CAFÉ COM CANELA

Impressionante como um filme consegue ser ao mesmo tempo experimental em sua linguagem e tão popular, tão capaz de falar ao grande público. CAFÉ COM CANELA (2017), o premiado trabalho de Glenda Nicácio e Ary Rosa, que também nos apresenta a uma baianidade muito gostosa, traz duas histórias paralelas: a de duas mulheres negras e de diferentes idades e situações.

A jovem Violeta (Aline Brunne, encantadora) ganha a vida vendendo coxinhas e cuidando da avó muito velhinha e acamada, além de também cuidar com muita alegria e amor do marido, dos filhos e dos amigos. A outra linha paralela mostra um cenário mais sombrio, o de Margarida (Valdinéia Soriano), uma mulher que vive presa na própria casa, pela depressão causada pela perda do filho pequeno.

O contraste das duas vidas é bem explícito e é natural sentirmos certo mal estar quando estamos na casa de Margarida, tão triste e tão abandonada. Mais do que isso: um lugar assombrado. Por isso o gosto pela vida de Violeta nos pega tão fortemente: que lindo que é vê-la cantando para a avó doente e que só se comunica pelos olhos e pelo sorriso. Ela canta com muito carinho, dá-lhe massagens nas mãos. Claro que nem tudo são flores e Violeta testemunha também a triste partida de um de seus vizinhos em outra passagem muito emocionante e também cheia de amor.

Há algumas cenas que se destacam e que, ao serem lembradas, falam forte ao coração: uma cena muito simples e que pode ser vista como apenas um detalhe, envolvendo o cachorro e a avó de Violeta; o cantar de um dos personagens coadjuvantes em uma razão de aspecto diferente (uma dentre três diferentes); a descrição antecipada e triste da perda de um grande amor do personagem de Babu Santana; e a cena da bicicleta. Meus Deus, o que dizer da cena da bicicleta, como se não algo tão capaz de encher nossos corações de amor?

E no meio de tudo isso, no meio de uma celebração da vida como poucos filmes são capazes, ainda temos um quase monólogo fantástico de Margarida sobre a magia do cinema. Sim, a vida pode ser maravilhosa, mas o cinema é fantástico. Há até uma brincadeira com a quebra da quarta parede. Além do mais, é um filme inteiramente feito com atores e atrizes negros, grande maioria da população da Bahia. No caso, as cenas de CAFÉ COM CANELA se passam no Recôncavo Baiano.

Há ainda espaço para a celebração da riqueza da cultura afrobrasileira. Mas o que conta mesmo nem são esses detalhes - se é que podemos chamar de detalhes, inclusive os formais -, mas o quanto o filme mexe com as emoções da audiência. Um presente que se não tomarmos cuidado pode passar desapercebido, como tantas outras joias recentes do nosso cinema.

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UNICÓRNIO

É até interessante de ver, mas impressionante como cansa, mesmo com toda a beleza e a linda fotografia em ultrascope. O diretor quer passar sensações e sentimentos através da imagem, mas não consegue, como nas cenas das angústias da garota no bosque. Mas curiosamente gosto da parte final, que lembra uma fábula. Pena que demora demais a chegar lá. Patrícia Pillar continua linda. Direção: Eduardo Nunes. Ano: 2017.

HILDA HILST PEDE CONTATO

Gosto bem mais da primeira parte do filme, que nos faz quase tão ávidos de boa literatura quanto a própria Hilda, além de ser mais interessante na questão da busca angustiante da escritora por vida além do plano terreno. É um filme bem singular. E a diretora tem um cuidado todo especial com os planos. Faz bem ver. Direção: Gabriela Greeb. Ano: 2017.

UMA QUASE DUPLA

É um filme que deve muito à Tatá Werneck a força que tem, ainda que não seja muita. Cauã está quase como um escada na dupla. É Tatá que fornece os momentos mais engraçados e memoráveis do filme. Que poderia ser menor e mais redondo. Faltou ao diretor timing para dominar a narrativa. Ainda assim é divertido e relaxante. Direção: Marcus Baldini. Ano: 2018.

À SOMBRA DE DUAS MULHERES (L'Ombre des Femmes)

Grandes histórias de relacionamentos amorosos nem sempre precisam de trilhas sonoras grandiloquentes, atores com padrão Oscar de qualidade ou um tipo de direção cheia de virtuosismos. O que o veterano cineasta Philippe Garrel entrega em À SOMBRA DE DUAS MULHERES (2015) é justamente o contrário disso. E o que nos impressiona é o tanto de sensibilidade que ele é capaz de oferecer com textos aparentemente econômicos. Vale lembrar que o roteirista Jean-Claude Carrière, celebrado principalmente por sua parceria com Luis Buñuel, está entre os responsáveis pela construção dos diálogos naturalistas e tão capazes de nos envolver.

