhola Rossy de Palma, cujo rosto expressivo remete a trabalhos de Pedro Almodóvar, embora ela só tenha aparecido em cinco de seus filmes. Como se já não bastasse um trio como esses, há um ótimo elenco de apoio também em MADAME.

A história se passa em Paris, na casa de um casal de americanos que vive em uma pomposa mansão. A matriarca, Anne Fredericks (Toni Collette), prepara um jantar especial para convidados e tem um quadro de Caravaggio para negociar com um dos presentes. Ela não esperava que o filho fosse aparecer e, supersticiosa que é, não quer que na mesa tenham treze pessoas. Assim, ela tem como solução colocar a governanta da casa, uma senhora de modos simples e pouco requintados, Maria (Rossy de Palma), entre os convidados. Para não dar na vista, Maria deve permanecer calada e comer pouco durante o jantar.

Se o filme já começa com uma cena bela de Anne com o marido Bob (Keitel) pedalando pelas ruas de Paris, ele vai se mostrando melhor ainda com os preparativos e com a cena do jantar em si, que é narrada sem pressa e destacando cada pessoa presente na mesa, revelando tanto casos amorosos extraconjugais como o rápido interesse de um homem de negócios pela enigmática Maria. Boas piadas não faltam e é impressionante como o filme não se esforça para que o humor funcione de maneira bem natural.

Por mais que MADAME denuncie as diferenças de classes e o modo como a empregada deve se portar, de acordo com as regras rígidas da patroa, não há uma intenção em tornar a rica dona da casa em uma vilã, mas também uma mulher insegura. Afinal, ela não faz sexo com o marido (bem mais velho que ela) há algum tempo e agora vê a empregada feliz e tendo uma aventura amorosa. Anne dá suas escapadas, mas isso não é o suficiente para que ela se sinta especial dentro daquela situação inesperada. Mesmo a narrativa transitando pelas histórias pessoais dos três personagens principais, é graças a Maria que a trama ganha força e maior interesse.

Para completar, há uma sensibilidade muito especial que a diretora imprime, trazendo dignidade e afetividade para Maria, que, depois de tanto tempo, tem a possibilidade de viver um grande amor, e não apenas ficar trabalhar de doméstica para poder pagar os estudos da filha, que mora na Espanha. Além do mais, o modo como o filme se encerra é também de uma beleza admirável. MADAME certamente não traz inovações no campo formal, mas acerta em tudo que tenciona.

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ASSASSINATO NO EXPRESSO DO ORIENTE (Murder on the Orient Express)

Filme bonito de ver, mas maçante pra caramba de asssistir. Eu já não sou muito fã dessa coisa de whodunit, e do jeito que o Branagh fez não me entusiasmou nenhum pouco. Queria saber dos fãs da Agatha Christie. O Branagh, ele curte texto e também curte imagem, mas infelizmente está fora de forma faz muito tempo. Ao menos, ele rendeu um bom Poirot. Direção: Kenneth Branagh. Ano: 2017.

PATTI CAKE$

Filme que quer enganar posando de indie, mas é pior do que muito filme sobre superação e luta produzido com muito dinheiro. Achei fracos os momentos dramáticos, as músicas, o modo como o diretor quer que a gente sinta empatia pelos personagens, e até o senso de humor. Esperava mais. Direção: Geremy Jasper. Ano: 2017.

BONECO DE NEVE (The Snowman)

Não esperava que o filme fosse tão chato e tão desarticulado. Nem a montadora do Scorsese salvou esse aqui. Chega um momento em que eu não quero mais saber quem é o assassino. Só quero que acabe logo. Não sei se foi falha na hora de adaptar ou se o livro já era vagabundo mesmo. Tem cara de ser, não sei. Mas grandes diretores tiram grandes filmes de livros vagabundos, que o diga Hitchcock. Direção: Tomas Alfredson. Ano: 2017.