Na trama, acompanhamos a rotina de um casal de documentaristas, vividos por Stanislas Merhar e Clotilde Courau. Eles são, respectivamente, Pierre e Manon, um casal que já passou da fase da paixão e agora vive uma relação mais estável e de certa maneira monótona. O que faz com que Pierre acabe se interessando por outra mulher, Elisabeth (Lena Paugam), que preenche essa lacuna do desejo sexual que estava ausente na relação com Manon.

Elisabeth sabe que Pierre é casado, mas ainda tem esperança de que ele largue a esposa para ficar com ela. Uma oportunidade chega quando Elisabeth flagra Manon com outro homem em um encontro às escondidas. Ou seja, o que parecia apenas um triângulo amoroso em que só uma pessoa era a traída acaba se revelando uma espécie de quadrado de traições. Sem conseguir guardar essa informação por muito tempo, em um dos dias de crise entre os amantes, Elisabeth conta a Pierre do affair de sua mulher. A revelação cai como uma bomba.

Por mais que Pierre não tenha muita razão para reclamar da esposa - seria o sujo falando do mal lavado - não é assim que ele age. Há uma tradição machista já há muito enraizada de que se for o homem o traidor, tudo bem, já quando é a mulher... Assim, ele culpa Manon a ponto de a relação entrar em colapso, já que Pierre tem dificuldade em perdoar a mulher. Todo esse mal estar do casal é também sentido pela audiência, remetendo a um dos melhores trabalhos de François Truffaut, DOMICÍLIO CONJUGAL, que também trata da questão da infidelidade.

Ainda assim, o filme de Garrel mais lembra as cirandas de amor e desamor e os contos de natureza moral de Eric Rohmer, o que só torna a experiência de ver À SOMBRA DE DUAS MULHERES uma joia para os espectadores dos dias atuais, carentes de diretores que explorem tão bem tais questões. Aliás, por mais que possamos lembrar também do sul-coreano Hong Sang-soo nesse debate, são os franceses que aparentemente parecem ter mais expertise no assunto. Só lembrar de CIÚME – O INFERNO DO AMOR POSSESSIVO, em que Claude Chabrol destrincha a mente perturbada de um homem atormentado pelo medo e insegurança de perder a bela mulher.

O que Garrel faz, porém, é fugir do registro over da dramaticidade e apontar para um caminho mais sutil, e talvez por isso mesmo capaz de despertar as emoções dos espectadores que provavelmente já viveram situações parecidas com aquelas dos personagens. Além do mais, o filme nos presenteia com a atuação sublime de Clotilde Courau, que faz a esposa traída e em busca também de prazer, fora de um casamento em que ela se sente infeliz pelo desinteresse do homem que ama.

Acompanhar seus dramas é uma tarefa tão dolorosa quanto deliciosa, já que a precisão da direção, da atuação, dos diálogos, da linda fotografia em preto e branco contribui para uma das mais pungentes experiências emocionais na sala escura dos últimos anos.

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NOS VEMOS NO PARAÍSO (Au Revoir Là-haut)

Um filme que tem seus momentos, e que se destaca pela bela produção, pelas imagens. Queria mais cenas das trincheiras, mas o filme trata de outra coisa: a relação de amizade entre dois homens depois de uma situação na Primeira Guerra. Há um problema de música demais, de personagens pouco carismáticos, e isso complica um bocado. Direção: Albert Dupontel. Ano: 2017. 

PROMESSA AO AMANHECER (La Promesse de l'Aube)

Taí um filme que poderia não existir. Não que seja de todo ruim, mas é muito chato, muito aborrecido. A aventura do protagonista só falta não acabar mais. Há coisas interessantes, já que poucos filmes falam de uma figura materna tão presente, mas a trama se perde e se arrasta, mesmo tendo seus momentos. A mesma história foi filmada por Jules Dassin em 1970. Certamente deve ser muito melhor. Direção: Éric Barbier. Ano: 2017.

MARVIN (Marvin ou la Belle Éducation)

Anne Fontaine tem feito filmes bem diferentes, mas tenho gostado de todos os trabalhos dela. Este aqui trata com delicadeza da história de um rapaz que viveu a dificuldade de ser gay numa sociedade machista e que agora tem a chance de falar sobre isso em seu trabalho como ator e dramaturgo. Gosto do jeito como a diretora se arrisca e deixa o filme respirar. Muito bom o ator que faz o personagem criança também. Direção: Anne Fontaine. Ano: 2017.

DISTÚRBIO (Unsane)

Apesar da irregularidade e de parecer não haver tantos pontos claros em comum para uma análise de sua autoralidade, seja do ponto de vista temático, seja do formal, a carreira de Steven Soderbergh é uma das mais interessantes dentre os cineastas surgidos do cenário indie nos últimos 30 anos. Trata-se de um diretor que se mostrou interessado nos mais diversos assuntos, sendo suas obsessões bastante fragmentadas.

Surgir com uma história sobre um homem com dificuldades de se relacionar sexualmente com as mulhres (SEXO, MENTIRAS E VIDEOTAPE, 1989), para depois brincar com uma história envolvendo um célebre escritor tcheco (KAFKA, 1991) e depois partir para um drama mais convencional (O INVENTOR DE ILUSÕES, 1993) e embarcar depois de um tempo dentro de um cinema mais comercial, por assim dizer, fazer esse trânsito com frequência e ainda seguir sendo um caso interessante não é para qualquer um.

DISTÚRBIO (2018) é o segundo filme para cinema de Soderbergh depois de uma anunciada aposentadoria que não se concretizou. O anterior foi a divertida comédia LOGAN LUCKY – ROUBO EM FAMÍLIA (2017), que volta ao tema do roubo inteligente, celebrado em ONZE HOMENS E UM SEGREDO (2001). Em DISTÚRBIO o diretor volta a outro tema que lhe interessa: a questão da sanidade mental, abordada em um registro mais dramático em TERAPIA DE RISCO (2013). No novo trabalho, temos um suspense bem eficiente.

Na trama, Claire Foy é Sawyer Valentini, uma jovem mulher que sofre de uma fobia que só aos poucos vai sendo descortinada. Ela mora em uma cidade distante de sua família, a fim de fugir de um homem obcecado. Certo dia, após uma consulta com uma psicóloga, ela acaba assinando papéis em que concorda em ficar detida em um sanatório por um determinado período de tempo. Ao chegar lá, afirma que um dos funcionários é o tal homem que a persegue. Demora um pouco para sabermos se o que ela diz é fruto de sua imaginação ou algo real. Até então, a personagem segue em uma espiral de medo e perturbação que é acentuada por imagens às vezes desfocadas, às vezes em enquadramentos pouco usuais, filmadas em uma câmera de um iPhone 7 Plus.

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TERROR CEGO (See No Evil)

Preciso conhecer mais o trabalho de Fleischer. Este TERROR CEGO é brilhante. A pobre da Mia Farrow faz um trabalho excepcional, inclusive físico, no papel de uma mulher cega e sozinha fugindo de um assassino. Já vi filme parecido, mas este talvez seja o melhor. Direção: Richard Fleischer. Ano: 1971.

HANNAH

Achei muito bom como um exercício de seguir uma personagem prestes a desabar. Mas o filme não me pegou, não me senti tocado pela personagem. Talvez por não haver uma maior clareza sobre o que de fato estava acontecendo entre ela e o filho e o que aconteceu com o marido. É muita responsabilidade nos ombros da Charlotte Rampling. Direção: Andrea Pallaoro. Ano: 2017.

RÉQUIEM PARA A SRA. J. (Rekvijem za Gospodju J)

Um interessante retrato da Sérvia, que ainda é uma nação em ruínas, pela visão de uma senhora com depressão e que planeja a própria morte. Pena que eu não me envolvi seu drama e achei mais interessante do ponto de vista formal apenas. Dá pra imaginar o Brasil com mais um ano de governo Temer vendo o filme. Direção: Bojan Vuletic. Ano: 2015.

BAIXO GÁVEA

Ah se todos os filmes brasileiros que quiséssemos ver estivessem tão facilmente à mão. Com o cinema estrangeiro, principalmente o americano, tudo é tão mais simples. Ainda assim, não devemos reclamar tanto assim. Há meios para conseguir certas preciosidades que nem sequer estavam na lista de prioridades até pouco tempo atrás. É o caso de BAIXO GÁVEA (1986), de Haroldo Marinho Barbosa, que esteve entre os títulos que ganharam uma remasterização decente do Canal Brasil e que pode ser encontrado no mundo abençoado dos sites de compartilhamento também.

O meu interesse pelo filme aumentou depois que li o delicioso texto de Andrea Ormond publicado no livro Ensaios de Cinema Brasileiro – Os Anos 1980 e 1990. Vale dizer que cada texto deste livro nos faz querer ver o filme em questão imediatamente. Mesmo quando a autora diz que o filme tem problemas sérios. Vale dizer que não é o caso de BAIXO GÁVEA, que mesmo tendo uma cena de estupro muito mal encenada, nem isso chega a macular a beleza desta pequena pérola.

O filme trata da amizade de duas jovens mulheres que dividem o mesmo apartamento. Lucélia Santos (adorável!) é Clara, diretora de teatro; Louise Cardoso é Ana, atriz que está atuando no papel do poeta português Mário de Sá Carneiro em peça dirigida pela amiga sobre a vida de Fernando Pessoa. Só o fato de termos um filme que aborda a vida trágica do maior poeta da língua portuguesa já chama a atenção. E há várias cenas que se passam no teatro, nos ensaios.

Mas o que mais ganha o espectador mesmo é a vida real e contemporânea das duas amigas, principalmente de Clara, uma mulher em busca de amor e que acaba não tendo muita sorte com seus parceiros. No começo do filme ela amanhece na casa de um completo estranho, fruto de uma aventura regada a álcool na noite anterior. Sai de lá, um tanto aflita, direto para o trabalho, o teatro. Depois sabemos que Ana, apesar de amiga exemplar, tem uma queda pela amiga dramaturga e de vez em quando brinca, querendo levá-la para a cama. Como não há interesse mútuo, as duas compartilham diferentes tipos de solidão.

Essa busca de Clara por um amor lembra, inclusive, o recente DEIXE A LUZ DO SOL ENTRAR, de Claire Denis, que traz Juliette Binoche no papel de uma mulher com fome de amor. Em uma de suas investidas, Clara encontra com um homem muito estranho, que a leva para seu apartamento. O tal homem é vivido por José Wilker, em participação especial, e em registro que une o cômico com o assustador.

BAIXO GÁVEA também tem o sabor de uma deliciosa máquina do tempo que nos leva para o Rio de Janeiro da década de 1980. Basta lembrar da cena em que Ana sai para dar uma passeada pelos bares do bairro, em busca de uma “gatinha”. Como é um filme mais de personagens e atmosferas do que de plot, o trabalho de Haroldo Marinho Barbosa tem um ritmo cadenciado, que não tem pressa em chegar a lugar algum, mas que ainda assim nos traz um misto de excitação e desespero, o que só prova que estamos diante de uma obra que fala às nossas almas por caminhos misteriosos. E que ainda dialoga com o teatro e a poesia de maneira muito bela, trazendo ainda um dos finais mais lindamente amargos do cinema brasileiro.

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BETE BALANÇO

Certamente Lael Rodrigues não sabia a importância do filme que estava fazendo quando filmou BETE BALANÇO. Certamente não é um grande filme. Longe disso. Há um bocado de problemas. Mas só em ter Cazuza em música e como ator e o espírito daquele momento do rock brazuca dos 80 já é uma maravilha. Sem falar na Débora Bloch, que está encantadora. Pena que perderam a chance de incluir uma cena de sexo da Débora com a Maria Zilda. No mais, foi a primeira vez que eu ouvi a versão original de "Carente profissional" (pelo Barão Vermelho). Só conhecia a versão (muito melhor) da Marina Lima. Direção: Lael Rodrigues. Ano: 1984.

O GOSTO DO PECADO

Cláudio Cunha sabe caprichar nas cenas de sexo, mas este filme é bem irregular em sua narrativa. Poderia ser mais enxuto, mais dinâmico. O personagem do Jardel Mello é difícil de gostar. Mas aí tem a Simone Carvalho, que é apaixonante sem fazer muito esforço. Direção: Cláudio Cunha. Ano: 1980.

MULHERES ALTERADAS

Filme que se destaca bastante no quesito visual (gosto muito das cores e dos ângulos) e também por lidar com a questão da sororidade e de diferentes estilos de vida e posicionamentos em relação à vida. Queria mais Monica Iozzi. Fiquei feliz que ela finalmente esteve em um bom filme. Quem acaba tendo mais espaço no filme é Deborah Secco e Alessandra Negrini. Direção: Luis Pinheiro. Ano: 2018.

ANA E VITÓRIA

A primeira cena de ANA E VITÓRIA (2018) mostra um grupo de pessoas em uma festa intimista olhando para seus próprios aparelhos celulares em meio a uma pequena multidão. Quando não, estão usando os celulares para filmar a moça que está cantando. Essa mudança de hábitos que faz com que as pessoas estejam quase o tempo todo com a cabeça voltada para baixo, como se estivessem tristes, ainda que vez ou outra estejam sorrindo e conversando com alguém, é mostrada em tom agridoce.

Afinal, a solidão e a necessidade de encontrar uma pessoa para amar continua sendo algo intenso no espírito humano. O que pode ter mudado é a sensação falsa de se estar menos só por causa das pessoas com quem se pode conversar no ambiente virtual. Há também uma mudança de valores muito interessante da juventude moderna. As duas meninas, Ana e Vitória, interpretando a si mesmas, têm relações com pessoas do mesmo sexo com certa naturalidade. Ana, inclusive, até prefere as meninas, como dá a entender desde o começo.

Mas ANA E VITÓRIA é um filme, acima de tudo, sobre amizade feminina, com foi, anos atrás, o belíssimo BAIXO GÁVEA, de Haroldo Marinho Barbosa. Mas aqui temos uma outra pegada, um outro diretor com uma familiaridade com a linguagem jovem no comando. Matheus Souza, que já havia trabalhado com outra estrela da música e do mundo pop, Clarice Falcão, em EU NÃO FAÇO A MENOR IDEIA DO QUE EU TÔ FAZENDO COM A MINHA VIDA (2012), desta vez se arrisca a fazer um musical com as jovens cantoras de Tocantins, que estão fazendo um sucesso popular bem considerável.

Por mais que Souza pareça ter um jeito quase amador de lidar com a dramaturgia e com os diálogos, eles são espirituosos e não buscam ser intelectuais. Na verdade, o filme consegue ser inteligente justamente porque suas personagens agem de maneira muito natural e falam muita bobagem. Uma das primeiras conversas de Ana com Vitória sobre comer formiga ser bom para a vista é um exemplo disso. E essa é apenas uma dentre as várias passagens que exploram o jeito simples das duas meninas que se aventuram pelo Rio de Janeiro.

O filme acompanha a jornada de união e sucesso das duas jovens que começam a cantar juntas e a partir dessa união passam a fazer sucesso e a arrebanhar uma legião de fãs. Para a surpresa delas. Há algumas passagens cantadas e que apresentam novas canções do duo, e algumas delas são co-interpretadas por Clarissa Müller, que faz par romântico com Ana. Pena que as novas canções não são tão inspiradas quanto as do primeiro disco, mas isso não tira o brilho e a beleza do filme.

No fim das contas, ANA E VITÓRIA apresenta mais uma história sobre chegas e partidas, encontros e desencontros amorosos do que a história profissional das duas meninas. O que é ótimo, pois acaba por flagrar um momento muito especial da vida humana, aquele momento em que tudo é muito incerto e doloroso, mas também muito excitante e cheio de vida.

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TENTAÇÃO NA CAMA

Como história de crime é bem ruim. Já quando vai mostrar as cenas de sexo com as três mulheres, é bom de ver. Infelizmente a maior parte da história é sobre a trama chata que só é revelada lá pelo final e deixar tudo no suspense só piora as coisas. A participação de Ari Toledo contando duas piadas podia ser dispensada. No mais, dá pra entender por que David Cardoso chora de saudade sempre que fala de seus tempos áureos. Direção: Ody Fraga. Ano: 1984.

NUNCA FOMOS TÃO FELIZES

Interessante fase do cinema brasileiro, que não precisava mais mostrar cenas de sexo para chamar a atenção, ainda que este aqui até possua. Mas o que mais importa mesmo é a espera, a eterna espera do garoto pelo pai envolvido com guerrilha na época da ditadura. Queria ter visto em melhores condições físicas. Direção: Murilo Salles. Ano: 1984.

SOL ALEGRIA 

Viva a anarquia! Abaixo a caretice! Uma beleza poder ter esses lemas em comum e ver SOL ALEGRIA. Por isso gosto tanto do miolo do filme, que se passa numa espécie de convento onde reina a depravação. Chega uma hora em que o sexo e a nudez estão tão naturais que se integram quase que sem estranhamento. Já acho problemática a terceira e última parte. Direção: Tavinho Teixeira e Mariah Teixeira. Ano: 2018.